14 ноября 1840 года в Париже в семье владельца бакалейной лавки родился сын по имени Оскар Клод Моне. Всего через пять лет вся семья будущего художника переехала в Нормандию, в Гавр. Начиная с 14 лет, Моне начал зарабатывать деньги и славу, рисуя мультфильмы.
Здесь, в Гавре, юноша познакомился с художником-пейзажистом и самобытным Эженом Буденом, работавшим в очень странной для того времени манере — свои картины он создавал не в мастерской, а прямо на пленэре.
Моне быстро осознал преимущества метода Будена – непосредственность и живость передачи натуры на холсте. С тех пор, то есть примерно с 1856 года, художник стал писать и на пленэре. Уже тогда Клод Моне решил для себя, что посвятит свою жизнь живописи, несмотря на то, что у его отца было свое мнение на этот счет.
Определившись со своей миссией, Моне переехал в Париж, где в 1859 году поступил в Сюиссскую академию. Там он знакомится с реалистом Гюставом Курбе, великим романтиком Эженом Делакруа и импрессионистом Камиллом Писсарро. Правда, всего через год обучения художника отправили в Алжир на военную службу, но он досрочно вернулся в Гавр по состоянию здоровья, а оттуда сразу перебрался обратно в Париж.
Творческие эксперименты и страсть к световым эффектам
Судьбоносным для Моне стало поступление в студию известного в то время художника Шарля Гдейра в 1862 году. Именно там он познакомился со своими будущими друзьями — Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем, вместе с которыми положил начало импрессионистскому движению. Поиск новых путей в искусстве стал целью и главным развлечением всей компании.
Через три года Моне написал картину «Завтрак на траве», вдохновением для которой послужило скандальное произведение Эдуара Мане под тем же названием. Однако Моне не собирался эпатировать публику изображением настоящих обнаженных персонажей, как это сделал Мане. Молодой художник как раз искал свой стиль. Уже в это время он стал пренебрегать линией и моделировал все формы с помощью цветовых пятен. Художник, все еще живший в Нормандии, увлекался писанием натуры, больше всего интересовался эффектами естественного света. Работа на опушке леса дала юному художнику возможность наблюдать, как солнечные лучи проходят сквозь листву и падают на различные поверхности, цвет которых тотчас же меняется, благодаря этим отражениям и бликам листвы.
Моне использовал свою возлюбленную Камиллу Донсье как модель для женских персонажей на работе, а мужские персонажи в картине были написаны с Фредерика Базиля. Эта компания, устроившаяся завтракать на лоне природы, занята только своим разговором и не имеет никакого контакта со зрителем. Художник появляется здесь, как незамеченный наблюдатель, ему не позируют господа и дамы. Нам остается только любоваться складками дамских платьев, повернутых к нам спиной. Лицо сидящего юноши, расположенное в правом нижнем углу картины, также отвернуто от зрителя. Моне следует своим законам, он не четко выстраивает композицию, как театральную мизансцену. Нарушить традицию, согласно которой изображение на переднем плане персонажа, повернутого к зрителю спиной, было просто невозможно, художник создает свою непринужденную эстетику, свободную от предрассудков. К сожалению, картина полностью не сохранилась, но ее эскизы вызвали большой интерес у многих молодых художников. В Московском музее имени А. С. Пушкина находится один из вариантов работы, созданной в 1886 году.
Другим примером отхода от классической живописи является картина «Дамы в саду» (1866, Музей д'Орсе, Париж), планировка которой с разрезом женских платьев не позволила бы себе изобразить ни в какой академической живописи способ. И Моне не боялся свободно кадрировать изображение, создавая впечатление фрагментарности, похожее на эффект фотографии.
На полотне мы видим типичную жанровую сцену, смысловой центр которой смещен к левому краю. Отход от традиции здесь выражается в том, что дамы, отдыхающие в тени деревьев, становятся неотъемлемой частью цветущего пейзажа, служа его украшением, подобно прекрасным цветам. Женские фигуры словно сливаются с пейзажем, их платья гармонируют с фоном теней, отбрасываемых стволами деревьев.
Живописца интересует не столько передача индивидуальности молодых женщин, их нарядов или занятий, сколько передача игры света и гармонии во взаимоотношениях природы и человека. О том, насколько незначительными для художника были сами дамы, можно судить по тому очевидному факту, что все четыре барышни были написаны с одной модели – самой Камиллы. Художник попытался завуалировать это, показав нам лицо только одной дамы, сидящей на траве. Фигура слева показана в профиль, дама рядом с ней закрывает лицо букетом, а четвертая героиня, протянувшая руку к цветущим кустам, и вовсе отвернута от зрителя.
В этом же году была написана одна из самых известных картин Клода Моне 1860-х годов — «Женщина в зеленом платье» (1866, Кунстайле, Бремен, Германия). На полотне мы снова видим Камиллу Донсье. Художник работает в реалистической манере, он использует темный фон, на котором ярко выделяется лицо молодой девушки, залитое солнцем.
Резкий контраст освещенных и затененных участков напоминает светотень Караваджо. Лиричный образ и в то же время очень интимный, он не предназначен для всеобщего обозрения: мастер разворачивает Камиллу почти спиной к наблюдателю, сама модель не ищет эффектных поз, оставляя нам лишь возможность рассмотреть подол. платья и накинутой поверх него шубы. Произведение было положительно воспринято как критиками, так и зрителями, что принесло юному Моне известность.
Через год Моне написал картину на очень похожую тему. Создается впечатление, что женщина в легком белом халате на картине «Дама в саду» (1867 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) нужна художнику лишь как повод для материализации одушевления природы в целях придать ей обитаемый вид. Дама снова почти повернулась к зрителю спиной, а художника интересует только красота полуденного пейзажа с его яркими красками и длинными тенями.
Центр композиции – круглая клумба с красными цветами, на которой стоит дерево. Изображенная женщина, которая, по идее, является смысловым центром произведения, помещена рядом с самым краем картины. Дама служит крайней левой точкой, с которой начинается композиционная диагональ произведения, поддерживаемая далее деревом на клумбе и другим деревом, изображенным справа. Ритм композиции задают вертикали женской фигуры и обоих деревьев, а также узкие тени, отбрасываемые ими на зелень травы.
В 1867 году Камилла Донсье родила художнику сына Жана, а чуть позже стала его женой. В этом же году написана картина «Жан Моне в колыбели» (частное собрание). Здесь, в отличие от многих картин автора, четко обозначен центр композиции; это украшенная люлька с балдахином, нависающим над изголовьем кровати. Мы видим мать возле кроватки – это делает картину похожей на популярные в голландской живописи жанровые сценки. Однако правое плечо и спина Камиллы обрезаны краем картины, что указывает на значимость другого персонажа произведения – сына, закутанного в одеяло.
Жанр натюрморта не был любимым у Моне, но, тем не менее, время от времени он к нему обращался. Картина «Натюрморт с фруктами и виноградом» (1867, частное собрание) отличается более плавным стилем письма, чем пейзажные работы мастера. Тусклый темный фон довольно редко встречается на полотнах Моне, но на нем спелые, даже слегка перезревшие плоды выглядят особенно живо и правдоподобно. В этой работе художника, как всегда, больше всего интересует природа и эффекты света.
А вот цветы страстно любивший их художник предпочитал писать на природе. Изображение срезанных цветов было редким исключением, образцом которого является картина «Цветы и фрукты» (1869, Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес, Калифорния). Здесь мастер изначально использовал темный фон, но впоследствии отказался от него. Построив натюрморт, Моне легко обрезает добрую половину плетеной корзины, фрукты на столе и лепестки подсолнуха, чем также нарушает все каноны академической живописи, призванием которой всегда считалось изображение предмета с его наилучшей стороны. сторона.
В начале своей карьеры Клод Моне сильно страдал от финансовых трудностей, которые едва не довели его до самоубийства. В 1860-е годы бедственное материальное положение художника вынуждало его постоянно переезжать с одного места на другое. С 1869 года Моне поселился в пригороде Парижа Буживале. К нему сюда часто приезжал Огюст Ренуар, вместе они много работали на природе, запечатлевая одни и те же виды и разрабатывая собственную технику живописи.
Друзья всматривались в лицо природы, замечали даже незначительные изменения в освещении и движении воздуха, которые их больше всего интересовали. Стремление уловить мгновенные состояния вечно меняющейся природы, живущей по своим законам, объединяло молодых художников. Они внимательно наблюдали, как преображаются одни и те же пейзажи в зависимости от времени суток, атмосферных условий и характера освещения: удлиняются и сгущаются тени, на листьях и воде играют солнечные блики, на неподвижной глади реки образуется рябь.
В 1869 году художники написали свои знаменитые одноименные картины с видом на кафе на Сене у Буживаля и бассейн возле него. Картины назывались «Лягушка» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк). В своей версии произведения Моне выработал индивидуальную технику письма, новый способ нанесения мазков, позволяющий быстро перенести на холст ощущения от увиденного, что критики сочли крайне небрежным. Действительно, с точки зрения салонного живописца полотно производит впечатление незаконченного, бегло выполненного эскиза, в котором предметы лишь обозначены, причем довольно грубо. Нет свойственной академическому искусству идеализации. Но Моне совершенно сознательно избегал этого. Художник всегда писал то, что видел в данный момент,
Как и большинство импрессионистов, Моне писал чистым цветом, не прибегая к смешиванию красок на палитре. Он избегал оттенков и полутонов, принятых в традиционной живописи. Вместо этого художник густо наносил на холст мазки определенных цветов, а в сочетании они придавали восприятию человеческого глаза разные оттенки. Идея такой картины была основана на открытиях французского физика Эжена Шевреля в области оптики. В частности, было обнаружено, что цвет предметов не является неким объективным фактом, а зависит от света, лучи которого от них отражаются. Это послужило оправданием полного отказа импрессионистов от черного цвета и создания ими «цветных» бликов и теней на светлых поверхностях их полотен.
Картина «Терраса в Сент-Андресс» (1867, Метрополитен-музей, Нью-Йорк) отличается отсутствием перспективной конструкции общего для европейского искусства пространства. Из-за этого кажется, что море нависает над солнечной террасой. Идею попробовать отказаться от перспективы Моне подала ставшая популярной в Европе традиционная японская живопись. На переднем плане картины цветущая терраса, по которой дамы и господа, укрываясь от жаркого летнего солнца под навесом или зонтиками, прогуливаются или просто отдыхают, сидя в плетеных креслах.
Яркие цветы неоднократно будут появляться на полотнах Моне, становясь, в конце концов, самостоятельным мотивом в его позднем творчестве. На заднем плане море, многочисленные парусники на которых подчеркивают горизонт. Изображенный возле террасы парусник служит важным ориентиром для глаз. Без него первый и второй планы картины выглядели бы слишком фрагментарно, что привело бы к распаду композиции на две самостоятельные и не связанные между собой части. Четкие вертикальные столбы, спорящие с горизонтальным построением композиции, выглядят немного инородно. Но это лишь поверхностное впечатление, на самом деле именно они «собирают» всю работу, акцентируя внимание зрителя на ее центральной части.
С началом франко-прусской войны в 1870 году Моне уехал в Лондон, где в том же году женился на Камилле. В Лондоне художник продолжает встречаться с друзьями и единомышленниками и пишет городские виды с Камиллой Писсарро.
Стиль личности
Спустя два года художник создает свою известную работу «Впечатление. Восход солнца» (1872, Музей Мармоттан-Моне, Париж). В ней живописец не пытался воспроизвести действительность, не пытался подражать природе, а лишь передал свое личное впечатление от ее красоты.
Фигуры людей на картине вновь едва очерчены, что было непривычно для зрителя, привыкшего к академическому стилю письма. Зато прекрасно передана колористическая связь чистой лучистой воды и восхода солнца, проявляющегося в ярких отблесках на морской глади.
Эту работу художник представил на первой выставке импрессионистов, состоявшейся в 1874 году. Тогда Моне и его товарищи еще называли себя «Анонимным обществом художников, живописцев и граверов». Картина получила резко негативные отзывы критиков и зрителей, а ее название («Впечатление») породило ироничное в то время определение нового направления живописи — импрессионизма. Выставка получила известность только своим оглушительным провалом.
Вернемся в 1872 год, когда Моне с семьей переехал в городок Аржантёй, недалеко от Парижа. К нему сюда снова приезжали друзья – Сислей, Эдуард Мане и Ренуар. Картины художника по-прежнему не продавались, но доставшееся от отца наследство смогло немного увеличить материальное благосостояние его семьи. Здесь, в Аржантее, Моне устроил себе «плавучую мастерскую». Он путешествовал на лодке по Сене, вольно запечатлевая понравившиеся виды и продолжая изучать действие освещения по рефлексам солнечных лучей на воде.
В 1873 году Моне создает картину «Поле маков в Аржантее» (Музей Орсе, Париж), изображающую тонущих в полевой траве Камиллу и маленького Жана Моне. Диагональное построение композиции создает ощущение движения. На переднем и заднем плане две пары, состоящие из матери и ребенка, которые расположены по диагонали, поддерживаемые едва заметной дорожкой, подчеркнутой лишь полосой маков. Обе пары написаны от одних и тех же моделей. Работа прекрасно демонстрирует умелое построение композиции с помощью цвета.
В этом же году написана и картина «Бульвар Капуцина» (1873, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва), в которой отчетливо чувствуется влияние искусства фотографии. Картина, передающая мгновение из жизни наполненного прохожими и бригадами городского бульвара, напоминает моментальный снимок. Люди в нем играют лишь второстепенную роль, а главная отводится атмосфере современного художника города.
Очевидное влияние фотографии заметно в композиционном построении картины «Улица Сен-Дени в Национальный день» (1878, Художественный музей, Руан). Ритм композиции задают сине-бело-красные мазки множества национальных знамен, выставленных, как штыки, с балконов и оконных проемов домов. Работа, словно репортажный снимок, запечатлела жизнь города во время праздника.
Более того, живописца совсем не интересует прославление людей. В отличие от Делакруа и его работы «Свобода на баррикадах», Моне не изображал группу в эффектной обстановке. Художнику нужен был сам город, его лицо и атмосфера, царящая в праздник. Улицы населены лишь посохными фигурами – набросанными темными силуэтами, подавленными каменными стенами.
Но самыми любимыми моделями для художника оставались его обожаемая жена и маленький сын. Кисти Моне принадлежит замечательная работа «Камилла Моне с сыном Жаном» (альтернативное название «Дама с зонтиком», 1875, Национальная художественная галерея, Вашингтон). Несмотря на статичные позы героев, картина полна движения: по небу несутся облака, а легкое платье и фата на шляпке молодой женщины развиваются на ветру.
Ярким примером влияния восточного искусства на творчество художника является его всемирно известная картина «Японская девушка» (1876, Музей изящных искусств, Бостон). На нем Камилла, одетая в ярко-красное кимоно, стоит на фоне серой стены, украшенной японскими бумажными веерами. Работа чрезвычайно декоративна, традиционный японский наряд полностью скрывает фигуру женщины, а композиция совершенно лишена глубины и приближается к плоскому рисунку. Как всегда, Моне избегает четких контуров предметов: фигура его жены-японки, изображенная на ткани кимоно и веер на стене за спиной женщины, написаны скорее цветом, чем линией, что создает дополнительное впечатление плоскостности работы.
Важнейшим местом для современного парижского художника был вокзал Сен-Лазар. Мастер посвятил ему несколько картин, написанных в 1877 году. Вокзал творил судьбы людей, связывая столицу Франции с другими городами и даже странами. Здесь всегда кипела жизнь: прибывали и уезжали пассажиры, гудели паровозы, поезда набирали скорость и уносились вдаль.
Именно эту захватывающую атмосферу новой индустриальной жизни художник стремился показать в своих полотнах. «Вокзал Сен-Лазар. Прибытие поезда» (1877, Художественный музей Фогга, Гарвард) прекрасно отражает повседневную жизнь вокзала. В работе использована почти монохромная живопись, выбран необычный ракурс, прекрасно передающий особенности решения архитектурного свода вокзала.
Вскоре в его семье произошли два важнейших для художника события: в 1878 году любимая жена родила ему второго сына Мишеля, после чего серьезно заболела и сама Камилла. Моне снова испытывает серьезные финансовые трудности. Ни публика, ни критика еще не «созрели» к правильному восприятию его стиля в искусстве. Художник был вынужден покинуть Аржантёй и поселиться в Ветеже, где его соседями были коммерсант Эрнест Гошеде и его жена Алиса, которой впоследствии суждено было стать второй женой художника.
Свои впечатления от переезда художник передал в картине «Дорога на Вете зимой» (1879, Художественный музей, Гетеборг), где изобразил типичный зимний пейзаж Франции: грунтовая дорога, покрытая снегом, холмы с буровато- пробивающаяся сквозь рыхлый снег и мерзлую зеленую траву бурая земля, церковь, двухэтажные дома, встроенные в пологие склоны холмов по обеим сторонам дороги. Только фигуры двух путников немного оживляют пейзаж.
Картина «На берегу Сены близ Ветеи» (1880, Национальная галерея, Вашингтон), написанная летом следующего года, одновременно проста и лирична. Весь передний план картины занимают цветущие луговые травы, за которыми виднеется зеркальная гладь реки. Художник мастерски передал отражение неба в реке с плывущими по ней облаками и стоящими на противоположном берегу деревьями. Прибрежные кусты и отдельно растущие деревья на заднем плане картины словно окутаны голубовато-сероватой дымкой от затеняющих их серых облаков.
Необычайно яркий и солнечный пейзаж на полотне «Цветущие яблони» (1879, Музей изящных искусств, Будапешт) поражает мастерской светопередачей – изображенный пейзаж словно купается в солнечных лучах, заливающих все окружающее пространство.
Композиция картины опять же очень проста, на первом плане цветущие деревья яблоневого сада и трава под ними, на втором мы видим дома с красными крышами, полускрытые за ветвями деревьев, а задний план занимает поднимающийся холм. Несколько яблонь, придвинутых вплотную к нижнему краю произведения, служат правыми кулисами и единственной вертикалью на горизонтальной композиции, как бы «собирая» все произведение.
В том же 1879 году, в возрасте всего тридцати двух лет, от тяжелой болезни скончалась любимая жена Моне. Убитая горем художница, она пишет свой портрет Камилла на смертном одре, в котором он в своей манере изобразил свою жену, подчеркнув цветом, как ее лицо теряет жизненные краски.
Долгожданный успех
Парадоксально, но именно в этот год тяжелой утраты в личной жизни к артисту приходит профессиональный успех. В парижской прессе появились положительные отзывы и отзывы о выставке его работ, которые тут же начали продаваться. Это улучшило материальное положение живописца.
В 1883 году он снимет небольшой, но очень уютный дом в Живерни под Парижем, рядом с которым разбит великолепный сад, выверенный как картина, с учетом индивидуальной окраски и времени цветения каждого растения. Позже Моне выкупает дополнительную территорию возле дома, чтобы создать на ней еще один потрясающий сад, в котором был пруд с кувшинками и японский мостик с ведущими к нему извилистыми дорожками. Это место будет предметом его картин до самой смерти, вместе с идеей создания множества отдельных серий работ, в которых художник воплотил свои многолетние исследования визуальных возможностей цвета в передаче различного освещения. В этих рабочих циклах живописец наглядно изобразил, как меняется один и тот же мотив в зависимости от того, как он освещен. Надо сказать, все сериалы пользовались огромным успехом у публики.
Незатейливый сельский вид в картине «Стог сена в Живерни» (1886, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) стал одним из излюбленных мотивов художника. Пейзаж, композиционным центром которого был стог сена, стоящий на переднем плане, дополняется виднеющимися в дальних полях домами и деревьями.
В 1888 году Моне создаст серию из 25 работ, посвященных этому виду. Более того, окружающий пейзаж на полотнах будет становиться все более условным, деление на композиционные планы практически исчезнет, а стог сена приобретет самостоятельную роль, как бы концентрируя в себе такой смысловой центр бытия. Главная роль во всех картинах отводится цвету, стремящемуся передать весь спектр переменного света. В течение дня художник работал над несколькими полотнами, передающими разные условия освещения: утреннее, дневное и вечернее — в этом своеобразие живописного метода, положившего начало еще одной серии — «Тополя». Зеркальная симметрия, по принципу которой построена композиция работы «Тополя в Эпте» (1891, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург) представляет зрителю две реальности: реальную тополиную рощу на берегу реки и ее отражение в зеркальной глади воды, лишь слегка подернутой рябью. Река полностью вобрала в себя все краски, которыми пестрят деревья, небо с плывущими по нему розоватыми облаками. Трепетность водной глади подчеркивается характером мазков живописца.
Самый крупный цикл, посвященный Руанскому собору, был начат Клодом Моне в 1892 году. За два года художник выполнил 50 картин, на которых последовательно изображал готический фасад собора в разное время суток: с раннего утра до позднего вечера. Солнечный свет творит потрясающие метаморфозы не только с цветом собора, но и с его каменной сущностью. Стена, простоявшая несколько столетий, благодаря заливающему ее свету и готической архитектуре ажурности кажется почти невесомой и чудодейственной. Лучи солнца словно растворяют каменную мощь собора, проникая в него с разной интенсивностью.
Благодаря мастерству кисти Моне собор как бы перестает быть материальной субстанцией и становится воздушным и эфемерным. Он как бы перестает быть земным творением и сливается с небесным. Было ли это следствием зодчих далекого Средневековья, возносивших к небу каменное кружево церковных стен? Возможно, Моне проник в самое сердце концептуальной идеи готического искусства. Цикл «Руанский собор» был выставлен художником в 1895 году и имел большой успех.
Одновременно с началом работы над циклом Клод Моне женится на Алисе Гошед. Живописец начинает много путешествовать, работает в Италии, готические соборы которой он находит невероятно импрессионистическими, Нормандии, Швейцарии и Голландии.
В Нормандии у мастера родились великолепные морские пейзажи, такие как картина «Маннпорт» (1883, Метрополитен-музей, Нью-Йорк), как бы прославляющая величие водной стихии. Также художник часто работал над изображением живописных скал близ городка Эгрет, которые были главной достопримечательностью этой местности, благодаря своей неповторимой форме, созданной по прихоти волн.
Маннпорт, пожалуй, самая известная скальная арка. Чтобы передать масштаб скального образования, живописец быстро намечает несколькими мазками пару фигур под сводами каменной арки, массивность которых, мощно выступая из левого края картины, буквально готова их раздавить. Созданию такого впечатления способствует и композиция произведения: эффект бесконечности каменной поверхности художник подчеркивает тем, что вся скала не помещается в рамку картины.
Буйство красок и бессмысленность
Выразительная способность цвета на протяжении всего творческого пути художника была основным средством его художественного языка. Клод Моне до самого конца оставался верен себе, никогда не сворачивая с избранного пути и лишь совершенствуя и оттачивая выразительность приемов своего индивидуального стиля. Единственным отличием позднего периода его творчества была тяга к беспредметности, размытость понятия о конкретном сюжете и форме. Одним из лучших своих творений художник считал вовсе не картину, а созданный им сад у дома в Живерни, где он подобрал и посадил многочисленные виды и сорта цветов, чтобы сад постоянно цвел, радуя глаз художника с различными оттенками. Великолепный сад, по сути, тоже произведение искусства, стал излюбленным объектом живописи мастера,
Полотно «Сад ирисов в Живерни» (1899, Художественная галерея Йельского университета) вновь демонстрирует нам очень простую композицию. На полотне квадратного формата изображена дорожка, убегающая в глубь сада, полускрытая разросшимися кустами ирисов, а над ней виднеются стволы садовых деревьев, создающие дальнюю перспективу.
Художник наносит на холст как бы ликующие, чистые, яркие краски, передавая зрителю свое ощущение счастья и полноты жизни, рожденное от соприкосновения с природой. Красивые и нежные цветы ирисов на переднем плане словно смотрят нам в глаза. Умелая рука мастера словно вдыхает в них душу, а красота окружающей природы становится величайшим чудом, олицетворением венца божественных творений. Именно такое отношение к природе, являющейся достаточным объектом живописи в творчестве Клода Моне, отличает художника от приверженцев академического стиля, в котором только человек всегда был «венцом творения».
Одна из самых известных серий Моне «Кувшинки» была начата в 1899 году. В произведениях цикла живописец изображает кувшинки (ненуфары), плавающие в пруду своего сада в Живерни. Сам художник выращивал эти нежные цветы в своем пруду и подолгу любовался ими, наслаждаясь бликами солнца на хрупких лепестках и отражением облаков в воде. Кажется невероятным, но кувшинки владели сердцем талантливого художника до самой его смерти, около двадцати лет. Серийность произведения основана на вариации этого мотива при различном освещении.
Созданное в 1903 году произведение «Кувшинки. Облака» (частное собрание) рождает поразительно радостное впечатление. Полотно пропитано солнечным светом, несмотря на то, что небо присутствует только в его отражении в воде. Кажется, будто кувшинки и облака медленно плывут по одной поверхности, словно гонимые легким дуновением воздуха.
Квадратная форма полотна в работе «Пруд с кувшинками» (1908, частное собрание, Санкт-Галлен, Швейцария) зрительно увеличивает изображение в пространстве, создавая впечатление бесконечности. Моне использовал эффект фотографии, как бы вырезая из водной глади пруда отдельный фрагмент и записывая его крупным планом. В кадр попала лишь водная гладь с листьями, цветами кувшинок и отраженными облаками, живописно разбросанными по ее глади.
Здесь мастер снова отошел от перспективного построения картины, из-за чего кувшинки, расположенные в правом верхнем углу композиции, ближе к зрителю, чем растения переднего плана картины. Благодаря этому приему картина теряет глубину и как бы разворачивается в плоскости, становясь более декоративной.
С 1870-х годов Клод Моне неоднократно бывал в Англии, он любил Лондон за его неповторимую туманную атмосферу. А примерно с 1900 года живописец стал чаще приезжать сюда. Он создает здесь серию работ, посвященных зданию парламента.
На картине «Здание парламента в Лондоне» (1904, музей д’Орсе, Париж) архитектурный объект изображен как бы окутанным густым туманом. Лишь кое-где желто-красное солнце прорывается сквозь маленькую мысль, высвечивая фрагменты величественных очертаний неоготической архитектуры и окрашивая широкую Темзу красновато-лиловым бликом. Стиль живописи весьма условен, художник изображает не конкретные элементы, а сиюминутный образ самого города, таким, каким он его только что видел.
Импрессионизм Моне не предназначен для передачи объективной реальности; он не признает постоянства качеств объектов. Весь их вид, цвет и форма зависят только от света, который едва пробивается, затем заливает всю округу, а то и вовсе гаснет, переходя в полумрак. Весной 1908 года Клод Моне с семьей отправился в Венецию. Восхитительная атмосфера этого города, его водные просторы, удивительно удачно обыгранные венецианскими зодчими, рефлексы света на воде и отражающиеся в ней памятники пленили живописца. Так родилась серия венецианских пейзажей, написанных прямо во время путешествия.
Произведение «Палаццо да Мула в Венеции» (1908, Национальная галерея, Вашингтон), написанное там, сложно назвать экскурсионным или архитектурным пейзажем. Скорее, это, образно говоря, «портрет» средневекового венецианского здания, «смотрящего» в зеркало канала перед ним. Причем этот «портрет» написан крупным планом, стороны дворца обрезаны рамой картины, на холст попала только средняя часть здания без крыши.
Такая необычная композиция объясняется очень просто, Моне вовсе не собирался копировать архитектурный памятник, он был для него так же неважен, как и фигуры людей на большинстве его полотен. Художника пленило удивительно гармоничное единство архитектуры и ландшафта, созданное гениальным зодчим, задумавшим дворец, словно выходящий из воды. Горизонтальная композиция с четким делением на передний (пространство воды) и задний (стены палаццо, испещренные многочисленными арками дверных и оконных проемов) планы уравновешены парой тонких силуэтов гондол.
Венеция поразила художника единством жизни зданий и каналов, на берегах которых они были возведены. Импрессионистическая гармония, образованная каменными стенами, отражающимися в воде, которую та же вода, впитывающая солнечный свет, окрашивает многочисленными отблесками небесных оттенков, покорила сердце живописца. Именно это состояние он пытался передать на своих венецианских полотнах.
Одиночество и потеря
Второе десятилетие нового века ознаменовалось для художника чередой потерь. В 1911 году умерла вторая жена Алисы, через три года, в 1914 году, умирает его старший сын Жан. За Моне преданно ухаживала только дочь Алисы от первого брака, которая была женой Жана.
Вместе с чередой смертей родственников живописца постигла еще одна беда – двойная катаракта. Злой рок отнял у художника главное, чему он посвятил всю свою жизнь тому, чтобы уметь видеть и изучать световые эффекты, блики и рефлексы солнечных лучей, увиденные в природе. Однако Моне не остановился, он продолжал творить свое творчество. Спустя четыре года, после поставленного диагноза, художник задумал новую серию впечатляющих панно размером 2х4 метра с изображениями своего сада.
Панно «Водяные лилии» («Ненуфарас», 1920-1926, Музей Оранжереи, Париж) производит впечатление плоскостности бескрайнего пространства, как бы простирающегося далеко за рамки картины. Сочные, крупные мазки мастера лишь намечают форму листьев и цветов, вся картина выполнена в технике цветовых пятен.
Чуть раньше, в 1917 году, Клод Моне написал свой «Автопортрет» (Музей Оранжереи, Париж). Картина представляет собой воспроизведенную через отражение в зеркале собственного сознания самооценку человека. Уставшие глаза мастера не смотрят на зрителя, хотя он и повернут к нему лицом. Художник не ищет «диалога». На первый взгляд работа кажется незавершенной: изображена только голова художника, а линия плеч намечена схематично. Однако густая тень, окаймляющая портрет, насыщает образ драматизмом и не оставляет сомнений в его завершенности.
В конце своей карьеры Моне начал смешивать предметное и беспредметное искусство. В его работе 1918 года «Японский мост» (Институт искусств, Миннеаполис) можно прочесть лишь очертания любимого художником моста, обвитого глициниями и перекинутого через пруд с кувшинками, невысокий куст на переднем плане и дерево на заднем плане. правый край холста. Все остальное – просто экстравагантное буйство красок, красоты и полноты жизни.
Картина «Сад с прудом в Живерни» (около 1920, Музей изящных искусств, Гренобль) представляет нам загадочный уголок сада художника, скрытый в густых зарослях. Работа, конечно, предметная: здесь видна четко выстроенная композиция, четко различимы очертания ветвей. Создается впечатление, что в произведении цвет играет самостоятельную роль, он подчеркнуто декоративен в преломлении угасающего взгляда живописца. Благодаря нереальной условной цветопередаче картинка производит драматическое впечатление. Цвет необычайно выразителен. Это уже не импрессионизм в чистом виде, техника письма и художественная концепция являются скорее отражением внутреннего мира стареющего человека.
Великий художник, один из основоположников импрессионизма, покоривший мир, Клод Моне умер в декабре 1926 года в своем доме в Живерни. Сезанн в свое время воскликнул: «Моне всего лишь глаз, но, боже мой, какая вещь!» Картина французского художника – это бесконечное восторженное любование природой, красоту и совершенство которой он смог передать в особом, неповторимом, тонком и чувственном стиле.