Многие начинающие художники в самом начале своего пути прибегают к такому способу, как срисовка. Зачастую, это происходит из простого желания - хочу нарисовать также как на этой картинке, потому что она мне очень понравилась. В таком желании нет ничего страшного, пока человек относится к рисованию как к развлечению или хобби.
Но когда появляется желание развиваться в рисовании и даже сделать это делом жизни, может ли помочь данный способ в обучении? Может ли быть такое, что это окажется для вас не то что полезным, но даже вредным?
Давайте для начала посмотрим, что чаще всего понимают под срисовыванием. Зачастую, это не вдумчивое копирование и перенос линий, цветовых и тональных пятен с другого рисунка в свою работу. Срисовывая человек смотрит на внешнюю форму изображения и пытается повторить ее на бумаге\холсте\планшете. Но рисунок - это не только внешняя форма. Это гораздо более сложная структура, чем может показаться на первый взгляд. Анализ этой структуры - полезен, но вот бездумное копирование не несет особой ценности и пользы. Вы не сможете так изучить анатомию, не поймете, как работает светотень, и не научитесь, как нужно строить объекты. И в конечном итоге, это никак не поможет при рисовании собственных идей.
Вместо просто срисовывания вы можете заняться вдумчивым копированием. Но это не должно превратиться в основной способ обучения. Копирование может являться лишь вспомогательным инструментом в освоении художественных навыков.
Срисовывать с работ выдающихся авторов можно и даже нужно, чтобы научиться стилю и технике, из которых впоследствии может родиться ваш собственный стиль. В академическом рисовании есть даже такое понятие, как копийная практика. Смысл такой практики заключается не в самом копировании, а в аналитической работе, которую проделывает в этот момент человек.
Копируя, художник, можно сказать, разбирает работу на следующие кирпичики:
Композицию - что является ее центром, что второстепенными деталями;
Светотень - где находится источник света, как расположены относительно него объекты в композиции, как расположен сам художник\зритель, каков характер этого источника света - рассеянный или направленный, естественный или искусственный;
Художественные приемы и технику письма - какая линия в этой работе - живая, прерывистая или сплошная, ровная; как именно мастер накладывал тот или иной штрих или мазок. Если говорить о диджитал иллюстрации - то, также, какие эффекты художник использовал, какие кисти;
Материал - как именно в работе используется тот или иной материал, или возможно в ней сочетается несколько;
Детали - насколько они проработаны, в каких именно местах композиции.
Возможно, пока вам не знакома теоретическая база, вам будет сложно разбирать понравившиеся вам работы на составляющие части. Но начать можно с простого вопроса:
Что именно мне нравится в данной работе, чем она меня цепляет?
Постарайтесь ответить на него развернутее, чем просто “всем” или “здесь красивые цвета”. Если вам нравятся цвета, то опишите их не просто словом “красивые”, а используйте больше конкретики - они холодные или теплые, яркие и контрастные или сдержанные и сближенные по оттенкам, какого цвета больше, а какого меньше.
Постепенно учитесь задавать себе больше простых вопросов, когда занимаетесь копированием:
Что здесь самое большое, а что самое маленькое?
Что самое темное и светлое?
Какие формы здесь преобладают - мягкие и округлые или ломаные и резкие?
Так, постепенно вы будете приучать свой мозг не просто видеть и подражать, а улавливать суть и мыслить более развернуто.
Ведь в конечном итоге, создание какой либо творческой работы - это в первую очередь про способность мыслить и создавать образы посредством определенных приемов, а не про копирование окружающей действительности без какой-либо внутренней переработки.