Есть два основных метода работы у деятелей искусств, занимающихся созидательной работой.
Обучаясь в учебных заведениях, мы привыкли к тому, что произведение у первоисточника рождается постепенно, нередко мучительно. Фундаментально продумывается, записывается на чистовик после нескольких черновиков, и только потом передается к следующему этапу донесения до зрителей артистом музыкантом, танцором и так далее. Театральные режиссёры, прочитав пьесу, уже выстраивают в голове стратегию произведения, концепцию каждого персонажа, а потом уже работают с актёрами или даже сами подбирают актёров согласно своему видению.
Но есть и другой метод работы: как мне кажется, сейчас он распространён гораздо больше. У режиссёра в голове есть только идея, сюжет и общий замысел, остальное создаëтся по ходу, когда собирается коллектив (как в древние времена). При этом: почти всегда точно определён размер гранта, помещение, исполнительский состав, организационная команда, источник поставки реквизита. То есть, грубо говоря, всё вышеперечисленное есть исходный материал. И только в его присутствие начинает рождаться произведение. Не исполнитель подбирается под произведение, а произведение под исполнителей. Фактически часто даже музыка придумывается на ходу.
Оно бы может и ничего но есть тут практически сложности: творческий процесс может застояться из-за даже какой-нибудь мелкой организационной проволочки. Или из-за выпадения из процесса одного или нескольких артистов. Кстати, нередко у артистов не предполагаются страхующие дублеры (или предполагаются, но не у всех). В то время, как в традиционном театральном спектакле есть по два-по три состава, где дублёры друг друга выручают, согласно определённому графику, и помогают вводиться в сцены, если кто-то что-то пропустил.
В результате премьерная работа проходит в условиях дикого стресса и дедлайна, и практически никто ни на что не может повлиять, чтобы ускорить процесс. Тут помогает лишь отказ от каких-то экстремальных решений, Но практически количество исходного материала не позволяет делать больших сокращений. Такие спектакли, как правило антрепризны, и декорации, костюмы и реквизит берётся в аренду, а актёры и художественный персонал работают на условиях краткосрочного договора. Договоры могут заключаться как с частным лицом, так и с каким-то государственным коллективом. Поэтому общего репетиционного времени почти нет, а если оно есть, то очень часто расходуется нерационально. Такие проекты часто обретают широкую рекламную огласку. На это не жалеется средств. Часто даже реклама себя оправдывает. Но очень сложно судить о внутреннем качестве работы и профессиональной пользе, которую приносит такая работа членам коллектива. Хотя спектакль может выехать на профессионализме и на опыте людей, которые лежат у основания команды. Но, к сожалению, если такой тип работы станет основным, то возможен кризис жанра. Поэтому всё-таки о более консервативных методах работы тоже не стоит забывать. Чем разнообразнее культурная жизнь, тем лучше.
А теперь немножко отойдём от театра и вспомним про создание инструментальных произведений. В классическом варианте композитор делает клавир, затем партитуру (может, сразу партитуру), отдаëт ноты в оркестр или ансамбль, и во время репетиции вносит некоторые коррективы. Исключение, пожалуй может быть в ансамбле современной музыки, который исполняет ну очень новую музыку, где, собственно, больше спецэффектов, чем музыкальных мыслей.
А если это музыкальный продюсер, работающий в DAW? Вот тут, пожалуй, конструктивная работа начинается только за компьютером, особенно если аранжировщик ещë не вполне изучил возможности своего инструментария. Хотя и опытному специалисту подчас более импонирует работать "по ходу", но скорее всего, он активно практикующий, и работает одновременно над несколькими проектами. Кроме того, у него должно быть много темплейтов в программе, и шаблонов в голове.
В иных случаях, пожалуй, целесообразно сначала сложить основные пласты композиции или аранжировки у себя в голове.
А вы как любите работать над произведением?