Вольно и больно думцы.
Рафаэль- это имя на слуху ведь это что-то конфетно-сладкое! То ли Рафаэлло то ли рафа-элиты. "Сладость" в горькую эпоху перемен и горького кризиса? Эпоха высокого Возрождения - какая угодно только неприторная. Художники и поэты скорее присаливали пряностями «тот раненый мир», они лечили общество, а не припудривали. Возрождение как уроки- это уроки Греческого. Был такой знаменитый рассказ Валентина Распутина, "Уроки французского", как где то в глубинке разворачивается прекрасная игра. Раскопанное прошлое, переводы, завозы из заграницы, как усвоили первооткрыватели эти самые уроки былой античности? Одичавшие папуасы и былое величие золотого века. Идеи кристаллизовались, на том самом методическом материале извечных папирусных мифов. А какой главный урок даёт нам Греция? это рождение богов - олимпийцев, тех сил которых можно хоть как-то по людски осмыслить. Хтонь, недоступный нам для понимания Кронос и его Гея. Странный роман двух еще не очень симпатичных могуществ, противоположностей. Полюса. Стихшие четыре добродетели Платона. Нарастающая сложность и вот уже разговор о четырёх углах евангелия как о четырех стихиях. Разрастающаяся гора смыслов. Олимп это уже иное- то что готово признавать людей и с ними играть. "Игра" -слово, разгадка для всего ренессанса. Все играют, в таро, в спорт, в театр, в политику, в искусство. Олимп или Парнас, что выше.
Мерцая нарицаю. Значимые явление или даже целые Эпохи имеют неприятный маркер эффект, это тенденция концентрироваться вокруг какого-то одного единственного имени - то что называется имя нарицателое. Обложка нарекает. Рафаэль он уже нас совершенно ничему не учит, он только нарицает, мерцает. Где свет Светоча?
Что мы имеем водоворот шедевров или болото-свалка. Вокруг имен великих людей создаются мифы, и собрания. Коллекции "живут", и они имеют склонность как то разрастаться. Мастера уже давно не творят, а изделий их все более, и они все качественнее. Возникает расширенное понятие "мастерская художника", и далее "художники его круга". Тема подмастерьев и последователей- от ведь неё никуда не денешься. Ясно что обремененный заказами Рафаэль сам не рисовал травку на своих картинах, и не мазюкал облака. мы понимаем так было заведено. Приемы художественной жизни, это простая технология, сложившиеся цеховые традиции. Коммуна, совместная трапеза, учитель одевает своих учеников, кормит по контракту. Арт как общежитие, картина как совместняк, слуги, и даже охрана. Маэстро надо лишь отчасти рисовать свои картины- в этом даже есть некое педагогическое благородство, забота «о завтра зрителя», ведь где то нужно натаскивать молодое поколение. Заказы и юные на чём-то должны учиться. для этого втягивание в профессию словно и созданы складки и облака, и невозможные второстепенные персонажи. Процесс создания большого объёмного полотна, это время, донаторы сгрудившиеся в очереди. Это наглядность, это заказчики приходящие с инспекцией. Тут главные мастера мелочами и «вещами низкими» не занимаются. Но как же найти подлинную руку мастера на "фабрике" и в каких местах холста её искать. Будет ли гений марать себя рисованием мордой пса, и профилем казначея Иуды? В прописных фресках Рафаэля много голого черчения, несомненно то и есть не авторская рука, а его будет в карандашных рисунках, в эскизах и каких-то миниатюрных очень личных работах. Такие у Рафаэля Санти имеются. Будем считать что это и есть "он самый", исходный, то есть такое он набрасывал для себя - делал своё и никого в этот мир не собирался впускать соавтором. Автопортрет но ведь это со стороны? Но именно это зеркальное и оборотное, донельзя визитная карточка. «Авто»- это препослание любимой, Реквием. Визитка. Дюрер вот подарил Санти свой автопортрет. Ответил ли итальянец по этикету?
Ну а что, за образ себя, кто он этот римлянин? Рафаэль в рамке. Мастер применил здесь интересный ракурс, это когда из-за плеча, из-за спины и это шеи болезненно сложно. Туда, сюда. Оборот, окликание, вот так рисовать оглядываясь. Значит точно сам. Спиной, спину. Потом этот трюк повторит Rembrandt, но он уже провернет это с женой Саскией на коленях. Любопытно. Свое, о себе. Кстати когда автопортрет мастера становится широко копируемым портретом для иных мастеров, это уже и юмор. Так и произошло с "зеркалом" Санти. все причастные к масляному искусству хотели иметь в своей мастерской такую презентацию авторитета. Мем, атрибут часть законченного интерьера. Это примерно как череп в кабинете доктора. очень любопытно когда мастер программно рисует свой портрет а получается косо криво и плохо. а потом те кто копируют, кто уважают и любят, идут по ошибочным стопам. но они не глупцы и точно понимают что косо и криво и до исправляют гения. подобное произошло и с автопортретом другого знаменитого итальянца всеми любимого Джорджоне. Я как-то никогда не обращал внимания на очень странный, задиристый поворот шеи, который так обожали маньеристы. Навскидку казалось что этого не было у Рафаэля, но оказалось было. уже полно такого у просто маньериста, вот пример «Святая Екатерина Александрийская» — нежная и бледная картинка со странным поворотом головки. Джорджоне в своём автопортрете тоже избрал этот залихватский ракурс и конечно же у него ничего не получилось и "перспектива" лица развалилась, но художники копируя все эти погрешности и-и-справляли. так любопытно когда Эпоха не просто обслуживала, но и ставила перед собой довольно сложные техно задачи и пыталась их решать. Справлялись по моде не все. Все брали эту высоту. как могли, да нарочито, да программно, все эти повороты смотрятся часто наивно неудобно и для модели и для автора. Если исполнитель гротескного Ивана Грозного у Эйзенштейна после раскосых ракурсов страдал шеей, то как тут было? Модный жест. Это понравилось всем и возник тренд, все клиенты хотят. Это что-то вроде красной строки. Просматривая творчество Рафаэля надо конечно обладать очень хорошей зрительной памятью чтобы подмечать все эти идентичные ракурсы которые Рафаэль штамповал, таскал из картины в картину, и конечно же эти ракурсы потом рассеивались "рассея- вались" на протяжении 500 лет в картинах других мастеров. И у него таскали. Отгадка простая. Есть в мастерской на гвозде пропись с наколотыми контурами и ее периодически используют, передают по наследству, несколько таких шедевров осталось от мастерской Кренеха.
Размытости понятий, облака ключей! Перезвон отмычек.
За-рафаэленные. Имя Санти содержит в себе множество фамилий. Человечеству непременно хочется чтобы память о художнике была как можно объемней. Это любовь, тяга чтобы было как можно более подобного арта. каждый музей или институция- всяк хочет иметь хоть какой-то "шедевр", ну пусть и рисунок, или гравюрку по мотивам Рафаэлецов. рафа-элит-элтов много, и выходит так что смотришь на мастера и уже не видишь его руку.
Знаменитое. Подчерк, на почеркушках. Ведь есть же такое понятие которое мы можем применить даже и к себе... Каллиграфичность! Зачем заглядывать в глубины искусствоведенья, когда многие стилистические знания под рукой, "под ее нажимом". Вот пример -каждый имеет персональный почерк. Пальцы и словно наши индивидуальные дактелоскопы, линии судьбы, прямо так по перу перетекают в буквицы. Да у нас есть "эти наши рабочие руки", правая или левая- решайте сами. к примеру Вы - пытаетесь своей "нерабочей рукой" подделать свой почерк. выходят каракули. возможно. вы и не вы. А чужую подпись? такой трюк возможно где-то пройдет, где и так неразборчиво. ну а если у вас например крутейший каллиграфический почерк который вы вырабатывали десятилетия, и вот каким образом вы можете начать писать другим стилем, иным, но тем не менее на том же уровне. Это примерно тоже самое как учить язык, а потом выдвинуть мастеру требование на таком же уровне сразу заговорить на другом языке. Ну ты же учил, ты знаешь технику обучения! Ты же все понял, ты же уже прошёл этот путь, чего тебе стоит еще раз, а значит и быстрей. Шутка. художникам тем более не до этих трюков, многоязыкости, так трудно найти свой стиль сформировать из хряща кость, и опору! Не шутка ли, как нелегко набрести на хотя бы какой-то персональный язык. А когда ты смотришь на "художника Рафаэля, из собрания"- мастака у которого 3-4 стиля! При таком развороте можно только развести руками 3-4 жизни прожиты одновременно. Да все случается и возможен какой-то творческий люфт, по технике, разный почерк- это примерно как женское мужское в нас, правая и левая рука. Бывает в трое обернуться? Ну это уже разговор о каком-то раздвоении расщеплении, для себя одно, для частного заказчика третье, для страны второе. Би поля. Такое возможно, но Рафаэль это тот кто наоборот пронизывает нас своей гармоничностью и психической устойчивостью. Он абсолютно цельный, и безпериодичный.
Стиль мастера, не рождается в готовом виде, и это конечно же не программная установка развития и не бизнес-тренинг, это совокупная жизнь, потому стиль и неотделим от перипетии судьбы. Ступени роста в профессии куда то ведут... возможно такие «разно чрево рождённые картины» логично было бы переписать одному человеку если бы это была долгая многоэтапная жизнь. Равный гений. Вот Тициан! То хоть и долгожитель- а не равный, а целый. Бывает что творчество это сознательное выпадение из рамок, игра- выпиленные куски, разные периоды, например как это было у артистичного Пикассо. Модель когда человек сознательно бежал от себя, укрываться новым (голубым, розовым, кубистическим, африканским, синтетик-хрустальным). Метания, и гений пытался делать что то что совсем ему не свойственно.
Anonymous! Но Рафаэль который умер в 30 лет, и вдруг его картины они такие кардинально различные. как так?
Раскройте глаза. Картины смотрят. Но ведь ничто так не расскажет о человеке как расскажет он сам! Где? Например в своём автопортрете, в автобиографии! У Санти, есть несколько авто само портретов. Вот например первый знаменитый автопортрет "со спины" и последний- когда Рафаэль изобразил себя на «Автопортрете с другом» (1518—1520). Сравните эти два лица! Это два Абсолютно разных человека, между ними мало общего, ну разве что они итальянцы. Иная природа. Паспортный контроль с такими документами не пройдёшь. Фото для сличения? Их даже двумя братьями не назовёшь. Это разные лица, фигуры, натуры, лепка, мнения. Двойной портрет со спонсором.
Кисть? и конечно же очевидно что это написано разными художниками. что это? Как такое объяснить. Альтерэго. Анима и анимус. 2 самопрезентации одного. Взаимное существование, мужское и женское. Что то тайное для себя и для портфолио. Но это всё надуманные искусствоведческие психо-версии. А где же версия от художественного ремесла, и техники? Где версия для художников и коллег? Где версия от кисти и палитры? Как быть, что решать, о таких презентах, презентантах?
И опять прорываться сквозь подписи авторитетных искусствоведов или искателей, "взгляд" собственные наблюдения.
1. Модели. Мир интересов автора. Повторяющиеся типы с его многочисленных картин. Лица и легенды, "куртизанки и пирожницы", значимое, и ты действительно смотришь на схожести, на любимые типажи мастера. Конечно есть тип коммерческого художника который рисует "чего дают". Ему не до трогательных поисков идентичности. Он на работе. Но всё равно любой художник-автор хоть как то но опирается на свой мир, на "близкий круг", на любимые "модели", на родной город, на любимый вид из окна. Притяжения, и наша функция это пристрастно их магнитить приближать к себе, прочувствовать такое это и есть качественная работа зрителя.
2. Вещи. Анализ творчества, может быть основан и на простом узнавании, например те живописцы что занимаются натюрмортами, и встарь и сейчас почти всегда держатся за какие-то дорогие сердцу предметы. «Штучка» становиться талисманом, а талисман это уже даже и не вещество. У пейзажистов это их регион, небо, город. А начинается это в антикварной лавке, там и заканчивается. Рембрандт на этом погорел. Подчас дорогие не только сердцу но и просто стоящее кучу денег вещи кочуют из картины в картину, их даже передают по наследству. Ох эти любимые драпировки и отрезы ткани! Предмет делает атмосферу. В мастерской - это иногда странная не вещественность например особое освещение, в специально построенном помещении. Все что здесь моделируется портируется выглядят по – особому. Заведено. Так было встарь, даже в советское время что - то такое мансардное строилось, и было с огромными окнами, потолками, и притом бесплатно раздавалось творческим союзам.
3. Тема тоже имеет место. Идея, и иное важное слово что перепечатывают постоянно. Бывает рисуют одно и тоже, но по разному, например гулянка, или скудная трапеза крестьян. Всесилие шаблона, но ведь штамп бывает и чисто технический. Вспомнилось где то видел на аукционах Рафаэля где - то за 4000$. Да и конечно эксперты сказали что это не Рафаэль и действительно совсем неон, но вот смотришь на «те самые» белые складочки, на какие - то особенные полупрозрачные одеяния с «тусклым блеском» и понимаешь что это стопроцентный Рафаэль! Ведь всякое бывало возможно живопись лица утрачена и ее зарисовали каким - то примитивом, может быть просто эта картина не была закончена. Сегодня цехов нет, ну разве что артели. Кстати меня всегда поражало. Вот например иконописцы тренируются и ученикам показывают как рисовать отдельные детали, кудряшки, одеяния или например отдельно руку. И вот лежит в студии такая картина великого мастера где на весь холст нарисована шерсть агнца например и чего с этим делать не художнику. Но студия закрыта. Продать это невозможно, да имя есть, но больше там ничего нет только сплошь техника. Возможно такие шедевры озадачивали новых владельцев, все эти вещи из мастерской возможно и не пропадали, те качественно созданные образцы куда там вклеивали, что то подрисовывали что - то из них мутили. У Рафаэля была мастерская значит такие штуки тоже у него были. Любая мастерская это сложно потому если вы решили сделать мастерскую в гараже это значит труда - это нужны инструменты стеллажи, столы. А инструменты художника - это как раз и есть подобные заготовки, шаблоны, лекала, образцы продукции.
4. Композиция это часто история про "палочку выручалочку" и она всегда есть у больших личностей. Единообразная постановка вопроса, четкое деление на три плана, или например на перовом плане репусар, (явно выделенный объект). Часто проблемами композиции грешат именно высококлассные мастера. В этом есть что - то пугающее армейское. «Пока играет гимн по радио» надо успеть полностью собраться. Они настолько натренированный на быстрый подъем что чтобы они делали они всегда масштабирует тоже самым когда - то вызубрены схему да конечно это все ему далось нелегко это вбивали мне гвоздями. Из этой на тренированностью как раз высококлассные мастера ничего не могут поделать они все время словно маршируют лепят 1 и тоже не занимаются другими вещами например мышцами или цветочками то эту композиционная маршала - схему или прощают или даже просто не замечают. Настолько она замаскирована. Но суть всегда да единственная картина в разных вариациях. Например что - то большое в центре а по бокам - детали это может быть и ну картины подход везде идентичный.
5. Колор это тоже про зрительский маркер, "узнаваемость автора" тут сама кисть, которая никак не может не присутствовать на холсте. Тут все топорщится или скользит. Скользкая тема не знаю даже стоит ли критиковать именно за это, потому что здесь вопрос скорее сложнейших навыков. Это сплошь технологии, пришедшие из рестовраторкого или даже малярного ремесла. Понять «выученность художника» очень просто например надо спросить кости лица, если художник вымуштрован он сразу же понесет ответ скороговоркой, так что вы даже не поймете чего он вам сказал. Но зато он не вымученно перечислит все что имеется.
6. Одержимость или любовь, и все те же женские глазки, "в строку"! Тут вопросы убедительности веры, а бывает что и просто штуки, специфический юморок автора, втесняемый как мозоль в тесный ботинок холста. Точки боли, точки притяжения, искры любви, политессы и мессианские откровения. Сомнение автора, ошибки, пристрастности, то что он носит в себе, то что он любит. Религиозный сюжет тут не помеха. У Рафаэля как раз такой случай, и это очень заметно, это его специфический женский типаж! Вписывания идеала. Непременности контура. Его идеал- уже био-Биотриче. Да мы бывает и не замечаем такого главное проскальзываем как общее место. В нем что-то хрупкое, формирующиеся, молодое, как и сам автор.
Идеал. Тут и идут "в иллюстрацию" его знаменитые дамские портреты.
«Донна Веллата». Несколько образчиков "одного и того же лица" и несомненно это абсолютно разная "рука-кисть", и манера изображения. И снова та двоякость. Как так? Как варианты ответов. Здесь обычная практика художественной мастерской и это ничем не отличается от современных арт вузов. По крохотным эскизам учителя рисуют ученики. У Итальянца две «четкие версии» одного и того же белесый и контрастный портреты. Два ли Рафаэля было?
Процесс. Модель усадили- мастер ставит свой мольберт, в самой лучшей точке студии, а рядом уже рассаживаются ученики им достается иные ракурсы. Все вместе трудятся над похожими задачами. Зрители и работники, и они тоже рисуют, как умеют, а потом мастер подходит исправляет их ошибки, и все облагораживает. И так потом везде "его рука". И формально вместо одного портрета получается например 6 шт. Так работали и те «арт-штуки» сохранились. Любопытно сколько одних и тех же версий мадонны, Моны Леонардо? а сколько этих версий "усаженных лиц", моделей Рембрандта!
Моду, дают гении, их пристрастность становиться нашей. "Чернявые девушки" Рафаэля размножались весь 19 век, к 20-му такое уже успели раз-два- любить.
Гений в гении. Черное против белесоватого. Демон и ангел. Контраст это леонардовское начало, флорентиец в деталях и макро «дымчатый», а на самом деле он очень в низком (басовом) ключе сделанный. Вот автопортрет Рафаэля и многие другие его "интимный работы" совершенно не черно-контрастные, они дымчатые и нежные, в высоком ключе. Облаками плывут тени. Это значит что нарисованы они "другой рукой", они бледные и нежные, в них все мягкое и даже жесткие складки немножко в дымке, в тумане. Два гения- две его руки правая и левая. Такое невозможно, такое просто не укладывается в голове. Бинарность, расщеп, несомненно мастер это тренд, фирмочка работает, "свое дело делают" подмастерья. Рабство и про рабство - то есть генеральный надзор. Ко всему один подход, живет руководимая им мастерская, есть гарантированная подпись. Другой арт подход- это все сам. Это то чему невозможно натаскать других, это то что они не поймут, ибо не гении. Возможно у Рафаэля как впрочем и у многих других покупаемых современниками имён были великие подручные по мастерской. Единая палитра, один этюдник, один поставщик пигментов. Портреты, а тут нонсенс, лицо одно, а палитра совсем другая.
Кстати любопытный факт о лицах. Женщины Возрождения это о общественное достояние. Великие любовницы, кумиры для многих художников и у Рафаэля существует набросок той самой знаменитой женщины которую мы знаем как Мону Лизу. А конкуренция между ним и Магель-Анжело! Как тесен, это мир кумиров, трендовых дам, именитых любовниц. Арт соперников. Дуэльные кисти!
Странный "trend" эпохи, то что художники изображали чужих возлюбленных, как своих. Наготы, обнажения. Дамы и их образы -так чтобы сразу прославить имя в эпохе. Это был мужской мир, вдохновленных трофеев. Но Рафаэль чуть не единственный который рисовал то что он сам любил. Даже себя он нарисовал немного в женском обличье. Автопортрет, он там без "выи война", без плеч рыцаря. Длинношеий. Субтильные молодые люди тогда облюбовали лютни, и тонкие голоса. Тонкие рейтузы, шоссы. Хотя шпага никуда не исчезла, лишь сильно истончалась. Стальная струна. Стилет-шпага что-то вроде смычка. Презентон.
Странный автопортрет, странный ракурс или поворот. Колор как будто мы смотрим издалека на юношу в окне. В реалии он почти Акварельный, уходящий в пятно, бледное облако. Сплошной синяк под глазом от недосыпа. Это сегодня к 30 годам мужчина только - только формируется в трудное время средневековья после 30 уже люди уже были сношенные, уставшие. О чем эта картина о конце молодости? Миг на последнем обороте взгляде на свою юношесткость на свою не грядущую огрубелость. Длинноты, странноты.
Перекрут. Гимнастика для шеи. Не пойму что за дискуссия вокруг этой "кривой шеи Рафаэля". Рисовал как видел. Давайте уделим внимание позвонкам и все их пересчитаем. рисовать в таком положении! с натуры действительно сложно. Зеркало. Оборот реальности. Со спины.
Кривошеий аргумент. Несуразно надутое. Говорят что на шее много лимфатических узлов и они могут по-разному вспухать. Хвори. Есть разные версии ранней смерти художника. Шеи тюнинг. С левой стороны ещё эта шейка" нарочито бабья и имеется даже "вдовий холмик". Гормоны. С другой стороны на портрете, то ли нарочитый кадык, то ли "капюшонная мышца". Сегодня этот оборот, и шейная живопись, захватила, все. Рафаэльчики с музейных картин теперь должны обладать лебединой подставкой, шеей. Это как техническая, опора гипсовый - белый постамент для "бледной головы", тренд. Ведь уже смотришь даже не на "мелколицего" человечка, а на его сплошную, бесконечную шею. Время шарниров, любопытное время, любопытное открытие! Да голову оказывается можно ставить, как сегодня ставят дамочки себе губы, надувая их, по времени или навсегда.
Как разговаривать о прошлом? Ведь там и иная экономика и иные приоритеты, иное жизни чувстве, много всякого и надо ли нам такое постигать. Надо ли нам остро прочувствовать что всех этих людей кусали блохи и заедали вши. Все что мы можем в здравом уме, это лишь поверхностно рассуждать так как будто все это происходит в наше время «с нашим климатом». Эпоха чем она стилистически организуется в арте? Часто это малоосмысленные мелочи, гамма цветоносности и конечно это прежде всего угол наклона головы? Не замечали? Часто на этом строиться карикатура, подобрать нарочито верный угол. И снова о ракурсе. Позволю себе мыслишку что в каждой эпохе есть свой излюбленная проекция. То есть особая методика воздействие на восприятие. Все мы ходим под солнцем и освещены примерно под одним углом это настолько привычно что этого мы не замечаем, но вот стоит осветить лицо на портрете например светом снизу и сразу же становится страшно. Мы к такому ракурсу не готовы, потому что мало с таким сталкивались ну разве что ночью у костра когда рассказывали друг другу страшные истории. Контур и боковой свет рассвета или заходящего солнца, такой излюбленный настроенческий трюк некоторыми художниками и операторами. Это просто от постановки «лампочки» и уже такая сложность. А что если свет комбинируются с расположением нашего тела. Каждое время как - то по - особому определяет в пространстве это самое тело. Вот иллюстрация к тому о чем я говорю «Св. Екатерина Александрийская» (около 1507—1508). Очень характерная и линия глаз как пример. Когда мастера хотели быть как Рафаэль рисовали точно так же вплоть до 19 века.
Вот предельно упрощенная типология.
15 век. ¾. Шея прямая. Голова наклонена немножко в низ, в почтительносте.
16 век. ¾. Голова задрана вверх, шея как то наклонена.
17 век. Фронтально. Герои смотрят прямо на зрителя, взгляд уверенный.
18 век. Фронтально. Голова наклонена.
18 век. ¾ Голова наклонена вниз, шея тоже как то наклонена.
Акценты и всякое нарочитое. В Санти- век с ужасом нашёл "отца всех маньеристов". Возрождение подготовило зрителю страшную ловушку, несокрушимую явную "деталь".
Антигреки. Античность которой тогда пытались следовать воспринимала человека во всей его целостности, там герой предстоит как полнейшее отсутствие частей, он монолитен, един. Да, руки кривые, ноги длинные, но при этом человек-монолит и весь он гармоничный. Дела мастерам нет до" кудряшек", хотя завитушек много и они повсюду. Новое время придумало отдаленную от общего физиологию- ножку, ручку, улыбочку. Нам дарят мелочевку и это ситуация когда целость уже не нужна. Без неё норм. Милый носик торчит из под шляпки, ручка вылезает из под хитона, ножка из под юбки! Для впечатления не нужно тела, нужна просто деталь- губки, плечики, и эта разменная мелочь теперь составляет самый важный параметр красоты. Ушла то гармония, единство. Пришли красивости, ракурсы и пленялки и восхищение. Картину рисуют чтобы явить вздымающуюся грудь, и того достаточно. Санти с нами заигрывает. Всеобщность ушла, прибыл фрагмент и он теперь основание и часть характера. Вот например та же "белая шея", и все ради нее. Мозаика как основная характеристика. Вместо средневекового мощного подбородка, опора из шеи.
Колонна, такими же опорами- колоннами становятся руки. Запястья. Фрагментации, свято место. Разница подходов, как постановка. Бывает глубоко посаженная голова воина, "гаттамелата". «Голова из спины» сутулого мудреца, крутящаяся голова. Женские покатые плечи юнца.
Четкая деталька, локон или ухо. Как обходиться сегодня без лидеров? В мире не так много арт трендов и знаковых имён, например есть тренд "Греческий Аppelez" и есть тренд "Рафаэль". Мемы, имена поводыри и за ними и следуют изучая искусство. Кто сегодня помнит знаменитого Апеллеса? Санто- Санти- всех затмил, он высшая должность в иерархии художников. Он равнение. Но теперь я скажу о себе, "Я не Рафаэль".
Незабвенное имя, основа брендирования. Это как генеральские погоны живописца, золотое шитье темы, лидерские позиции. Что же всё-таки такое этот самый неоспоримый "Рафаэль"- выгребная элита сложной эпохи. Шаблон на долгие века оккупировавший искусство. Прихоть.
Попробуем разобраться в многочисленных престижных Санто Санити. Ведь есть Рафаэль, из неких музейных кусков, аукционов и арт мозаика, пристяжные- но единого Рафаэля нет. Как вернуть это имя в культуру? Как из разнопланового вырезать именно "ту яркую личность". Как много предстоит отсеять, выкроить, купировать. Понимать и припоминать.
Сахарная гора. Полученный нами в наследство образ художника - это монолит и надо ли его трогать ковырять лизать и пробовать на вкус.
Разборка. Как верно и полезно "употреблять холст" подлинному «зрителю -гурману»? Конечно картину лучше смотреть на компьютере, там можно разобрать все эти "величайшие детали", но если повезло в живую то картины надо нюхать! Краски «до готовности» высыхают по 200 - 300 лет. Масло пахнет. Пигменты живут долго, о том и говорят возникающие трещины, часть живого процесса кристаллизации. поэтому если у тебя развито обоняние то можно и попробовать картину на вкус, "взять на рецепторы". Вдохнуть внутрь! Зрители приходят на Рафаэля и «те атомы» вдыхают а потом вносит их на божий свет из галереи. Пылинки-ворсинки когда - то оседали на холст, художники знают что большая проблема - просушить картину потому что масло втягивает в себя вообще все что летает в воздухе. В мастерской художника важно иметь идеально чистое, вентилируемое помещение с хороший температурой чтобы там выслушивать, но все равно в процессе работы «налипает». С художника все время что - то сыплется и становится краской, художник дышит на картину и своим теплом ее строит, и краски в перенесут атомы и сохранят их столетия, а потом возможно отдают эту пыльцу. Рафаэль любил кутить, а значит было благовоние и вино, был и перегар. Я вот рассуждаю про просушку картин, но чем это отличается от просушки белья? Здесь уже вдруг разговор про климат, а зимой в Италии вообще невозможно ничего высушить. Интересно зимой вообще не рисовали быстро? И тут вдруг влезает в разговоры какие - то циклы, и включенности художников в сезонность. Есть время делать эскизы, собирать цветы-лепестки для красок и время рисовать. Хорошо, когда не просыхает, можно исправлять уже нарисованное, и так рождается эта замысловатое итальянская «а - ля прима» и можно растянуть процессы надолго. Хотя не знаю какой был тогда климат в Италии.
Критерий. Путешествие зрачка по картине, особое удовольствие катание "этого шарика". На что обратить внимание, какой маршрут выбирать. Есть некоторые моменты, назовём их "углами внимания", акценты, окна в которые нужно смотреть старых мастеров.
Критерий -лево право. Рафаэль многие свои работы готовил под тираж- исходник на гравюры или шпалеры. Хочешь правды - бери зеркало, смотри «как надо.»
Конструкты, каркасы, традиции. Есть в картинах "эти самые" тёмные и светлые углы, и рациональные принципы. Соответствия. Вот например формальный угол 90°, и попытки что то там на холстах композиционно «квадратировать». Зуд сделать по отвесу и по горизонту.
Входное отверстие, обрамление. Картины Возрождения надо смотреть только в рамках Возрождения, такого товара в музеях мало. Интерьерная мода, все старое освежить, снести и сломать. В 18 веке была мода вообще подрезать картины ради моднейших овальных рам. Родные рамы ренессанса "специфические". Обрамления это действительно совершенно утерянное искусство, создание культуры окружения.
Вперед по "флорентийской дорожке". Столярка, маркетри, деревяшки. Картинные рамы как часть замысла, интерьерная история быстрее всего утрачиваемая. Союз рамы и холста. Резьба и позолота. Это не просто какие-то надуманные кудряшки и цветочки, в возрождении возникают рамы как почти алтарные строения, с "дурноватой росписью". Музейные развески, и картины ренессанса "в золоченых рамках" эпохи барокко- это нонсенс. Картины Рафаэля в современных рамках это пошло, хотя бы потому что подлинные настоящие рамочки, они тоже почти часть образа. Рафаэль не любил модный холст, "он деревянненький". Корпуса его работ тоже мастерились" крупно", под тяжелую доску. Они затейливые и при этом несовершенные в своём ремесленном исполнении. Рафаэль в его родном обрамлении и это совсем другой эффект. Зачем нужен этот вымышлено дробленый автор высказанный нам сегодня на самых дизайнерских языках? Картины и без того сложные, и вне багета, возникает много вопросов.
"Особая рамка" картины, это неотъемлемая часть "той" культуры- нестойкой, формирующийся, и часто неидеальной. Картины старых мастеров и так плохо вписывались в интерьер нового времени приходилось спасать ситуацию хотя бы рамами. Это сегодня стандартная «наследная» рама она -классицизм, но так было не всегда!
Окно в тот мир. "Есть, та еда- фрукты яблоки как на картинах, есть правильный антикварный стол на котором эту еду раскладывают". Можно например сымитировать какую-нибудь Восточную снедь, но чтобы было всё по-настоящему нужен и Восточный антураж. Пир. Стул или отсутствие стула. Проходя. Несомненно картина Возрождения требует своего зрительного подхода. Труд гениев требует уважения. они старались и зрителю тоже нужно постараться. Что остается только стоять перед ними на вытяжку молитвенно руки и ждать приказаний. Вослед. Картина эпохи возрождения это что-то вроде стола для гурмана. Тариф. Порог вхождения. Разложенные вкусности, акценты, вступительные коды, и финальные десерты. Тут одежда для мысли, карманы в которые разложены записочки с загадками. Заветы. Полотно, целый комплекс знаний. И рамка, тут странная пристройка, какая-то городьба, больше похожая на морозное окно, с обязательные узорами. Это еще что то "отсталое", ещё что-то алтарное, храмовое. Это не архитектура, не псевдо фреска, но "деревянная картина"- такая весомая конструкция которая украшает не стену, а "делает значимым" дом или достаточно пустоватое палаццо. Это ниша, дверь и неотъемлемая часть иного бытия. Резная рамка, сдача культурного зачета. Чем-то по структуре это очень напоминает самодельные "багеты" окна в русской деревни. Это объёмистое обрамление что при свете дня бросает на саму картину странную тень. Выход в объем! Игра форм, и сама работа это тоже "сшитые доски", шов от мастера столяра часть будущей концепты живописца. Учтенное место вертикаль, как место сгиба, все сделанно так чтобы туда не попадали значимые элементы. Учитывается и сучки и волокнистость, хотя «грунт» и не отменим. Природа материя, и краски и грезы. Зрительство это - сбычи всех надежд и мечтаний, и проявление прекрасных и лучших качеств.
«Где деньги там и сердце твое». Что продавал богатейший итальянец.
Мадонны Рафаэля- тренд, их немало.
Тюрбанизеция. Любимый рафаэлевский драм драп, узор на тканях. здесь произошла подлинная пластическая революция, всё средневековье "про складки" Возрождение это тоже тканные складки - но совершенно иные. Ярким "Тюрбанам" почему то не верю, думаю это поздняя мастеровитая реставрация.
«Мадонна Альба» Трудно представить что этот кругляшок был главной визитной карточкой мастера. Этот "циркульный" центр картины состоящий исключительно из уха и щеки- это Мадонна у которой можно сказать отсутствует лицо, специфические антии ракурс. Почему вдруг такая любовь человечества к шедевру? та самая дикая Альба- любовь того самого махо Фраччо Гойи. Пожива авантюристов. Круг. хождение картины по кругу. Видимо это связано с тем что эта живопись покинула центральную Европу и пребывала в очень странных, дальних регионах. Периферия хорошее место для обожествления. Низкий старт. Эрмитаж как мастерская копировщиков. То это тондо было главной иконой русской живописи, а то вдруг это и главная икона американского музейно- дорогостоящего собирательства. Вторит Микеланджело Буонарроти, который в это время создал единственную дошедшую до нас станковую живопись- тондо «Мадонна Дони».
Композиция Проста это "приставная лесенка" или пьедестал триумфаторов, ступенчатая пирамидка. На картине изображены трое. Странная тема мастера, всякошная "мисто - троица". Тут уже сложности богословия. Дитя дитя-дух и мать. Полемика. при этом ракурсе личинки и у Мадонны и у Иисуса лениво- фактически одинаковые. Одно и тоже лицо и все линии построения. любимое Рафаэлем "нисхождение или Восхождение". Пьедестал чемпиона. Опасные предметы. Опора на крест. Что это за перетягивание каната? Два брата. Стойкие связи. Легенды. Предтеча и миссия. Первая их встреча и "тюремное перестукивание" сквозь плоть, было ещё во чревах, долог сестёр Анны и Марии. Начало. Все по родственному. Тут дети, в обличии путти. Товарищи по опасным играм. Иоанн- первая кровавая жертва новой веры. Первая прядь с головы. Расчленение - это что то неприемлемое для иудеев, крушеная кость. Значит ты уже вне иудейского рая, и надо строить что то свое. Ради брата, «мы пойдем другим путем».
Низ верх. Два ребятёнка, игра как перетягивание палочки. креститель здесь явно олицетворяет старый Завет. как красиво сделан мех, и вырисованы космы- прото человечества. Шерсть фактически неотличима от его волос. Ещё вне пуговичная одежда. и как пуговицы эти нарочитые цветочки "на шубке. Дети, и сущности нас. Младенец в одеянии старца аскета. Вечная космо- косматая дикость. Палец Мадонны заложенный в книгу. Вклейка в первые главы. Много уже написано и зачатье и бегства. Закрыто -открыто. Сверху еще и ткань. Книга символ благовещенья, то есть зачатия. Часто символ -это книжка в чехле. Три ступени дороги. И рождение миссии. Спасение. Сразу ли борода? Адам был ли младенцам, была ли у него возможность подрастать? А кто Ева- это сразу рождённая реберная дева? Дева баюкающая дитя Адама, грудь и конечно яблоки. Первая прикормка. Справа видны на картине цветочки которые выглядят исключительно как Photoshop, очень нужно современное вкрапление, кисточка штамп у меня сегодня такое вызывает ассонанс. что это такое?
Дамские головные уборы. Как качественно написан тюрбан- очень по голландский. Закрутил автор водоворотом ось. Как то на два века вышло пораньше, что за арт перемотка. Если бы мадонна держала в руках мобильный телефон то мне не было бы так странно. Слишком "деталь", и вблизи живописный увлекающийся почерк «вне эпохи», совсем иное качество прямо "дельфтское исполнение".
"На плечах художника". Репутация.
За Рафаэлем не следует никаких грязных сплетен и пасквилей. Любить женщин - это сегодня обвинение, а раньше не любить женщин - это была смертельная опасность. Итальянец не скандален. Хотя надо сказать его "порно серия" заложила основы этого жанра на многие века став расхожими изданиями и "игральными картами". Но это уже прихоти иных людей. Санти? Он хороший приятный, неконфликтный человек, и это видно по его перу. Какие мои претензии к доброму маэстро? Мы сегодня видим античность и фаюмский восковой портрет, и раскопанные" фрески вилл". По документом возрождение тоже видело что то подобное но накопанное не из "сицилийских вилл", а из самого Рима. Но вот после мастеров возражения этого уже никто не видел. Куда пропали фрески и остатки живописи, и "вдохновенное"? Неужели все поглотили "архивы Ватикана"? Или все просто найденное и скопированное уничтожили авторы. Соскребли если сами не могли повторить.
Рафаэлески. Мы пели о триумфе возрождения, но может то была и одновременная его трагедия. Мастера открыли ящик Пандоры. Скульптура то была был и Донателло и Микеланджело. Скульптуру никто не прятал. Развратные паны и соблазнительные менады. Отзвук литературы, что не говори сразу видно кто читал Лукиана, трудно не перенять такой юмор. Обоняние. Предмет любви трудно скрыть. Классическое возрождение любовь там есть а предмета любви нет. Где античные прототипы, куда они канули? Рафаэль был главным по "чёрным раскопкам". Где исходники, и шаблоны для возражения, где то что они возрождали? Искусство и навыки. Наследие Рафаэля многочисленно, но где же та самая рука мастера. Смотришь великие его творения, но это все разнорукое, разностильное. Как это объединить, все это в одну кисть. Кто эти люди? Время, рестовраторы, ученики, последователи? Откуда вся эта разночисленная пестрота? Ведь это классика ориентир для подорожания, все-шаблон. Имя Рафаэль это гранд- тренд, это орден на мантию художника. Уметь и делать как сам Санти, по сантистки. Но я не вижу вне личного автографа, и подписей под работами маститых искусствоведов имя этого художника.
Мадонна Конестабиле. 1502—1504 непонятно кто кого читает младенец книгу или мадонна самого спасительного дитя, мать прямо заглядывает ему в темечко.
Когда классические искусствоведы говорят Рафаэль и они всё время упоминают про какую-то верность природе, натуре. Я что-то не вижу этого не в его работах, не в работах его современников. Может быть скрупулёзные наброски Леонардо это единственная доскональная попытка. А «зайчик» Дюрера, и его «дерн», это просто немецкое качество.
Возрождение ещё толком не знает что такое природа, она в нее «не утыкалась», все это то ли какая-то светло ангельская магия то ли неразрешимый разговор камней и облаков между собою. Поэтому возможно складывающийся юный мир новых открытий, и старой античности, путанный, но это не еще не ботаника. Естество мира еще не узнано ещё не пере изобретена античная оптика, пока не работают микроскопы. Естествознание под которым мы сегодня понимаем наше, окружение пока ещё лишь острая проблематика, понимание того что есть некая природа которая сама по себе. Она уже не создана Богом, так как может создаваться человеком. Так в это время, ввозятся новые семена, и человеком моделируются новые породы собак, и овец, и есть иные заморские наглядности того что называется искусством. Творение значит быть полностью искусственным. Мнимость незыблемого, а ещё политические катаклизмы, как назло в крушение старого мира и открываются какие-то "Дальние страны", невиданные животные и люди. И встречные с обратной стороны Земли «антиподы», там не ходят почему-то вниз головой. открытия происходят и в ширь и вглубь. Духовный раскоп. Есть новая наука о человеке - археология, и следом понимание "о нас", что были некие древние которые оказались цепки умами. Амбиции, потому все как сегодня. Один из главных проектов сегодняшнего человечества это расшифровка нашего био-генома. Бит, который перевели, но вот только мы ничего в " тех словах" пока не понимаем. Тогда в 16 веке главный "все Национальный" евро проект был "расшифровка" греческих мудрецов, и поиск евреев чтобы они растолковали «нам» нашу библию. "Наш геном культуры". Эти переводы делались с большими трудами, не было достаточно в наличии образованных греков, и евреев. Перевести перевели! но ничего в том не понимали. Было понятно что философия Платона это философия совершенно для другого общества, и мотив совершенно других отношений между людьми. Иная глубина и проблематика. И какая то там былая демократия! Большие города и полит общежитие. Так европейцы вновь примеряли на себя роскошные одежды культур, те «туники» которые худощавому телу средневекового человечества оказались слишком велики. нужно было опять "наливаться соками жизни", здороветь, прекратить постничать, готовится к апокалипсисам. Жить красиво! Обустраивать общество, и планету. Возрождение этим и занималась оно отъедалось, наливалась соками, осушали низины. Так появились обнажённые 3 грации Рафаэля, его красивые Мадонны, пышущие румянцем. Появилась культура застолья, бесед, контактов, неминуемые иностранцы, тут же и беженцы, изгои, еретики, вольно и больно думцы. Разноплеменности – декларативная фреска Афинская школа. и так как человечество делать нечего ещё толком не умело то решение было простое. просто упорно собирать в одном месте как можно больше умных людей, авось что выйдет. Мост из знакомств. Вектора- знакомить личностей вне профессиональных пригодности и сословий. Так музыканты, переводчики, архитекторы, священнослужители делали «Мозговой штурм» будущего. Как жить дальше с учётом новых реалий распада старых систем? Итальянцы понимали что творят новое искусство. Когда то греки открыли миру свою страшную тайну. Социум. Как появилось тревожное слово политика. Люди неминуемо Возрождения стали заниматься этой трудной деятельностью. Все бросились творить будущее "под античные стратагемы", так создавались политические партии, союзы, цеха, под идею восстанавливать, высшую школу, поля и акведуки. История. Руководства, как построить чудесные машины древних, повторить их политические подвиги, взять славу Ахиллеса, написать Поэмы не хуже Вергилия и Гомера, сравняться в искусности с Апеллесом?
Вся эта кипучая проблематика и художник в центре. Рафаэль, живший «скорее как принц, нежели как художник», умер 6 апреля 1520 года, Ерун Босх умер тремя годами раньше. Кто бы подумал, одно время делили гении с разных краёв исторической пропасти. Поэт или пророк. А мы привыкли, что два могут быть в одном.
Активности интеллекта, рванули кожу общества, начались воины и крушения несокрушимого. Престолы зашатались, границы заколыхались.
Не будем о смерти, большого и малого, но падут великие города культуры, раскопки покроет пепел. Хорошо что Санти не дожил, до много итальянских трагедий. На сколько не возможно неминуемое? Тишина перед ураганом. Уколы. Сначала интеллектуалы пробуют острея перьев, потом острея языков, потом шпаг. Город в котором творил Рафаэль, еще ждёт кара. Грядет - разграбление Рима (1527), конец славной эпохи "золота" на смену которой придет более яркая "позолота". Рафаэль оптимистичен он совсем не пророк, он ничего не понял и не увидел, и ему не открылось. Многие герои художника ещё живы и многие умрут "в оккупации". Но шедевры будут уничтожены. Плач Иеремии по грядущей гибели Иерусалима так и не прозвучал. Погибнут дома и фрески в них. Но нет всхлипов не под сенью, не вне тени. Где же иеремические рыдание именитого пророка от живописи, по хрупкому вечному городу?
