Картины известнейшего представителя сюрреализма бельгийца Рене Магритта (1998-1967) вызывают у зрителей неподдельный интерес уже много десятилетий. Они отличаются не только точностью линий и гармонично подобранными оттенками, но и замысловатостью, которая порой граничит с загадочностью.
У нас в стране картин этого художника увидеть было негде – тем и ценна выставка Магритта, открывшаяся в Москве и демонстрирующая большинство его самых известных работ, показанных благодаря технике жикле – высококачественной печати на холсте, благодаря которой можно увидеть фактически факсимиле картин мастера в натуральную величину.
О части картин Магритта я уже рассказывал в предыдущей публикации (ее можно найти по ссылке под этой статьей). Сегодня я хочу продолжить этот рассказ.
Итак, новые картины знаменитого и незаурядного художника.
Фальшивое зеркало. 1928 год.
Магритт написал две версии этой картины. Первая, оригинальная версия была написана во Франции, в 1928 году. Именно ее изображение и представлено на выставке.
С 1933 по 1936 год картина принадлежала фотографу-сюрреалисту Ману Рэю. Картина была куплена у Мана Рэя Музеем современного искусства в Нью-Йорке. С момента покупки она осталась в постоянной коллекции МОМА.
Композиция на картине представляет собой изображение человеческого глаза крупным планом. Однако это не обычный человеческий глаз. Его радужка изображена автором как ярко-голубое небо с плывущими по нему белыми облаками - символом мудрости и духовности, а их бесконечный путь по небесному куполу — путь духовного совершенства и личностного роста.
Глаз, в который мы смотрим, отображает то, что видит человек перед собой прямо сейчас, именно в эту секунду. Это то, чем он наслаждается. Это то, что рисует образ в его голове, когда он смотрит на что-либо или кого-либо.
Органы чувств отражают лишь внешний облик вещей, их структуру или запах. Но они не способны передать глубины мира, глубину каждой из самых обычных вещей и предметов, в которую свято верил Рене Магритт. Другое название этой картины - «Кривое зеркало»: мы видим только то, что доступно нашему взору. А что на самом деле скрывает в себе предмет, в чем его суть - мы можем лишь гадать. И внутренняя суть предмета не всегда совпадает с его внешними качествами, на что и намекает второе название картины.
Кстати, в творчестве Магритта во время Второй Мировой войны был отчетливо импрессионистический период, который резко осудили сюрреалисты. Этот период искусствоведы называют это «периодом Ренуара». Но почему-то эти работы не ценились и отдельно не выставлялись. Это так странно — особенно на фоне Пикассо, каждый новый этап в творчестве которого вызывал большое внимание.
Магритт считал, что это его гражданский долг - писать жизнеутверждающие образы, давая зрителю надежду. Солнечные цвета, импрессионистские мазки и образы транслировали покой и умиротворение. Картина «Счастливая жизнь» - тому прекрасный пример.
Счастливая жизнь. 1944 год.
Плод на дереве, питаемый его соком, как ребенок в чреве матери — это иллюстрация полного покоя, умиротворения, защиты и удовлетворения всех нужд. Словом, всего того, чего так не хватало измотанным войной людям в 1944 году.
Голконда. 1953 год.
Полотно получило название в честь древнего индийского города, прославившегося добычей крупных алмазов (по легенде, именно здесь были найдены знаменитые камни Кохинур и Регент). За обилие драгоценных камней Голконду сделали символом богатства.
Как и в случае с большинством картин Магритта, название картины — своего рода ребус, который заставляет зрителя остановиться и задуматься о том, как именно оно связано с изображением.
Почему Магритт назвал свою картину именно так? Как часто бывает у Магритта нет одного-единственного верного ответа. Самый простой — название не связано с содержанием (сюрреалисты часто давали своим картинам названия, совершенно не связанные с сюжетами), а создаваемый за счет этого диссонанс является своего рода провокацией, очередной попыткой заставить зрителя поломать голову.
Однако искусствоведы полагают, что расположение мужчин в котелках на полотне напоминает кристаллическую структуру алмаза.
Кстати, если сначала они кажутся сплошной безликой стеной, то, как следует присмотревшись, можно заметить, что каждый из героев полотна самую малость отличается от других. Точно так же, как не существует двух полностью идентичных капель дождя или двух совершенно одинаковых драгоценных камней.
Одна из интерпретаций заключается в том, что Магритт демонстрирует грань между индивидуальностью и групповой ассоциацией и то, насколько она размыта. Все эти люди одеты одинаково, имеют одинаковые черты лица и все они парят / падают. Это позволяет взглянуть на людей как на группу. В то время они все же отличаться друг от друга: у кого-то есть портфель, а у кого-то — рука в кармане, у кого-то лицо чисто выбрито, у кого-то усы. И так до бесконечности.
«Голконда» — это размышление художника о месте человека в обществе. Кажущаяся типичность образов наводит на мысль, что масса подавляет личность, а замечаемые, пусть и не без труда, различия — о присущей каждому индивидуальности. Фигуры расположены в виде ромбических решеток, которые напоминают о кристаллической структуре алмаза. Общество, которое поначалу воспринимается как хаотичная масса, на самом деле имеет структуру и действует в довольно жестких рамках.
Сам Магритт говорил, что картина олицетворяет одноликость толпы и одиночество индивидуума, который может прикоснуться к настоящей жизни лишь во сне. В реальной же жизни - строгий костюм, котелок, невзрачные цвета. «Котелок — самый неоригинальный головной убор, удивления не вызывает. Человек в котелке — это господин Посредственность при всей своей анонимности. Я тоже ношу котелок, у меня нет особого желания выделяться из массы», — говорил Магритт.
А вот еще одна версия. Невозмутимость, с которой джентльмены воспринимают свое подвешенное состояние, напоминает самоуверенность и спокойствие, которые дает богатство (а ведь именно символом богатства является Голконда).
И напоследок расшифровка от самого художника: «Голконда был богатым городом в Индии, нечто вроде чуда, а я считаю чудом, что смогу на земле шагать по небу».
Так что Магритт был сюрреалистом особого толка. Он живо включился в игру «реальность — сон», но действовал своими инструментами. Не признавал психоанализ, не менял образы привычного. Напротив, Магритт создавал свой магический реализм, погружая нейтральные, знакомые зрителю предметы в не свойственный для них контекст. Создаваемое за счет этого напряжение заставляет зрителя искать ключ к разгадке, переноситься мыслями от образа к образу. И это именно то, чем и отличается Магритт от других художников его времени.
На сегодня пока всё.
Надеюсь, что вы прочитали эту публикацию с пользой для себя.
Приглашаю вас на свой достаточно молодой канал, где уже есть много всего полезного для души, сердца и ума. Уверен – здесь вы обязательно найдете себе что-нибудь по вкусу и не зря потратите время.
На этом смею закончить и откланяться.
Подписывайтесь на мой канал, ставьте лайки, оставляйте комментарии и заглядывайте на огонек. А я постараюсь сделать всё возможное, чтобы вы получили от моих публикаций максимальную пользу и удовольствие.
Ссылка на предыдущую публикацию:
Необычные картины Рене Магритта на выставке в Москве. Часть 1