Тициан Вечеллио да Кадоре — один из величайших художников всех времен, наряду с такими легендами итальянского Возрождения, как Леонардо, Микеланджело и Рафаэль. Тициана, признанного гения своего времени, называли «королем живописцев и художником королей». Открытия этого титана живописи в области изобразительного искусства так или иначе повлияли на творчество всех последующих художников. Тициан сыграл большую роль в развитии мифологического жанра, пейзажа и портрета. Кстати, попасть под кисть мастера было высшей наградой для его современников.
Художник прожил долгую жизнь, сохранив до последних дней ясность мышления, чуткость восприятия, остроту зрения и удивительную работоспособность. Это позволило Тициану до конца дней не выпускать кисть из рук и оставить потомкам обширное художественное наследие. В его творениях удивительным образом сочетались хрупкость и торжественность, одухотворенность и обыденность действительности, трагедия и красота человека и мира. Недаром работы живописца копировали бесчисленное количество раз.
Жизнь и творчество художника пришлись на период наивысшего расцвета Венеции, самого блеска ее могущества и славы, время глобальных перемен и исторических событий. По разным данным, Тициан родился в 1477 или 1480 году. Его родители принадлежали к старинному роду, проживавшему в небольшом городке Пьеве-ди-Калоре, расположенном в Альпах. Мальчик рано проявил способности к рисованию и в десять лет родители отправили его учиться в Венецию. Основы изобразительного искусства юный Тициан постиг в мастерской Джованни Беллини, который сыграл значительную роль в судьбе молодого художника, познакомив его с уже известным живописцем Джорджоне. Эта встреча сыграла большую роль в жизни Тициана, благодаря ей он рано нашел свой стиль и получил признание. И хотя два талантливых художника так и не подружились — уж слишком разными были привычки, характеры и взгляды на жизнь — нельзя недооценивать ту роль, которую Джорджоне сыграл в жизни Тициана. Об уважении последнего к старшему товарищу можно судить по сохранившимся свидетельствам того, как тяжело Тициан перенес неожиданную смерть Джорджоне (великий художник неожиданно скончался, когда ему было всего тридцать пять лет).
Своеобразной данью таланту Джорджоне и той важной роли, которую он сыграл в судьбе Тициана, стала реставрация художником сгоревшей в огне «Спящей Венеры» Джорджоне. Тициан полностью переписал непоправимо испорченное огнем полотно, сохранив лишь позу героини и ее нежное лицо. Скромный живописец не стал подписывать картину своим именем и ни разу не упомянул почти полное авторство шедевра, приписываемое кисти Джорджоне. Возможно, эта работа стала первой вехой в последовавшей неразберихе, из-за которой на протяжении многих десятилетий картины Тициана, отличавшиеся редким совершенством исполнения, часто приписывались кистям Джорджоне.
Но вернемся немного назад, а именно в 1508 год, в «золотой век» итальянского Возрождения, когда признанный художник пригласил юного Тициана помочь ему в украшении Немецкого подворья в Венеции. Джорджоне начал проектировать свою часть Немецкого подворья гораздо раньше своего младшего товарища, выбрав для себя главный фасад здания, который выглядит более выигрышно. Тициан остался с задней частью двора, выходящей на узкую улицу, которая всегда была заполнена людьми. Джорджоне, который был не только талантливым живописцем, но и обаятельным человеком, всегда был окружен множеством друзей, которые то и дело приходили к месту работы, чтобы похвалить художника и поднять его творческий дух. Тициан, отличавшийся молчаливостью и замкнутостью, работал преимущественно в одиночестве. Не удивительно,
Когда реставрация Немецкого подворья была наконец завершена, вся Венеция сбежалась посмотреть на это чудо. Восторгу публики не было предела и, по многочисленным свидетельствам, картина Тициана была самой нашумевшей. Для оценки настенных росписей была создана специальная комиссия во главе с Беллини. Сохранились воспоминания одного из свидетелей, присутствовавших там в тот день, — Дольче: «Тициан изобразил великолепную Юдифь, она выше всяких похвал. Цвет и рисунок были настолько совершенны, что как только она предстала перед зрителями, все друзья Джорджоне, единодушно решившие, что это его работа, тут же принялись поздравлять художника, уверяя, что это лучшее из всех его творений. К сожалению, в настоящее время мы не можем судить о творчестве двух мастеров, потому что всего через тридцать-сорок лет, фрески почти полностью утеряны из-за очень влажного, пропитанного морской солью, венецианского воздуха, ржавой краски. Но даже из сохранившихся отдельных фрагментов видно, что Тициан блестяще прошел это непростое испытание, заявив о себе как о талантливом художнике с глубоко индивидуальным стилем.
А масса, благодаря участию в этом проекте, очень рано заговорила о работах Тициана, так как первые работы мастера отличались редким реализмом и тщательной передачей деталей, что редко удавалось молодым живописцам. Не последнюю роль в скорейшем признании художника сыграла крайне благоприятная для творческих людей обстановка в стране. В этот период Венеция жила в мире и достатке, благодаря мощному флоту, развитой торговле и прочному экономическому положению.
Создайте уникальный стиль
Это было время, когда поэты, писатели, музыканты и художники изображали счастливых людей на фоне безмятежной природы, а главными темами для произведений искусства были любовь, красота и поэзия отношений. В такой обстановке и начался творческий путь юного Тициана.
Изначально художник увлекся изображением природы, а любимым временем суток стало волшебное время перед закатом, когда небо приобретало яркий, насыщенный цвет. Можно догадаться, что любимым временем года Тициана была осень с ее буйством и многоцветием красок. Правда, любовь к пейзажам длилась недолго, со временем мастер стал отдавать предпочтение другому жанру, а именно портрету.
Художника стали привлекать люди своим богатым и сложным внутренним миром. Среди ранних работ художника особым мастерством выделяется «Портрет мужчины в платье с голубыми рукавами», на котором изображен один из лучших друзей художника, поэт Людовико Ариосто, облокотившийся на парапет с инициалами «ТВ». . Правда, есть версия, что на картине изображён сам Тициан, который сейчас хранится в Национальной галерее в Лондоне. Вопрос остается спорным, но не принципиальным, так как главным в этой работе является не ее объект, а манера письма юной художницы и мастерство, с которым она была исполнена. Изящный колорит картины, легкость мазков, простая и стройная композиция, прекрасно расписанная ткань одежды человека, смотрящего на зрителя немного сверху,
Со временем творчество Тициана стало наполняться все большей повествовательностью, динамикой, напряжением и драматизмом. Природа на них уже не была безмолвной и статичной, она наполнялась жизнью, а люди на ее фоне наполнялись чувствами и движениями. Например, в картине «Три возраста людей» (1512, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург) отображено течение времени и краткость человеческого века. Сюжет картины, разворачивающейся на фоне солнечного пейзажа, необходимо читать справа налево. Двое младенцев, спящих сладким сном на переднем плане справа, изображают безмятежное начало жизни, когда человек еще не знает, какие радости и печали ждут его в будущем. Маленький ангелочек охраняет покой и безопасность малышей, вокруг которых едва пробивается молодая травка. В левой части композиции на переднем плане, под густой кроной дерева, молодая влюбленная пара. Эта часть картины представляет середину жизни, когда мы молоды, полны сил, желаний, здоровья и энергии. А на заднем плане сидит старик с двумя черепами в руках. Черепа символизируют неизбежность смерти, ожидающей каждого человека, когда его жизнь подходит к концу. Голова старика опущена на грудь, выражая грусть и безысходность старости. Смысл картины прост – все мы рождаемся для того, чтобы потом умереть. Эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества, находя отражение и в других полотнах, например, в «Аллегории времени и разума», которую мы рассмотрим позже. полна сил, желаний, здоровья и энергии. А на заднем плане сидит старик с двумя черепами в руках. Черепа символизируют неизбежность смерти, ожидающей каждого человека, когда его жизнь подходит к концу. Голова старика опущена на грудь, выражая грусть и безысходность старости. Смысл картины прост – все мы рождаемся для того, чтобы потом умереть. Эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества, находя отражение и в других полотнах, например, в «Аллегории времени и разума», которую мы рассмотрим позже. полна сил, желаний, здоровья и энергии. А на заднем плане сидит старик с двумя черепами в руках. Черепа символизируют неизбежность смерти, ожидающей каждого человека, когда его жизнь подходит к концу. Голова старика опущена на грудь, выражая грусть и безысходность старости. Смысл картины прост – все мы рождаемся для того, чтобы потом умереть. Эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества, находя отражение и в других полотнах, например, в «Аллегории времени и разума», которую мы рассмотрим позже. Смысл картины прост – все мы рождаемся для того, чтобы потом умереть. Эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества, находя отражение и в других полотнах, например, в «Аллегории времени и разума», которую мы рассмотрим позже. Смысл картины прост – все мы рождаемся для того, чтобы потом умереть. Эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества, находя отражение и в других полотнах, например, в «Аллегории времени и разума», которую мы рассмотрим позже.
К начальному периоду творчества художника относится и картина «Загородный концерт» (около 1510, Лувр, Париж), в которой Тициану удалось передать удивительно гармоничное слияние человека с природой в прекрасное и тихое вечернее время. Вот перед нами двое молодых людей в красивых одеждах бледно-зеленого и яркого, красно-оранжевого цветов. Один из них — музыкант, он собирается коснуться струн своей лютни, другой — сельский житель, он готов внимательно слушать. На переднем плане обнаженная женщина, в руках у нее флейта, скорее всего это Муза. Она стоит спиной к зрителю и внимательно смотрит на музыканта. В левой части композиции изображена еще одна обнаженная дева, в руках у нее сосуд с водой, символизирующий идею очищения всего живого через общение с искусством.
Композицию завершает фон, возвращающий нас из этой удивительной и поэтичной атмосферы в прозу жизни, от которой невозможно спрятаться ниоткуда. Олицетворением земли на картине стал пастух, бродящий со своим стадом под густыми кронами деревьев. В глубине картины видны крыши простых крестьянских домов, живущие в них люди даже не подозревают о существовании этого райского уголка природы. При взгляде на картину возникает ощущение, что хотя герой еще не успел заиграть на лютне, но чарующие звуки музыки уже успели заполнить все пространство. Первоначально эту картину приписывали кисти Джорджоне, так как она очень сильно повлияла на его методы — изображение идеального мира, наполненного мечтами и иллюзиями,
Тема противопоставления возвышенного и земного нашла отражение в другом произведении Тициана, относящемся к тому же периоду. На картине «Прерванный концерт» (около 1510, Палаццо Питти, Флоренция) мы видим молодого монаха, увлеченно играющего на спинете. Позади него пожилой мужчина, который пытается остановить игру молодого человека, коснувшись его плеча. Монах неохотно отрывается от своего занятия: его тонкие пальцы продолжают порхать над клавишами, хотя голова уже повернута набок. Лицо старшего товарища сурово, причина в том, что молодой человек, стоящий слева, в одежде патриция с высокомерным и пустым видом, повернулся мимо музыкантов, с застывшей на губах иронической улыбкой.
Основная мысль картины заключается в том, что возвышенный мир искусства, гармонии, красоты и любви всегда может быть разрушен грубой реальностью, врывающейся самым неожиданным образом. Так и на картине равнодушие патриция, далекого от мира музыки, а по сути безразличного к нему, заставляет человека с лютней в руках остановить своего очарованного товарища, дабы не тратить силы и вдохновение на человек, который не способен это оценить.
Возможно, на сюжет картины повлияли изданные в то время в Венеции труды философа Платона, который в своих «Законах» выразил мысль о том, что: «самое прекрасное искусство есть то, которое воспринимается лишь избранными».
Одной из первых библейских картин Тициана является картина под названием «Не прикасайся ко мне» (около 1512 года, Национальная галерея, Лондон). В основе полотна эпизод из Евангелия, в котором Иисус Христос является Марии Магдалине, и она, дабы убедиться, что Он действительно живой, а не сон, протягивает к Нему руку. Но Иисус, стыдливо прикрывая свою наготу плащаницей, говорит: «Не прикасайся ко мне, ибо Я еще не восшел к Отцу Моему». Фоном для сюжета служит пейзаж – в центре полотна изображено высокое дерево, справа на холме возвышаются дома, а вдали видно море. Фигуры Марии и Христа на переднем плане буквально светятся, мастерски подобранные цвета в золотистых, коричневых и охристых тонах надолго заставляли искусствоведов думать, что картина принадлежит кисти Джорджоне.
Любовь и зависть к власть имущим
Тициану, с ранних лет обласканному власть имущими, много раз предлагали покинуть любимую Венецию и поселиться под крылышком того или иного покровителя. Но художник слишком полюбил этот город и рассчитывал построить здесь свою жизнь и карьеру. Поэтому, добившись некоторого признания, живописец написал письмо-обращение к правителям города, в котором предложил взяться за сложнейшую работу по планированию зала Большого Совета. Вместе с тем он просил рассмотреть его кандидатуру на вакантную к тому времени должность посредника по снабжению солью на Немецком подворье. На первый взгляд это странно, но эту административную должность в Венеции занимали, как правило, художники. Это было связано со спецификой их работы, требующей знания полезных ископаемых, будь то соль или краска. Посредническая позиция была лакомым кусочком для любого художника того времени. Она дала право на получение годового жалованья и почетного звания официального живописца Республики Святого Марка. А это, в свою очередь, обеспечивало художника работой — он автоматически получал большую часть госзаказа, в том числе и портреты всех новых дожей для зала Большого совета. Кроме того, казна оплачивала многие расходы художника: аренду мастерской, приобретение холстов и красок, а также некоторые другие нужды.
И вот, в 1513 году Тициану невероятно повезло — Правительственный совет принял его предложение. Счастливый артист начал обживаться на новом месте. В его мастерскую приходило много учеников, молодые художники мечтали работать с таким признанным и известным мастером, более зрелые живописцы завидовали его выгодному и почетному положению. Но, к сожалению, радость Тициана длилась недолго. Другой маститый художник, Джованни Беллини, в мастерской которого работал молодой Тициан, был возмущен этим назначением и обратился к своему покровителю — одному из влиятельных венецианских дожей — с просьбой оспорить решение Совета. В результате разразился скандал, и решение о назначении Тициана было быстро отменено. Этому способствовала и смена состава Большого Совета, случившаяся так не вовремя для молодого художника. Тициан был в ярости, но не отказался от своих честолюбивых планов. Результатом его борьбы стало его новое назначение на должность соляного посредника, которое произошло только через четыре года, в 1517 году.
Тициан частично выразил свой гнев на власть имущих в работе «Динариум Цезаря», созданной в 1516 году (сейчас картина находится в Дрезденской художественной галерее). Полотно написано необычайно богатой и насыщенной палитрой, благодаря чему изображение кажется очень рельефным. Композиция картины проста и выразительна. Две фигуры, изображенные по пояс, словно сталкиваются на холсте. Это две противоположности – добродетели в образе Христа, стоящего в центре, и жадность в образе фарисея, как бы вторгающегося в картину справа. Лицемер протягивает динарий Христу, весь его вид вызывающий и неприятный. Христос, напротив, является воплощением чистоты и искренности, его фигура на темном фоне как бы освещает все полотно. Он спокойно смотрит на фарисея, в его глазах уверенность и немой вопрос: "Зачем ты меня искушаешь?" Смысл картины прост и понятен – Господь знает все наши помыслы, ибо Он Всевидящий, и ответ Его прост, но глубок: «Кесарю кесарево, а Богу Бог». Взяв традиционный библейский сюжет, художник отразил в нем свои сокровенные мысли о добре и зле. Общий колорит картины настораживает. Яркие, словно наполненные светом, одежды Христа вкупе с его безупречным просветленным ликом резко контрастируют с коричнево-золотыми оттенками, которыми изображен фарисей, воплощающий все зло и несправедливость мира. Внешний вид его колоритный – грубый нос с горбинкой, высокий лоб, серьга в ухе, загорелая кожа, жилистая рука протягивает монету. Не случайно две фигуры, один из которых олицетворяет добро и благородство, а другой – всю низость и подлость, на которые способен человек, занимают на полотне такое разное место. Не случайно Тициан вырезает фигуру фарисея, прижимает его к краю картины, показывая тем самым свое отношение к вопросу о борьбе добра и зла, свою бесконечную веру в то, что божественное начало, хранимое в каждом человеке, может победить все пороки мира.
Поиск личного счастья
Личная жизнь артиста не сразу заладилась. Он долго не мог найти возлюбленную по душе. Впервые мысль о женитьбе посетила Тициана, когда он встретил дочь своего друга – совсем юную девушку по имени Виолана. К сожалению, не было никаких доказательств того, что его любовь была взаимной, но, судя по тому, что Виолана часто посещала мастерскую художника и позировала ему для ряда работ, Тициан был к ней неравнодушен. Правда, несмотря на это, брак не состоялся. О причинах такого исхода биографы Тициана могут только догадываться, но, скорее всего, против союза выступили родители девушки.
Свою любовь и страсть к Виоланте художник увековечил в картине «Флора», написанной около 1515 года (сейчас произведение принадлежит галерее Уффици во Флоренции). Эта работа стала настоящим шедевром юного Тициана. Картина пропитана чувственностью и восхищением женской красотой. Красивая златовласая девушка держит в правой руке букет первых весенних цветов, другой рукой она держит сползающий с плеча плащ, почти обнажая полную грудь. Образ Виоланны позже возник во многих произведениях мастера («Любовь небесная и любовь земная», «Соломеи», «Молодая женщина с зеркалом», «Виолана» и др.), как воплощение истинной красоты и женственности. Но самой известной из них стала Флора, полотно много раз копировали и копировали другие художники.
Второй значительной работой художника, написанной в тот же период времени, стала «Любовь небесная и любовь земная» (около 1515, Галерея Боргезе, Рим). Идейным вдохновением картины послужили «Азоланские нимфы» Бембо и роман «Любовные баталии в снах Полифила», которые активно обсуждались в венецианских салонах. Корни обоих лежат в римской мифологии, в которой две Венеры олицетворяли единство противоположностей – возвышенных платонических чувств и плотских желаний и страстей.
Полотно написано в удивительно ярких и светлых тонах, передающих радостное восприятие жизни и окружающего мира, оно насыщено аллегориями и символами, так как создано по заказу человека, хорошо разбирающегося в искусстве. На переднем плане картины фигуры двух красивых женщин, сидящих у источника. Слева прекрасная Виолана в образе Земной Любви. Ее платье перехватывал пояс с металлической пряжкой, на которой изображен символ супружества, его эмблемой является венок из веток миртового дерева на ее голове. Небесная любовь в правой части картины торжественно держит в поднятой руке зажженную лампаду, как бы благословляя земную любовь на взаимность. Трудно не заметить, что, несмотря на то, что две женщины на полотне как бы противоположны друг другу – на самом деле они на одно лицо. Разница лишь в нарядах героинь. Небесная Любовь обнажена, лишь кусок белой ткани прикрывает ее бедра – это символ ее чистоты и невинности, ее красный плащ резко контрастирует со скромными и сдержанными цветами одежды Земной Любви.
Как и на любом полотне той эпохи, фон играл не менее важную роль в символическом значении картины, чем ее главные герои. Чувственный и в то же время необычайно чистый пейзаж разделен на две части могучим деревом. В «земной» половине картины изображен богатый дом и подъезжающий к нему всадник, которого явно ждет за воротами любящая и верная жена. Зайцы, оставленные за фигурой земной любви, означают плодородие. Пейзаж в правой части картины включает в себя церковную колокольню среди горных хребтов, озеро и стадо овец с пастухом, охраняющим их. Амур в центре полотна занят ловлей опавших лепестков роз из воды.
В этой необычайно гармоничной композиции мастер в очень элегантной манере пытается разрешить для себя актуальную и этическую дилемму о соотношении возвышенного чувства и плотской страсти. Лирическое произведение наполнено множеством очень реалистичных деталей, характеризующих нынешний авторский стиль Тициана, а также его богатую палитру. Заказчик полотна, чиновник, влюбленный в Великий Совет, остался очень доволен картиной, даже не подозревая, что она станет великим шедевром мировой живописи.
В это же время написана картина «Мадонна с вишнями» (1515, Художественно-исторический музей, Вена). Полотно отличается яркостью колористического решения и точной детализацией всех фигур и предметов, что, несомненно, говорит о большом таланте и мастерстве его автора.
Что касается истории с несостоявшейся любовью Тициана и юной Виоланы, то она, встретив противодействие окружающих и близких, сама собой сошла на нет. Мастер вернулся домой, даже не подозревая, что именно там его ждет судьба. Старший брат художника привел в его дом новую домработницу – простую девушку Чечилию. С ней дом художника наполнялся чистотой и уютом, оживал его очаг, кухня наполнялась аппетитными ароматами. Тициана поразила простота, непосредственность, скромность и благородство Чечилии. Но тогда он еще не знал, что именно она станет его спутницей на всю жизнь, верным другом и матерью троих детей.
Официальный художник Республики Святого Марка
В 1517 году Тициан, окончательно утвержденный в качестве официального художника Республики Святого Марка, работает над созданием алтарного образа Вознесения Марии (1516-1518, церковь Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари в Венеции). В день открытия храм был переполнен именитыми гостями и простыми людьми. Когда покров был торжественно снят с алтаря, присутствующие буквально ахнули от ослепляющего света, который он источал. Эмоциональный накал достиг своего пика, выражаясь в криках восторга и негодования, такой ошеломляющий эффект произвело новое творение художника. Он стал новой вехой в истории венецианской и мировой живописи, в которой трудно будет найти произведение, отличающееся таким же мощным эмоциональным воздействием. Искусство знаменитых тогда Беллини и Карпаччо никогда не достигало таких высот,
Композиция произведения делится на три части. В нижней части – трехметровые фигуры одиннадцати апостолов, провожающих Богородицу, восходящую к небу. Мастер прекрасно передал их эмоции через напряженное, взволнованное выражение их лиц. Апостолы выполнены настолько реалистично, что зрителю кажется, что он сейчас услышит их отчаянные стоны и возгласы. В центре фрески изображена величественная фигура Богородицы, прощающейся с этим миром и провожаемой ангелами к Богу. Выражение ее лица спокойное, во взгляде умиротворение и тихая радость от предстоящей встречи с Небесным Отцом. И, наконец, в верхней части композиции изображен Господь, ожидающий Деву Марию с двумя ангелами. К сожалению, картина не сохранилась. Время сильно повлияло на нее, краски выцвели и осыпались, к тому же по многим причинам огромное полотно постоянно перевозилось с одного места на другое, что также не могло не сказаться на его сохранности. Однако нет сомнений, что этим шедевром Тициан доказал соотечественникам, насколько заслуженно он получил должность главного художника Республики Святого Марка.
Шедевры художника рождались один за другим. В 1520 году был написан великолепный «Портрет мужчины в перчатках» (Лувр, Париж), на котором изображен типичный представитель интеллигенции того времени, близкий по духу самому Тициану. Изображенный мужчина погружен в собственные мысли, он мечтателен и задумчив, в руках у него перчатки, но он как будто забыл о них. Несмотря на кажущуюся отстраненность, в его лице четко выражена активная жизненная позиция. Он производит впечатление человека очень самодостаточного, уверенного в себе и знающего в жизни человека. В этом образе Тициан представил некоего героя своего времени, того, кого он так хотел бы встретить в венецианском обществе: человека образованного, тонкого, интеллигентного и глубокого, сохранившего достоинство и духовное благородство, несмотря на очень тяжелое время,
Помимо портретов и религиозной живописи, с 1520 по 1523 год Тициан создает несколько картин с мифологическим сюжетом. Мифология и аллегория были бесспорным коньком мастера, однако после создания картин «Вакх и Ариадна» и «Вакханалия на острове Андрос» художник надолго отошел от мифологических сюжетов. Биографы Тициана связывают это с тем, что живописец активно участвовал в жизни общества, проблемы которого постоянно его волновали. Слепая радость и безудержное веселье мифологических героев были слишком далеки от окружающей художника действительности с ее пороками и проблемами.
Сюжет картины «Вакх и Ариадна» (1520-1523, Национальная галерея, Лондон) показывает нам победоносное возвращение Вакха (в древнегреческой мифологии Диониса) из Индии на остров Наксос, где Ариадна тоскует в одиночестве. Колесница Вакха, запряженная двумя леопардами, уже спокойно стоит на берегу, и сам бог стремительно прыгает с нее к своей возлюбленной Ариадне. Соответствующий эскорт Бахуса – веселая компания сатиров и вакханок. Они бегут за вожаком, который, подняв над головой телячью ногу, и который пытается вырваться из хватки удава. Внизу маленький сатир, еще ребенок, волочит по земле голову теленка, на которую лает собака. Мальчик смотрит на зрителя озорным взглядом с лукавой ухмылкой, словно ожидая отклика публики на свою затею.
Пурпурный плащ обнаженного Вакха развевается на ветру, вся его фигура необычайно динамична, в ней отражается его нетерпение. Фигура Ариадны, наоборот, отвернута от зрителя, как бы закрыта от него. Кажется, Бахус своей стремительностью пугает ее. Ариадна, потрясенная всем происходящим, прячется за руку, не зная, что делать дальше. Фоном для действия служит пейзаж с изображением могучих деревьев, далекой деревни, гор на горизонте и моря.
Второй мифологической картиной этого периода стала «Вакханалия на острове Андрос» (1523, Музей Прадо, Мадрид). На полотне изображена оргия жителей острова, их многочисленные тела заполняют практически все пространство картины. Здесь мужчины и женщины пьют, веселятся и зверствуют. На заднем плане справа на холме лежала обнаженная пьяная Селена, в правой передней части полотна изображена обнаженная девушка, она уже изрядно выпила вина и заснула тут же, на белом одеяле, видимо, забыв свою наготу. В центре, рядом со спящим, справляет нужду маленький ребенок.
В конце этого года художник узнал печальную новость – скончался талантливый итальянский живописец, представитель классической венецианской школы Витторе Карпаччо. Именно ему Тициан посвятил свою новую картину «Положение во гроб» (1523, Лувр, Париж).
Композиция картины богата, выполнена в красно-оранжевых и черных тонах, передающих драматизм и тревогу динамичного сюжета. Фона почти нет, только серое небо и темный, почти черный лес в правом углу. Слева - скорбные фигуры Божией Матери и утешающей ее Марии Магдалины, поддерживающей ее за плечи. Оба с ужасом наблюдают, как трое учеников несут бездыханное тело Христа для погребения. Передний план картины наполнен сиянием, исходящим от тела Христова, как бы сияющего изнутри. Оно словно светится изнутри, наполняя передний план полотна сиянием. Картина построена на сочетании красного и черного цветов, передающих драматический эпизод тревожно и динамично.
Портреты дожей для зала Большого совета занимали большую долю в творчестве Тициана как придворного художника, но, к сожалению, почти все они сгорели во время многочисленных пожаров. Почетное место в галерее сохранившихся придворных портретов кисти Тициана занимает «Портрет Федерико II Гонзаги» (около 1525-1529, музей Прадо, Мадрид), на котором дож запечатлен со своей любимой комнатной собачкой. Гонзага изображен почти в полный рост. Его темно-синяя одежда, украшенная удивительным орнаментом, придает образу роскошь и некую торжественность. Лицо дожа с тонкими аристократическими чертами и аккуратной ухоженной бородой исполнено самоуважения. Он смотрит на зрителя отстраненным взглядом. Изящные ухоженные пальцы Гонзага поглаживают пса, который всем телом прижимается к хозяину.
Серия потерь
В период расцвета общественного признания и востребованности артиста постигла личная трагедия. Во время рождения их второго сына с Тицианом у Сесилии внезапно началось сильное кровотечение. Это известие сильно потрясло живописца и, опасаясь худшего, он решил немедленно жениться. Тициан пригласил к Сесилии лучших врачей, усилиями которых она наконец поправилась, но художник не передумал жениться. Эта новость быстро облетела всю Венецию, ведь Тициан был очень известным художником и общественным деятелем. Однако они с Сесилией устроили очень скромную свадебную церемонию дома в кругу только самых близких и родных людей.
Это было в 1525 году, Тициан ненадолго остался с семьей, а когда Чечилия достаточно окрепла, он вернулся обратно в Венецию, где его ждали многочисленные незавершенные заказы.
В 1530 году Тициан приступает к новому полотну на религиозную тематику «Ужин в Эммаусе» (Лувр, Париж). Традиционный евангельский сюжет изображает воскресшего Христа, сидящего за столом, покрытым белоснежной скатертью. По обе стороны от него его ученики, рядом хозяин заведения и официант, наблюдающие за этим чудесным явлением. Христос благословляет подаваемые блюда жестом рук. Вся композиция очень легкая, лиричная, выдержанная в светлых и нежных тонах, написана легкими свободными мазками.
Время летит быстро, и постоянно занятому Тициану снова сообщают о тяжелом состоянии жены. Художник бросает все и спешит домой. Ему едва удается поймать Чечилию, изменившуюся до неузнаваемости. После рождения третьего ребенка, дочери по имени Лавиния, у бедняжки снова началось сильное кровотечение. Несмотря на все усилия врачей, после бессонной ночи, которую Тициан провел у постели жены, она скончалась 5 августа 1530 года.
Художник необычайно тяжело перенес эту утрату. По описаниям современников, он жил как во сне, продолжал что-то делать, встречался с людьми, но как бы никого не видел и не слышал. Все мысли Тициана были заняты его возлюбленной Цецилией, которая долгие годы была его верным другом, преданной женой и любящей матерью их детей. Только после того, как он ее потерял, художник понял, сколько света принесла в его жизнь эта женщина, такая благородная и скромная. Сесилия наполнила его дом теплом и уютом, она окружила Тициана бесконечной заботой, чтобы ничто не мешало ему создавать свои шедевры. Однажды художник бродил по своему дому, думая о своей невосполнимой утрате, когда наткнулся на незаконченное полотно, которое давно ждал заказчик. Это была «Мадонна и Кролик» (около 1530, Лувр, Париж). Глаза Тициана наполнились слезами – Цецилия смотрела на него с картины, воплощенной в образе женщины, стоящей слева от Девы Марии.
Прошло время, дети выросли. Двое сыновей Тициана были полной противоположностью друг другу: старший Помпонио был эгоистичен и ленив, а младший Орацио, наоборот, спокоен и покладист. Маленькая Лавиния была очень похожа на свою маму. Тициан с каждым днем все яснее понимал, что ему больше угнетения находиться в доме, где каждый угол напоминает ему о его умершей жене. Но художнику тоже надоела Венеция, он не хотел туда возвращаться. Живописец долго искал себе новый дом в тихом укромном уголке. И вот, 1 сентября 1531 года ему это удалось — он арендовал двухэтажный дом с широкой террасой и мезонином на окраине Бири-Гранде.
В 1532 году Тициан приступает к своему первому портрету в полный рост. Это «Портрет императора Карла V с собакой» (Музей Прадо, Мадрид).
Многочасовое позирование помогло установить очень дружеские отношения между художником и императором. Император искренне рассказал Тициану о своей жизни и о себе самом. Карл V был бесконечно уставшим от власти человеком, жизнь которого была наполнена бездушной формальностью и формальностями. Именно поэтому живописец изобразил императора в простой одежде, а не в роскошном парадном платье, подчеркнув тем самым, что его герой, прежде всего, мужчина. Единственным верным существом в его жизни была собака, изображенная рядом с ним. По свидетельствам очевидцев, Карл V был очень доволен картиной и восхищался мастерством художника. Исполненный волнения, император на прощание крепко обнял живописца. Присутствовавшая при всем этом свита Карла V впоследствии завалила художника заказами, надолго обеспечив его работой.
Вслед за этим Тициана настигла еще одна потеря – умерла его мать. Это событие повергло его в еще более глубокую депрессию. Только радостный смех детей в его новом доме помог хозяину остаться и жить дальше. И все же несколько лет художник жил затворником, сутками не выходя из мастерской. Он очень много работал, а свободные часы посвящал общению с детьми.
Вершины совершенства
После потери Цецилии в доме Тициана его сестра Орса стала заниматься хозяйством, она же занималась воспитанием детей. Прошло время, и однажды Орса заметил, что каждый вечер к дому художника приплывает гондола, в которой сидит молодая женщина, всегда стараясь остаться незамеченной. Она быстро поднялась по наружной лестнице прямо в мастерскую художника, расположенную на втором этаже. Конечно, никому и в голову не приходило упрекать живописца, напротив, родственники надеялись, что появление новой возлюбленной хоть как-то скрасит одиночество Тициана и поможет ему вновь обрести радость жизни. Результатом этого увлечения стали такие работы, изображающие прекрасную незнакомку, как «Портрет молодой женщины в шляпке с пером», «Девушка в меховой накидке», а также великолепная «Венера Урбинская».
«Девушка в меховой накидке», написанная в 1535 году (Художественно-исторический музей, Вена), была заказной работой и представляет собой аллегорию брака. На полотне изображена юная девушка, игриво прикрывающая одну грудь меховой накидкой, а вторая грудь остается обнаженной. Робкий взгляд девушки и нежный румянец на щеках только подчеркивает эротический смысл картины, заключающийся в контрасте женской плоти и пушистой шерсти. Похожая композиция есть на картине «Портрет молодой женщины в шляпке с пером» (1536, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), где у натурщицы также правое плечо, грудь и рука. Под отороченной меховой накидкой виднеется полупрозрачная белая рубашка. На голове девушки шапка с перьями, украшенная камнями. В обеих картинах художник не скрывает своего восхищения, находящегося на грани откровенного вожделения, красота молодого женского тела. Белоснежная кожа героини, написанная легкими, невесомыми мазками, резко контрастирует с насыщенным темным фоном, благодаря чему ее образ кажется еще более нежным и хрупким.
А в 1538 году по заказу губернатора Венеции Гвидобальдо делла Ровере, который впоследствии будет постоянным заказчиком Тициана, была написана картина «Венера Урбинская» (Художественная галерея Уффици, Флоренция). Эта картина стала свадебным подарком герцога будущей жене. Златовласая Венера, лежащая в грациозной позе на белоснежных простынях, полна блаженства, в правой руке у нее ветка шиповника. Взгляд ее спокоен и уверен, она не стесняется своей наготы. Красивое тело написано так тонко и легко, что кажется, будто от него исходит сияние. У ног Венеры вместо традиционных купидонов сидит и спит маленькая собачка. На заднем плане картины комната, залитая ярким светом солнечного утра. На окне Венеры горшок с миртом, символизирующий брак и верность. Две служанки снуют вокруг ее груди, подбор наряда для утреннего туалета хозяйки. Как ни странно, Венера Тициан вовсе не небесная, а вполне реальная земная женщина, предстающая перед нами в откровенно обнаженной красоте.
Если следовать примерной хронологии, то из известных нам произведений выделяется полотно «Увенчание терновым венцом». Эта картина существует в двух вариантах: один из них хранится в Лувре (1542 г.), а другой — в Старой пинакотеке Мюнхена (1572–1576 гг.). Композиция двух картин очень похожа. В центре полотна фигура замученного Христа, окруженная пятью мучителями и тремя ступенями, ведущими к месту публичного бичевания. Разница только в фоне. В раннем произведении жестокая сцена издевательства над Иисусом происходит на фоне ярко освещенной каменной арки, над которой стоит бюст императора Тиберия. На более поздней картине в верхней части полотна видна только зажженная люстра. В обоих случаях, Христос смиренно терпит издевательства и боль от людей, яростно нападавших на него с копьями. Ведь Он уже простил их, и это придает Его образу истинное величие.
В 1545 году Тициан создает еще один выдающийся портрет венецианского дожа «Портрет дожа Андреа Гритти» (Национальная художественная галерея, Вашингтон). На ней изображен правитель со строгим взглядом жестоких глаз, выдающих его беспощадный и гнетущий характер. Глубокая красная одежда лишний раз подчеркивает его харизму и стремление к лидерству. На доже плащ из дорогой, словно светящейся ткани коричнево-золотистых тонов и такой же головной убор.
У замкнутого и необщительного Тициана было очень мало близких друзей. Одним из них был поэт и писатель Пьетро Лретино. Это были два очень разных человека: Лретино был очень веселым, любвеобильным, любил роскошь, пиры и празднества, разговорчив и самоуверен, у него были большие связи. Тициану нравились оптимизм, сердечность, харизматичность и то, что поэт очень хорошо разбирался в искусстве и литературе. Тициан даже стал крестным отцом одной из дочерей Лоретино. В 1545 году он написал его портрет. В картине «Портрет Пьетро Лретино» (Палаццо Питти, Флоренция) почти все пространство полотна занимает фигура поэта. Полотно написано с использованием многочисленных вариаций красного и золотого цветов, они наполнят его энергией и силой духа, раскрывая характер героя. Есть сведения, что Лретино был недоволен работой, в частности, ему не нравилось, что золотая цепь (полученная в подарок от короля Франциска I) была почти незаметна на его груди и слишком тускло блестела. Правда, это могла быть шутка поэта, неверно истолкованная очевидцем.
В том же 1545 году Тициан пишет «Портрет юноши» (Палаццо Питти, Флоренция). С полотна на зрителя смотрит красавец с гипнотическим и завораживающим взглядом зеленоватых глаз. Долгое время считалось, что на картине изображен английский герцог Говард, поэтому картина получила название «Портрет молодого англичанина». Но в 1928 году искусствовед Вентури выдвинул свою версию, подкрепленную убедительными доказательствами. Он считал, что человек на холсте — Ипполито Риминальди, адвокат, еще один друг Тициана, с которым он любил встречаться во время своих поездок в Феррару. Что касается композиции полотна, то она предельно проста: перед нами молодой человек в строгом черном камзоле, из-под воротника и рукавов которого выглядывают белые кружевные манжеты. Его левая рука лежит на бедре, а в правой он держит перчатки. Общий колорит полотна очень сдержан, он построен на сочетании двух основных цветов: черного и серого. Разбавляют их только белые пятна манжет и коричневые перчатки. Удивительно, как точно и тонко выписано его лицо с задумчивыми, умными глазами. Во всем его облике сияет благородство.
В 1548 году Тициан написал еще один портрет Карла V. Император признался художнику, с которым сблизился еще раньше, что устал от вида пролитой крови и живет только ожиданием предстоящей встречи с незабвенной женой . Полный искреннего сострадания, Тициан передал свои чувства в «Портрете Карла V в кресле» (Старая пинакотека, Мюнхен). Здесь император изображен сидящим в кресле на фоне пустынного унылого пейзажа, от которого до сих пор веет холодом и тоской. Карл V сидит в кресле, одетый во все черное, словно забыв снять одну перчатку. Красный пол резко контрастирует с цветами его одежды и головного убора. Император очень печален, задумчив и одинок.
Совершенство стиля
Последние пятнадцать лет жизни художника, когда он уже разменял восьмой десяток, обычно называют поздним периодом его творчества. Это время, когда Тициан снова обращается к своей излюбленной мифологической теме, которую он всегда интерпретировал в своем индивидуальном духе.
К 1533 году относится картина «Венера и Адонис» (Музей Прадо, Мадрид), сюжет которой показывает нам сцену расставания. Венера старается удержать возлюбленного, поглощенного жаждой охоты и не слушающего ее предупреждений о надвигающейся опасности. Пытаясь удержать Адониса, с силой вырывающейся из рук, Венера случайно опрокидывает ногой вазу. На заднем плане картины, под густой кроной дерева, тихо спит Амур, призванный оберегать их любовь. Динамичный и захватывающий характер сюжета резко контрастирует с окружающим пейзажем, наполненным спокойствием и умиротворением, ничего в нем не предвещающего беды. В этой охоте, где погиб Адонис, Тициан видит метафору человеческой жизни: люди всегда чего-то ищут, хотят большего, готовы рисковать своим здоровьем и жизнью, идти против судьбы, даже забывая о Боге, который неминуемо накажет их за это. Картина имела небывалый успех у публики. Художнику пришлось сделать около двадцати копий полотна с различными вариациями схожих сюжетов.
Второй невероятно популярной картиной Тициана, которую ему приходилось много раз копировать, была «Венера с зеркалом», написанная около 1555 года (Национальная галерея, Вашингтон). У нее светловолосая Венера левой рукой прикрывает грудь, правой рукой она прячет колени под ярким одеялом. Два пухлых купидона держат перед ней зеркала. Щеки богини горят чарующим румянцем, символизирующим цветущую молодость и красоту. Шедевр находился в России, но в 1931 году по распоряжению правительства СССР и вопреки мнению дирекции Государственного Эрмитажа был продан частному лицу. Позже картина оказалась в Национальной галерее Вашингтона.
Еще одним шедевром позднего периода творчества Тициана является картина «Похищение Европы» (1559-1562, Музей Изабеллы Стюарт-Гарднер, Бостон), сюжет которой воспроизводит один из эпизодов «Метаморфоз» Овидия. Технически картина выполнена свободно и смело, этим отличались последние работы мастера, написанные широкими, небрежными мазками. Если смотреть на картину вблизи, то трудно понять, что на ней нарисовано и только издалека нам открывается великий шедевр Тициана. По сути, эти картины были предвестниками импрессионизма, когда смотришь на них, кажется, что все произведение написано за один раз, легко, непринужденно, с размахом.
Весной 1559 года Тициан попал в неприятное положение. Его младший сын, Орацио, отправился в Милан, где должен был получить из казны очень крупную сумму денег, принадлежавшую его отцу. По дороге домой они напали на молодого человека, избили его и ограбили. Как выяснилось позже, ограбление было организовано скульптором Леоне Леони, также работавшим на королевский двор. Тициан сразу же заподозрил Леоне и написал письмо Филиппу II, текст которого дошел до нас: «Леоне, знавший о выплате государственных пособий и движимый дьявольским подстрекательством, решил лишить Орацио жизни, чтобы присвоить его деньги… Он пригласил Орацио к себе домой и предложил ему жить в своем доме. Мой сын отверг это предложение и этого злодея, изгнанного из Испании за лютеранство и подстрекаемого врагом Господа Бога, убийство решил совершить с помощью сообщников. Негодяи напали на Орацио с мечами и кинжалами в руках, предварительно накинув ему на голову сеть. Не ожидавший такого предательства мой бедный Орацио пал, получив шесть тяжелых ран. Если бы умерла Орацио, на которую я возлагаю все свои надежды в приближающейся старости, то под тяжестью этого горя, клянусь, я сошла бы с ума. В конце письма он потребовал наказать Леони по всей строгости закона. Скульптор был арестован, но после уплаты штрафа освобожден. В конце письма он потребовал наказать Леони по всей строгости закона.Скульптор был арестован, но после того, как он заплатил штраф, отпущен на свободу.В конце письма он потребовал наказать Леони по всей строгости закона.Скульптор был арестован,
Прежде чем Тициан оправился от этого потрясения, скончался его брат Франческо. Биографы художника предполагают, что в этот же период при родах умерла любимая дочь художника Лавиния. Череда этих событий очень сильно ударила по мастеру.
В 1550 году, в возрасте семидесяти трех лет, художник начал писать «Автопортрет» (Государственный художественный музей, Берлин), завершенный только через одиннадцать лет. На ней Тициан предстает перед зрителем не дряхлым и немощным стариком, которому остается только смиренно ждать своей смерти. Наоборот, мы видим перед собой сильного и уверенного в себе человека. На широкие плечи мастера накинута меховая накидка, под ней рубаха, на которой хорошо видна золотая цепь. Пальцы его рук барабанят по столу, что характеризует его беспокойный нрав и сосредоточенность. Кажется, что через мгновение художник бодро встанет и большими шагами пойдет создавать свой очередной шедевр. В прищуренном взгляде Тициана мы видим мудрость и неподдельный интерес к жизни. Скорее всего, этот автопортрет создавался для детей,
Около 1565 года Тициан получил заказ на картину «Кающаяся Мария Магдалина» (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Моделью для полотна послужила некая Юлия Фестина, восхитившая мастера копной длинных золотистых волос. Герцогу Гонзаго картина очень понравилась, он тут же заказал копию полотна, чтобы подарить ее некой поэтессе. Работа имела такой оглушительный успех, что Тициан решил сразу же сделать несколько копий, изменив в каждой лишь положение рук героини, наклон головы и окружающий пейзажный фон. Биограф Тициана Ридольфи указывает на шесть картин Тициана с кающейся Марией Магдалиной. Один из сохранившихся вариантов полотна хранится в Москве в частной коллекции. Но, по мнению экспертов, лучшая из них та, что представлена в Государственном Эрмитаже Санкт-Петербурга. На ней образ кающейся Марии наиболее целомудренный. Ее прекрасное тело прикрыто легкой полупрозрачной одеждой и полосатой накидкой, а также распущенными волосами, разбросанными по плечам и груди. Кающаяся Магдалина смотрит на небо взглядом, полным раскаяния, глаза ее полны слез и отчаяния. На переднем плане картины христианские символы – череп и богооткровенное Писание.
В 1565 году Тициан создает еще один из лучших своих шедевров — «Портрет антиквара Якопо Страда» (Художественно-исторический музей, Вена). Картина прекрасно передает характер коллекционера, изображенного в «своей стихии» – вокруг него старые книги, монеты, на стене то ли картина, то ли часть старинной рукописи. Якопо показывает незримому собеседнику статуэтку из белого мрамора, его лицо и вся поза наполнены энергией, вдохновением и даже волнением. Полотно имеет необычайно гармоничный цвет. Одежда антиквара и все его окружение выполнены в теплых тонах, что создает атмосферу некой торжественности. Эта картина явилась ярким образцом «иной» живописи, открытой Тицианом на склоне лет. Позднее это направление с его богатством красок и оттенков, и необычайно искусной передачей светотени, будут заниматься такие художники, как Рембрандт и Караваджо. Но это будет более чем через 100 лет, а сейчас Тициан, уже в весьма преклонном возрасте, претерпев множество невзгод и личных невзгод, продолжает творить.
Последние годы жизни мастера
В последние годы художник часто писал для души. Дом Тициана был постоянно полон — к нему приезжало множество студентов, художников, коллекционеров и знаменитых гостей со всей Италии и из других стран. Тем не менее, склонный к меланхолии и раздумьям, Тициан, по сути, оставался одиноким. Он часто вспоминал свою молодость и любимую Чечилию, предавался мыслям о бренности бытия и тосковал по всем, кто отнимал у него время. Итогом этих печальных споров и душевного одиночества стала картина «Аллегория времени и разума», написанная около 1565 года (Национальная галерея, Лондон), которая считается своеобразным завещанием мастера своим потомкам. По традиции читать картину следует слева направо, то есть против часовой стрелки, и сверху вниз. Старик в красной шапке символизирует прошлое, чернобородый — настоящее, а юноша — будущее. Символичны и животные, нарисованные внизу картины: волк олицетворяет силы человека, избирающего прошлое, лев олицетворяет настоящее, а собака пробуждает своим лаем будущее.
В 1570 году Тициан создает картину «Пастух и нимфа» (Художественно-исторический музей, Вена). Это легкое, свободно написанное полотно не было ничьим заказом; художник создал его для себя. Обнаженная нимфа лежит на шкуре мертвого животного, повернувшись спиной к зрителю и слегка повернув голову. Юную девственницу ничуть не смущает ее нагота. Рядом с ней пастух, который вот-вот начнет играть на музыкальном инструменте, хотя, возможно, он просто оборвался, увлекшись красотой или словами героини. Общий колорит картины намеренно загущен автором, это создает некую тайну и недосказанность в отношениях главных героев, усиленную включением коричневых и пепельно-темных тонов. Задний пейзаж размыт, там виден только кусок сломанного дерева, словно оставшиеся после бури. Он не действует на влюбленных, живущих в своем собственном мире красоты и блаженства и ничего не замечающих вокруг. Несмотря на романтическую композицию картины, хаос, царящий в окружающем героев пейзаже, и выбор красок, тем не менее говорят нам о том, что в душе художника не было радости гармонии. В растерянном взгляде нимфы словно виден его собственный вопрос – что будет с ними дальше, как снова обрести радость в разрушенной Вселенной.
Вскоре случилось еще одно несчастье, умер отец Тициана. Но художник не мог сдаться, он продолжал творить. Благодаря своему постоянному покупателю Филиппу II Тициан всегда был обеспечен работой. Так, около 1570 года мастер приступил к созданию работы «Несение креста» (Музей Прадо, Мадрид), на выполнение которой ушло пять лет. В основе картины классический евангельский сюжет. Согласно Писанию, Симон Киринеянин был послан ко Христу, чтобы помочь ему нести тяжелый крест на Голгофу. Лицо Иисуса полно муки и боли, его правое плечо кажется почти прозрачным. Образ Симона как бы противостоит образу Христа. На пальце дорогое кольцо, подчеркивающее его непростое происхождение. Чистое лицо Симона с аккуратной ухоженной бородой резко контрастирует с залитым каплями крови ликом Иисуса.
Религиозные темы проходят через все творчество Тициана, но по сюжетам самих картин и манере их исполнения можно проследить, как менялось мировоззрение художника, его отношение к добродетели, порокам и теме мученичества. Это прекрасно отражено в полотнах, посвященных великомученику Севастиану.
В первых работах святой Себастьян предстает перед нами смиренным и смиренным, но в последней работе художника он решителен и готов бороться до конца. Эта картина под названием «Св. Себастьяна» (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), написана около 1570 года. Фон на картине размыт, на нем невозможно ничего разобрать, и стоит лишь фигура самого героя, прибитая к дереву. из-за своей чистоты. Его тело пронзают стрелы, но лицо не искажено болью. В его взгляде были гордость и спокойствие, лицо было слегка приподнято, а брови нахмурены. Считается, что Тициан изобразил здесь себя не в прямом смысле, а аллегорически. Таким образом, он выразил свое отношение к собственной судьбе, ко всем предательствам и потерям, которые он, к концу жизни, научился стойко и достойно терпеть. В этой работе заключена вера художника в то, что отдельный герой способен вынести любые удары судьбы, он выживет, даже если весь окружающий мир перевернется с ног на голову, он будет способен выдержать и не сломаться. Цвет картины кажется размытым и монохромным, но в каждом ее сантиметре горят сотни цветов и нюансов. Судьба картины сложилась так, что в 1853 году по указу императора Николая I она была помещена в запасники Эрмитажа, где и пролежала до 1892 года. Только по прошествии многих лет эта работа заняла подобающее место в музейном зале. что в 1853 г. по указу императора Николая I она была помещена в запасники Эрмитажа, где и пролежала до 1892 г. Только спустя много лет это произведение заняло подобающее место в музейном зале. что в 1853 г.
В том же году Тициан написал еще одно произведение с похожей идеей. В основе картины «Наказание Марсии» (Картинная галерея, Кромержиж). лежит миф о сатире Марсии, которая осмелилась вызвать Аполлона на музыкальный конкурс. Марсий играл на двойной флейте, а Аполлон на лире. Когда музы не смогли выбрать победительницу, Аполлон предложил посоревноваться в вокальном мастерстве. Здесь Марций проиграл. В наказание за поражение Аполлон решает содрать с себя кожу, этот момент изображён на картине.
В центре полотна фигура Марсии, подвешенная за ноги к дереву. Вокруг него герои, увлеченные процессом чудовищных пыток сатира. Картина разделена на две части: слева от тела Марсии стоят люди, очарованные его убийством, она сдирает с него кожу, не скрывая своего удовольствия. В правой части полотна изображены те, кто опечален этим зверским убийством. К ним относится старец, который, предположительно, изображает самого Тициана. Он с грустью наблюдает за смертью Марсия и жестокостью своих палачей. Лицо самого сатира сохраняет достоинство неминуемой смерти. Искусствоведы считают, что сюжеты последних картин Тициана характеризуют его прощание с идеями гуманизма, в которых он разочаровался. Мир жесток и ничто в нем не может спасти человека.