В 5м классе я впервые попала в Третьяковскую галерею. Это было невероятно скучной историей, залы музея казались бесконечным лабиринтом из портретов, которые превращались в безликое бесформенное полотно в позолоченных рамах. И все было так до одного момента – до картины Василия Васильевича Верещагина «Апофеоз войны». Да да, той самой горы черепов в пустыне, над которыми кружат черные вороны.
Весь мой класс стоял, как завороженный. Экскурсовод делал тщетные попытки познакомить нас с другими работами великого живописца, но это было бесполезно.
По прошествии времени, изучая психологию, я пришла к довольно интересному выводу. Картина «Апофеоз войны» несет невероятно глубокий смысл. На раме гласит довольно актуальная во все времена надпись «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим».
Но когда 10-летние дети стояли, прикованные к этому жуткому зрелищу, дело было точно не в этом. Не в глубоком смысле, не в призыве, не в переосмыслении жизни и смерти и уж точно не в восхищении виртуозным исполнением. Дело было в страхе. Самой СИЛЬНОЙ эмоции человека.
Передо мной стоит непростая задача – сделать интересный и глубокий рассказ, разобраться в психологии создания и восприятия, и при этом не ввергнув вас в безысходность и холодящий ужас. Я подобрала самые яркие примеры самых известных авторов, оставив «за кадром» откровенную жесть на волне эпатажа. Такое, к сожалению, тоже есть, но на мой взгляд это не заслуживает внимания. Ни вашего, ни моего.
Нашу с вами сегодняшнюю встречу я бы хотела начать с традиционной маркетинговой теории «Спрос рождает предложение». А точнее, с попытки разобраться откуда же рождается этот самый «спрос»
1.
Бытует мнение, что рамки «нормальности» расширяются лишь последнюю сотню лет, однако это не совсем так. Общество развивается и регрессирует по своей амплитуде и имеет определённую цикличность. Поэтому на исторической арене то доминирует эпоха возрождения с ее приступами антропоцентризма, то новыми красками начинают переливаться времена «святой» и не очень инквизиции...
Все это - грани не просто одного и того же общества, но и одного и того же человека. Ведь невозможно рассматривать тот или иной факт, выдёргивая его из исторического контекста.
Аналогичная ситуация происходит и с искусством, которое являет собой лишь зеркальное отражение всего, что происходит в обществе
Сегодня мы с вами рассмотрим самые яркие, страшные и необычные работы художников от Караваджо до Бэнкси и Херста. Попробуем разобраться в их мотивации при создании своих работ, а также посмотрим на реакцию общества.
Ни для кого не секрет, что большинство людей привлекает негатив в значительно большей степени. И это тоже, своего рода вполне естественное и совершенно не новое явление. Публичные казни, бои гладиаторов, коррида — все это было излюбленным досугом для семей с детьми. Отчасти, 20 и 21 век даже более гуманен и адекватен (если можно так сказать). Разве что именно 20 век открыл глаза на то, что на этом можно неплохо зарабатывать. И журналистам, и художникам, и режиссерам.
Многократные исследования с конца второй мировой, проводимые американскими и британскими институтами, изучали этот феномен в попытках статистически отследить, как люди реагируют на смену контента с позитивного на негативный и наоборот.
Ужасающие (для меня) показатели так и не дали возможности прийти к единому мнению, но поделюсь с вами несколькими самыми распространёнными версиями:
1. Инстинкт самосохранения. Это довольно интересное объяснение из моей любимой рубрики «официальная версия». Собственно говоря, именно этой теорией оправдывают свой шок-контент центральные каналы. «Мы показываем максимальному количеству людей подобные новости, чтобы обезопасить их от подобных инцидентов». Этими же словами объясняют свой интерес и зрители. Хотя, по статистике тех же исследований, большая часть «целевой аудитории» таких новостей при всем желании не окажется в подобных условиях. Вероятно, именно это и является истинной причиной - эмоциональная составляющая
2. Адреналин. Наше животное происхождение безусловно подверглось серьезным мутациям и изменениям за миллионы лет эволюции. Мы научились строить самолеты, управлять своим сознанием и даже заглушать свой инстинкт самосохранения. Но по-прежнему, первое, что реагирует на любое обстоятельство - химическая лаборатория внутри каждого из нас. Нашему телу очень нравится состояние сильной концентрации, фокуса внимания, повышенной чувствительности всех органов. Нравится до такой степени, что в жажде достигать выработку дофамина, окситоцина или эндорфина, человек готов откровенно отравлять свой организм наркотиками и алкоголем. Подобную реакцию тела и выработку желанных гормонов в том числе вызывает и шокирующий контент.
3. Третья версия - больше из учебников по психологии «люди смотрят на тех, кому ещё хуже, чем им, чтобы увидеть позитив в своей жизни». Немного утопическая версия и вряд ли отображает «мнение большинства», однако, вполне имеет право на существование. Эта теория - смесь человеческих страхов и пороков. Тут присутствует и зависть, и тщеславие, и даже Надежда
4. Теневая сторона. Среди психологов есть весьма распространённая версия про теневую сторону личности. Это та самая, которая могла бы убить «придурка, который нас подрезал», или подсыпать мышьяк злобному начальнику. Эта часть есть в любом из нас в образе мыслей, однако «до дела» это доходит меньше, чем у 0.01% населения.
Ориентируясь на эту теорию, нет ничего зазорного в желании смотреть Чикатило в исполнении Нагиева или Н̶о̶в̶о̶с̶т̶и̶ ̶п̶е̶р̶в̶о̶г̶о̶ ̶к̶а̶н̶а̶л̶а̶ «Игру в кальмаров». Во время просмотра, по мнению психологов, мы отождествляем себя с героями и проходим все стадии вплоть до справедливого неизбежного наказания. Тем самым, наш мозг получает полный эмоциональный цикл. Лично за собой, я не раз замечала, что фильмы, особенно основанные на реальных событиях, без логического справедливого завершения, вынуждали меня лезть в интернет в поисках реальной истории. Помню свое внутреннее негодование после «Зодиака» или «Настоящего детектива» - как так не поймали то?!
Все это в той или иной степени объясняет наш интерес и делает его естественным следствием природы человека. Однако, я по-прежнему оставляю погрешность на этот примерно 0.01%, кому не хватает довольствоваться чужими «заслугами»
Если возвращаться к теме искусства, то сам по себе антропоцентризм (то есть фокус на личности, интерес к человеку и его деятельности) сформировался лишь в эпоху Возрождения. То есть к 14 веку. До этого момента, поскольку основным заказчиком искусства была церковь, почти все изображаемое несло под собой религиозную тематику. Не сказать, что в образах доминировали ангелочки и Эдем. Даже скорее - наоборот. Поскольку в основу ложились мифы и легенды, именно «распятие» - пожалуй, самый распространённый и растиражированный пример.
Церковь, будучи мощнейшим и самым богатым органом управления, брала за основу власти человеческий страх. Это не просто самый надежный и простой способ контроля и создания иерархии, это ещё и очень практично ложилось на природу необразованного человека, которым в первую очередь двигали инстинкты. Эту борьбу науки и религии мы наблюдаем и по сей день. Правда уже без ритуальных сожжений в «цветущем (как говорит Боррель) саду».
2.
Чтобы не растягивать нашу лекцию на несколько суток, свое повествование я начну с удивительного Иеронима Босха.
Этого художника эпохи, так называемого, Северного Возрождения, довольно часто многие историки искусств называют средневековым. Меня привлекло название его выставки в Артплее «Продавец кошмаров». Весьма любопытно и решение кураторов выставки чередовать растянутый на всю стену жутковатый «Сад земных наслаждений» с работами самого известного сюрреалиста – Сальвадора Дали. Я неоднократно слышала версии о влиянии творчества Босха на эпатажного испанца, и даже некие подтверждения возможности знакомства Дали с творчеством Босха.
Посмотрите на эту работу. Сразу скажу, что ее размеры 220/400см.
Самое невероятное в этой (как и во многих других) работе Босха, что он практически никогда не покидал родной город Хертогенбос в Нидерландах.
Современные ученые ломают голову над природой происхождения образов с картин живописца. Их сложно назвать реалистичными, и с учетом его локации, сложно сказать, что они были созданы под влиянием зарубежных коллег. Его зачастую называют сюрреалистом XV века, что могло бы значить – странные и даже кошмарные картины – плод его воображения или подсознания. Но мне больше импонирует версия приверженности Босха к эзотерическим дисциплинам, которые были крайне популярны в Нидерландах того времени – алхимия, астрология, черная магия. Эксперименты с препаратами, сектантство, так называемые «религиозные ереси», с которыми так активно боролась Инквизиция.
Для многих наших современников набор бессвязных, на первый взгляд, изображений теряет свой смысл, ведь мы забываем о главном. Со времен пещерной живописи, любое изображение несло под собой абсолютно конкретную символику. Никто не писал картины «просто так», не было «интерьерной живописи», а заскучавшие в декрете жены знати не пробовали себя в новом амплуа в свободное от СПА программ время. Каждый элемент картины имел какое-то значение. Многие из них безвозмездно утеряны, однако, несколько примеров я все-таки приведу.
· лестница — символ пути к познанию в алхимии или полового акта;
· перевёрнутая воронка — атрибут мошенничества или ложной мудрости;
· ключ (часто по форме не предназначенный для открывания) — познание или половой орган;
· отрезанная нога, традиционно ассоциирующаяся с увечьями или пытками, а у Босха — связанная к тому же с ересью и магией;
· стрела — символизирует зло; иногда она торчит поперёк шляпы, иногда пронзает тела;
· сова — в христианских картинах может быть интерпретирована не в антично-мифологическом смысле (как символ мудрости). Босх изображал сову на многих своих картинах, он вносил её иногда в контекстах к персонам, которые себя коварно вели либо предавались смертному греху. Поэтому принято считать, что сова, будучи ночной птицей и хищником, служит злу и символизирует глупость, духовную слепоту и безжалостность всего земного;
· чёрные птицы — грех.
От этой символики, я бы хотела перейти к следующему стилю живописи – натюрмортам. Перенесемся на пару сотен лет вперед и посмотрим на главного бандита эпохи Возрождения – Караваджо. Бандит он не только в своем образе жизни и судебных делах, но и в своих работах.
Натюрморты – это был целый ребус, в котором ящерица означала образ дьявола, а подарок с изображением разбитого стеклянного бокала мог смело расцениваться, как предупреждение о хрупкости и скоротечности жизни респондента.
Я много раз рассказывала о выходках Караваджо с трупами ради пущей реалистичности знаменитого «кьяроскуро» (светотени). Однако, самые жуткие образы на его работах появились лишь под конец жизни художника. В тот самый момент, когда его обвинили в убийстве. Страх перед неизбежным наказанием вынудил Караваджо сбежать из Рима. За почти 5 лет изгнания, художник создал несколько работ, которые многие искусствоведы и историки окрестили раскаянием. Работы в период с 1606 по 1610 год довольно часто отображают сцены обезглавливания:
«Давид и Голиаф», «Обезглавливание Иоана Крестителя», «Юдифь и Олоферн».
Но на большей части этих работ у обезглавленного одно и то же лицо – лицо самого Караваджо.
Посмотрите на эти работы.
По одной из версий картина «Давид и Голиаф» была предназначена Папе Павлу V, как покаяние, что и послужило причиной для помилования. Правда официальный указ был обнародован уже через несколько дней после его смерти.
Эти два примера кардинально разнятся, но при детальном разборе само изображаемое уже не кажется просто мерзкой картинкой. Причины создания полотен у художников – некая смесь окружающей атмосферы и собственных душевных терзаний. А теперь, давайте разберем еще одну из самых частых причин появления в работах художников самых отвратительных образов. Болезнь.
Напомню, что пока речь идет исключительно о естественных причинах, появившихся задолго до эпатажа, или как сейчас принято говорить «хайпа».
История знает великое множество художников, столкнувшихся с разными недугами. Кто-то приобретает их по праву рождения, кого-то под самый конец жизни, а с кем-то судьба играет в выживание на протяжении всей жизни. Как, скажем, со знаменитой Фридой Кало.
Не стоит забывать, что работа художника – довольно непростая сфера. Изнурительный труд, большие объемы работы (ведь первые полотна – это фрески), а главное – бесконечное количество экспериментов с химическим составом красок. Кое-кто (не будем показывать пальцем на Ван Гога) даже пробовал их есть)
Сейчас же речь пойдет о Франциско Гойя.
Не так давно услышала от коллеги историю просмотра фильма «Призраки Гойи» с довольно оживленным повествованием короткого спойлера. На все попытки моего парирования «Да не было такого!», мне отвечали «Ну на реальных же событиях!»
Отнюдь! Хотя жизнь художника сложно назвать безоблачной, в Натали Портман он точно не был влюблен и детей у них быть не могло, даже выдуманных. Художественные приемы, используемые в фильмах, по сути своей базируются на тех же психологических принципах, о которых мы с вами уже говорили. Впрочем, повторюсь, до XX века, никто не додумался на этом зарабатывать.
Гойя действительно очень неординарный художник, до определенного момента весьма востребованный и очень позитивный. Он с относительной легкостью переносил все перипетии «не очень святой» инквизиции (хотя как вообще можно было это выносить!!!) и продолжал творить в своем стиле, в ярких оттенках и жизнерадостных тонах. Гойя любил женщин (в отличие от Караваджо, прости Господи..) и с музами у него не было ярко выраженной моногамии. Он являл собой ярко выраженный образ самых известных художников эпохи романтизма и все было так, пока Франциско не заболел. Крайне редкое и по сей день заболевание – болезнь Сусака – сначала сделала художника полностью глухим, а впоследствии и вовсе вызвала паралич. Однако, при этом художник не перестал творить. Одной из самых жутких картин автора можно назвать «Собаку». Слабонервным собачникам – не смотреть!
Не стоит забывать, что в 1808 году Испания переживала не лучшие времена. Тот самый Бонапарт оккупировал почти всю территорию страны, что вызвало партизанскую войну. Это не могло не отразиться на творчестве художника, и одной из первых картин появилась серия гравюр «Бедствия войны». В силу ряда обстоятельств, воздержусь от сопровождающего визуального ряда. Однако именно болезнь спровоцировала целую серию работ, которую историки в последствии назовут «Черные картины».
Что же это было – «боль или спазм»? Вместе с нашей «нарисованной» машиной времени, давайте все-таки разберем известную (не только по рекламе не помню чего) первую работу в стиле экспрессионизм.
Итак, друзья! Перед вами Эдвард Мунк. Мы виртуозно перескочили через проститутку Олимпию Мане и потерю зрения его почти тезки Моне. Ибо в их работах нет ничего столь же мрачного и ужасного. Мы летим в самый конец XIX века, на мост, соединяющий Осло-фьорд и холм Экеберг (предположительно, разумеется).
После отрубленной головы самого Караваджо, в реалистичном кьяроскуро эпохи Возрождения, этот детский рисунок не вселяет леденящий ужас (а я говорила, что в нашу эпоху не все так плохо..). Но это временно. Позвольте познакомить вас с биографией художника. Эта «я тоже так могу» не просто так стоит почти 120 миллионов долларов (побив все, и без того немыслимые, рекорды Sothbey’s в 2012м). Не так давно мультимедийный центр MARS проводил интересный эксперимент с глубоким погружением в формате виртуальной реальности. Для меня, человека из СССР, очки виртуальной реальности – по-прежнему нечто инопланетное и бесовское. Особенно, когда в основу истории ложится история. Уж простите за тавтологию.
Уже в пятилетнем возрасте Эдвард потерял мать по причине туберкулеза, а в дальнейшем и старшую сестру. Это почти сразу отразилось в первых работах художника, еще в импрессионистском стиле, в работах «Больная девочка» и «Весна». Совсем скоро его младшей сестре была диагностирована шизофрения. Сам же Мунк не отличался крепким здоровьем, и несмотря на успехи в учебе в точных науках, он принял решение стать художником.
Неоднократная критика как публики, так и весомых фигур, лишь раззадоривает автора и уже в начале ХХ века он обзаводится влиятельными покровителями.
Так что же на картине (спазм или боль)? В многочисленных догадках есть целая плеяда версий. Яркий и агрессивный пейзаж и небо приписывают известному извержению вулкана Кракатау в 1883 году. По некоторым свидетельствам, это извержение вызвало настоящую экологическую катастрофу, которую могли наблюдать в том числе и жители Европы. Катаклизм привёл к выбросу в атмосферу огромного количества вулканического пепла, из-за которого в течение последующих нескольких лет по всему миру наблюдались особенно красочные, огненные закаты. Исследователи пишут, что это явление было замечено многими и отмечалось в норвежских газетах.
Само лицо, по одной из версий, навеяно автору образом перуанской мумии, которую Мунк вероятно видел на выставке в Париже в 1889 году. Ну а сам мост носит легенду и скотобойни, и психиатрической клиники, и еще сотни версий, что могло быть в голове мальчика, потерявшего от недуга почти всю свою семью.
Мало, кто упоминает, что «Крик» был одной из работ серии «Любовь», посмотрев на которую, отдельно взятой работой он не так уж и выбивается из общего контекста. Впрочем, о том, что «Черный квадрат» Малевича был частью триптиха, тоже мало кто говорит.
Причина тому все та же – реклама и PR.
Так давайте скорее переходить в ХХ век. Ибо он кишит темами для обсуждения!
Перед вами работа моего любимого Рене Магритта «Любовники». О самом художнике я могу говорить бесконечно, поскольку каждая его работа носит невероятно глубокий, ироничный и двойной смысл.
Все мы помним «Вероломство образов». Работа, на которой изображена курительная трубка с подписью «Это не трубка». Одним из любимых заданий на многих мотивационных тренингах, коучи очень любят «пытать» слушателей вопросом «А что же это?». Это изображение трубки.
Почти все картины Магритта – некий ребус, что-то очень прямолинейное и одновременно наполненное смыслом. «Русалка наоборот» - изображение женского тела с головой рыбы, или автопортрет художника, где, глядя на яйцо, он переносит на холст изображение птицы. Да и в целом, в образ котелка в «Сыне человеческом» стал культовым после «Аферы Томаса Крауна» в исполнении Пирса Броснана. На территории завода Арма сейчас проходит выставка реплик работ художника, которую я очень рекомендую посетить.
Так давайте вернемся к «Влюбленным». Многие критики в поисках смысла говорят о ненастоящей любви или напротив, о самодостаточной и безусловной любви.
Наконец, историко-биографический подход дает возможность увидеть в этой картине еще один скрытый смысл. Рене Магритт неоднократно изображал людей с лицами, обмотанными тканью. Некоторые исследователи уверены в том, что это объясняется трагедией, которую художнику довелось пережить в 14 лет. Его мать покончила с собой, утопившись в реке. Однажды ночью она вышла из дома в одной сорочке и исчезла. А через несколько дней ее тело обнаружили в реке. Подол сорочки был обмотан вокруг головы. Художник избегал разговоров на эту тему даже с собственной женой и утверждал, что критики переоценивают влияние этого факта на его творчество, но неоднократно повторяющийся мотив «голова, обмотанная тканью» заставляет судить об обратном.
Сюрреализм, понятие, которым можно смело охарактеризовать все происходящее в нашей жизни последние три года – направление в искусстве, сложившееся еще в 1920х годах. Это абсурдное и противоречивое сочетание натуралистических образов – некое совмещение сна и реальности.
И еще одним известным сюрреалистом, имя (а точнее усы) которого знают даже те, кто далек от искусства, стал Сальвадор Дали.
Принципы свободы и иррациональности, заложенные в основу стиля, в работах Сальвадора приобрели гротескный эпатаж.
Большая часть работ художника – сложные, откровенные, и, по правде говоря, странные образы. Но есть среди его работ и картина «Лицо войны».
В работе легко угадывается манера художника, его четкий рисунок и способ создания деталей, композиционные особенности. Но в этот раз художник отказывается от сложного, замысловатого языка сюрреализма. Смысл его работы легко поймет всякий зритель, неискушенный загадками других работ Дали.
В окружении безжизненной пустыни предстает перед зрителем мертвая голова, в глазницах и ротовой полости размещены черепа, в глазницах которых новые черепа... И так до бесконечности. Многочисленные змеи, вырастающие из головы, кусают ее же. Таким образом автор попытался изобразить бессмысленность войны, ее противоестественность и губительность для цивилизации.
Первая и вторая мировые войны, попавшие на становление такого понятия, как «Современное искусство» в той или иной степени фигурировали во всех работах всех художников по всему миру. В это непростое время новые стили живописи, которые буйным цветом формировались в разных уголках Европы, подверглись довольно серьезной критике, а впоследствии и гонениям. Так, в гитлеровской Германии современное искусство почти повсеместно стало называться «дегенеративным». Однако, это не остановило художников, почувствовавших дух свободы в творчестве, и они еще активней начали формировать разного рода объединения, группы, клубы, носившие в основном подпольный характер.
Есть еще одна довольно известная работа не менее известного испанца, посвященная войне – знаменитая Герника Пабло Пикассо 1937 года. Я деликатно воздержусь от описания изображенного. Вы сами легко сможете найти эту историю, но и пройти мимо этой работы я не могу.
Давайте перенесемся на другой континент и поговорим о самой яркой представительнице фолк-арта. О невероятной женщине с еще более невероятной судьбой – Фриде Кало. В принципе всеми ее работами можно забить визуальный ряд нашего «очень страшного искусства», но в качестве примера я возьму ее работу «Всего несколько маленьких царапин». Почти все работы Фриды были автопортретами. Судьба неоднократно подбрасывала художнице сюжеты для жутких картин. Врожденная болезнь, страшная авария, болезненный брак с Диего длинной во всю жизнь, выкидыши – все это не помешало стать Фриде одной их самых известных художниц во всем мире. А в родной Мексике ее по праву боготворят и считают национальным героем. Причиной тому являлась ее невероятная жизнерадостность, стойкость духа, нравы, политические взгляды, эпатажное поведение и сильная приверженность к национальным традициям и обычаям.
Очень рекомендую к просмотру довольно близкий к ее биографии одноименный фильм с Сальмой Хайек в главной роли.
Но давайте вернемся к картине. В ее основу легла статья в местной газете, где полиция арестовала мужчину, убившего свою жену, нанеся ей бесчисленное количество ранений. На вопрос правоохранительных органов «что случилось?», мужчина спокойно ответил «Я ее просто немного ущипнул».
Многие искусствоведы сходятся в едином мнении, что на работе изображена сама Фрида и ее супруг Диего Ривера, который «немного щипал» ее на протяжении всей их совместной жизни. Пусть и не нанося физических увечий.
Подорванный авторитет католической церкви в ХХ веке нашел свое отображение в работе еще одного известного ирландского художника Фрэнсиса Бэкона (не путать с политическим деятелем!).
Помните, когда Джокер Тима Бертона врывается в художественный музей и начинает бесчинствовать с произведениями искусства? Но вдруг он произносит фразу «Мне вроде как нравится эта. Оставьте ее!». Вот она, перед вами – Картина «Фигура с мясом» 1954 года.
В XVII веке Диего Веласкес написал портрет Папы Иннокентия Х. Именно это изображение стало референсом для картины Бэкона. Здесь папа изображен как старое, дряхлое существо, питающееся человеческим мясом, а лицо его перекошено в зловещей ухмылке. На заднем плане изображены две большие, свисающие с потолка мясные туши. Они показаны в таком ракурсе, как будто папа-ангел, а два куска мяса — крылья за его спиной. Вероятно, Бэкон хотел показать, что от святого человека до кровопийцы и жестокого монстра — только один шаг. Впрочем, скажу, что к работе был еще и не менее ужасный этюд.
ХХ век со всеми событиями и нюансами внес довольно серьезные изменения в сознание людей по всему миру. Бесчисленное множество открытий, научный прогресс, война, жестокость, новые стили в искусстве – все это в целом пошатнуло влияние церкви. Сбитая идеология молодежи, потерянные принципы и полное отсутствие почвы под ногами стало довольно серьезным рассадником для появления новой религии – моды и искусства. Родиной этого явления, как вы уже догадались, стала процветающая Америка. Свобода, равенство, вечеринки, безоблачное будущее породило целое направление поп арта. И самым первым и ярким представителем стал Андрей Ворхола Энди Уорхол. К теме жизни и смерти он пришел уже став довольно известным художником и первой работой стал портрет Мэрлин Монро, взятый с ее некролога. На золотом фоне, подобно образу святой (хотя мы не раз слышали понятие «Икона стиля») «Мэрлин» стала началом целой серии работ, посвященных смерти. Эта тема глубоко заинтересовала Уорхола и в одной из своих цитат он передал весь смысл коллекции «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, они перестают оказывать на тебя какой-либо эффект». И это так.
Перед вами одна из самых дорогих работ художника «Авария серебряной машины» и «Самое красивое самоубийство».
В числе работ из этой серии у Энди также есть работы «Электрический стул». Как написал Юваль Ной Харрари в своей книге «Сапиенс», первое, что создал человек после изобретения электричества – электрический стул… И хотя на работе нет зрелищности самого процесса, осознание, что стул сфотографирован до и после самой казни, придает изображению какую-то невероятную тяжесть.
К концу ХХ – началу XXI века понятия рекламы и маркетинга донеслись и до «Старого света» (Цветущий сад, который). С этого момента хоррор темы в искусстве почти потеряли глубокий смысл и стали просто своего рода эпатажем, на котором можно было намного проще и быстрее заработать. Сюжеты картин стали более агрессивными, методы исследований более жестокими, а художники, которым удавалось «пощекотать нервы» зрителя, более состоятельными.
Среди наших современников много настоящих «Продавцов кошмаров», но ваше внимание я бы хотела обратить лишь на двоих.
Протеже известного коллекционера Чарльза Саатчи - Дэмьен Херст. Смерть – центральная тема в работах художника. Херст неоднократно подвергался критике со стороны защитников природы, поскольку на его счету почти миллион загубленных живых существ. И хотя большую часть из них представляют собой насекомые, по подсчетам Artnet, Хёрст использовал сельскохозяйственных животных: в их числе — 13 овец, семь коров, четыре быка и две свиньи. Чаще в его инсталляциях можно было увидеть акул (17), рыб (668) и еще около 40 морских видов.
Одна из таких акул в формальдегиде прямо перед вами. Работа называется «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».
Бэнкси. Напалм
Всем известный художник Бэнкси (которого по факту никто не видел, и о котором продолжают слагать легенды) - некий прообраз современного Робин Гуда.
Его творчество определенно заслуживает отдельной статьи (пишите в комментариях, если хотите, чтобы я рассказала!). Однако, сегодня я бы хотела выделить одну его работу - "Напалм"
Очаровательные, на первый взгляд, образы всем столь любимые с детства - Рональд Макдональд и Микки, держат за руку маленькую девочку. Такая - американская мечта, как могло бы показаться. Только вот девочке это совсем не нравится! А теперь расскажу, что там за девочка посередине...
Вот же она! На одной из самых известных фотографий известного Ника Ута, сделанной во время войны во Вьетнаме. Она голая, потому что именно во Вьетнаме, страна (которую нельзя называть) впервые использовала в качестве оружия такую мерзкую штуку под названием напалм. Дело в том, что эта дрянь не перестанет гореть, пока полностью не уничтожит поверхность, на которую попала. И она попала на одежду девочки (и на всю ее деревню тоже).
В этой работе Бэнкси весьма очевиден контраст и "многогранность" истинной "American dream"...
Продолжение по запросу или в нашей оффлайн лекции! Следите за новостями ❤️