Качественное зерно даёт хорошие всходы – это правило. В музыке то, что натворили музыканты в течение шестидесятых, дало бурный рост многочисленным талантам, что присоединились к тем, кто уже стал классиками и стали вписывать новые открытия в Великую музыкальную энциклопедию. Прекрасных пластинок, новых имён и жанров, что подарило нам это десятилетие – не счесть. Сегодня будет подборка из альбомов, которые можно было пропустить в первую пятилетку семидесятых.
1. Miles Davis – «Bitches Brew» (30 марта 1970)
Представлять этого музыканта – дело крайне неблагодарное. Десятки альбомов, более тридцати номинаций и восемь премий «Грэмми», улица в Нью-Йорке, что носит его имя (на самом деле – только часть улицы). Один из самых влиятельных джазменов, который своей музыкой направил мысли неокрепших (да и вполне состоявшихся) музыкантов в нужное им русло. Примерно так и говорят о Майлзе. Всё это правда. Ещё правда в том, что его творческий, да и жизненный путь был довольно тернист. Было в нём всё – и кривая дорожка, ведущая вникуда (по примеру Чарли Паркера, с которым Дэвис сделал несколько прекрасных записей), как следствие – проблемы с законом, и автомобильная авария, и депрессия, которая на несколько лет выбила его из седла и отвернула от сцены. Но хочется верить в то, что музыки и самосовершенствования в его жизни, всё же, было больше.
Рок-музыканты в своём творчестве уже давненько заглядывались на территорию джаза, некоторые особо отважные и талантливые даже отваживались вторгнуться. Бесконечные гитарные соло, соло на барабанах, импровизации – всё это стало хорошим тоном и без подобных номеров не обходилась практически ни одна работа музыкантов той поры. Но до записи «Bitches Brew » ни один джазовый музыкант не ступал на землю рок-н-ролла. Майлз Дэвис собрал мощнейший ансамбль (чего стоит только Чик Кориа на клавишах и Джон Маклафлин на гитаре) и выдал мощный джем, из которого Тео Масеро смонтировал полтора часа материала, что доказал всем - джазмены очень тонко чувствуют настроение рока и умеют это преподнести на высочайшем уровне. Чумовейшая пластинка, которая стала отправной точкой для джаз-рока.
2. The Groundhogs – «Split » (март 1971)
История «Сурков» началась в начале 60-х, когда почтовый служащий Джон Круйкшенк пригласил в свой коллектив «The Dollarbills » своего коллегу Тони МакФи. Довольно быстро переведя взгляд с поп-музыки на блюз, музыканты обновили имя, взяв его из названия песни Джона Ли Хукера «Groundhog ’s Blues » и принялись творить. Поигравшись и с корневым блюзом, и с соулом, музыканты обратили внимание на прог с блюзом и на третьей полноформатной пластинке показали то, как это может звучать. Тут их и заметил небезызвестный Джон Пил, поставил трек с альбома в свой эфир и известность коллектива выбралась за пределы поклонников блюза.
Четвёртая студийная работа трио – эталонный блюз-рок. Титульная сюита из четырёх частей показывает то, в какой форме находятся музыканты. Стоит ли говорить, что в тот момент они находились на острие своих возможностей? Думаю – нет. Меняя ритм и громкость, МакФи, Круйшенк и Пустельник исторгают из своих инструментов креплёно-кислотный блюз, проводят нас через все завихрения сюжета «Split » к своей развязке – прочтению вещицы, которая когда-то подарила им название. Причём исполнили её так, словно они родились и всю жизнь прожили в дельте Миссисипи.
3. Savage Rose – «Wild Child» ( январь 1973)
К концу шестидесятых, Дания превратилась в место силы для европейских хиппи и психоделическая сцена в этой скандинавской стране зацвела буйным цветом. Среди всего этого благоухания самым ярким и утончённым ароматом был коллектив Savage Rose , который в 1967-м году собрали братья Коппель – Андерс и Томас. Очень скоро, группа пополнилась новыми участниками, среди которых была и Анисетт Хансен, что впоследствии станет супругой Томаса. И, заручившись поддержкой лейбла Polydor , «Дикая роза» начала выпускать пластинки с завидным постоянством и неизменно самобытным звучанием.
Пластинка «Wild Child » стала восьмым полноформатным альбомом коллектива. Возможно – лучшая их работа, но что можно сказать с абсолютной уверенностью – самый ладный и доступный лонгплей из всего их творчества. Прелестные гитарные партии, что принадлежат новобранцу группы Перу Фросту, аккуратная поддержка ритм-секции от ударника Кена Гудмана и басиста Рудольфа Хансена, исполнительский (и сочинительский) талант братьев Коппель и неземной красоты вокал Анисетт. Психоделика, блюз, немного барокко и едва уловимый шлейф скандинавского фолка – то, что притягивает внимание к этой пластинке и время от времени заставляет её переслушать.
4. John Martyn – «Inside Out» ( октябрь 1973)
Если не знаете, как можно экспериментировать с фолком – значит вы не слышали творчества Джона Мартина (урождённного Иена Дэвида МакГиши). Достаточно быстро завоевав себе признание в кругах поклонников британского фолка, музыкант решил не ограничивать себя одной только акустической гитарой и пустился во все тяжкие поиска интересного звучания. Важнейшей, но не единственной его находкой стал дилэй «Echoplex », который сильно отразился на его дальнейших экспериментах. Всё чаще Мартин начал больше вдохновляться джазом, играть не только со звуком гитар, перкуссии, духовых и клавишных, но и овладевать умением вплетать голос в ткань композиций как отдельный и очень значимый инструмент.
«Inside Out » была второй пластинкой, которую музыкант выпустил в 1973-м году (первой стала его работа «Solid Air », которая была очень тепло принята критиками и имела коммерческий успех, а одну из вещей с неё позже перепоёт Эрик Клэптон). Почувствовав финансовую свободу, Джон выпустил абсолютно экспериментальный лонгплей. Начав с традиционной для себя композиции «Fine Lines », далее он обманывает ожидания слушателей, с головой погрузившись в минорные джазовые и околоджазовые импровизации, не забывая возвращаться к своим фолковым корням (например, в хрестоматийном номере «The Glory of Love » Билли Хилла). Альбом получился смелым, что позволяет внести Джона Мартина в число таких новаторов той поры, как Фрэнк Заппа или Капитан Бифхарт.
5. Neu! – «Neu! ‘75 » (1975)
Короткая, но довольно яркая история этого коллектива началась в 1971-м году, когда Клаус Дингер и Михаэль Ротер поссорились с Флорианом Шнайдером, хлопнув дверью, покинули Kraftwerk и продолжили разрабатывать крайне плодородные просторы краут-рока. На первой своей пластинке вместе с звукоинженером Конни Планком, представили новую находку, которую критики назовут «Motorik » (сами Neu ! Так его не именовали). Именно этот минималистичный звук через какое-то время будет вдохновлять многочисленных музыкантов: от героев пост-панка до Дэвида Боуи. Широким массам этот звук во всей своей красе представят в 1974-м Kraftwerk на своём альбоме «Autobahn », чем подстегнут Дингера и Ротера забыть (точнее - несколько приглушить) разногласия и собраться вместе для записи своей третьей пластинки.
Слушая «Neu ! ‘75» отчётливо понимаешь почему эта славная группа не могла существовать долго. Очень сложно привести к общему знаменателю творческие порывы механизма с двумя головами, что смотрят в разные стороны. Михаэля манил эмбиент с его романтизмом и прозрачным драматизмом, а Клаус изо всех сил хотел быть настоящей рок-звездой, что одним своим видом электризует воздух вокруг себя (во всяком случае, он на эту роль более чем подходил). Получился этакий диалог – с одной стороны главенствовал Ротер, а на второй стороне вовсю резвился Дингер (для пущей плотности звучания позвавший за ударную установку своего брата, Томаса и Ганса Лампе). Отличный альбом для понимания того, что же из себя представляет краут-рок.