Наверное многим, кто хотя бы поверхностно знакомился с историей искусств, знакома эта шутливая и не всегда уместная шпаргалка, помогающая как бы расставить точки над i — разобраться, как всё-таки отличить художников с такими почти идентичными фамилиями. Ведь нередко омонимичные слова, названия или имена, могут стать барьером в процессе нашей коммуникации или причиной возникновения действительно неловкой ситуации. Так, подобная нелепая, можно сказать, анекдотичная ситуация уже случилась однажды в мире искусства: одно время, один город, одна выставка, одна, казалось бы, на двоих фамилия и два разных художника, Клод Моне (Claude Monet) и Эдуард Мане (Édouard Manet).
Дело было на Парижском салоне 1865 года, одной из самых престижных художественных выставок Франции. Именно на ней Эдуард Мане выставил две свои новые картины «Осмеяние Христа» и «Олимпию».
На выставке художник то и дело получал похвалу от критиков и первых посетителей мероприятия, однако зрители, поздравляя Мане с грандиозным успехом, всё время упоминали его пейзажи, хотя ни «Олимпия», ни «Осмеяние Христа» пейзажами не являются. Оказалось, что рядом с картинами Эдуарда Мане в самом деле висели морские пейзажи, подписанные его именем, причем с ошибкой — «Моне».
На самом деле никакой ошибки не было — эти произведения принадлежали Клоду Моне, пока еще не известному парижскому художнику, обладающего фамилией, созвучной с именем другого авторитетного французского художника. Мане в свою очередь воспринял появление на Парижском салоне своего «двойника» негативно, расценив это как провокацию и попытку получить популярность на уже заработанной им известности — «хайпануть» как мы назвали бы это сегодня. Тем не менее, эта история стала началом крепкой и многолетней дружбы: Мане неоднократно помогал Моне выбраться из долгов и финансовых сложностей, а в 1874 году художники становятся практически соседями, когда Мане подыскивает для Моне домик на берегу Сены и помогает ему с переездом. Это становится благоприятной почвой для появления еще нескольких картин, к которым сейчас нередко обращаются, как к классическими примерам для сравнительного анализа работ этих деятелей.
Однако особенности творческого пути, художественная манера, атмосфера, господствующая на полотнах, и обращение к тем или иным проблемам или явлениям — результат внутренней рефлексии автора, его переживаний, жизненного и творческого опыта.
Клод Мане практически всю жизнь сталкивается с противодействиями и трудностями. Он родился в благопристойной семье крупного министра юстиций и дочери французского дипломата и консула, родители готовили мальчику блестящее будущее юриста и категорично отрицали перспективу художественного образования для сына. Тем не менее, дядя живописца поощрял его начинания и прикладывал достаточные усилия, чтобы позволить племяннику прикоснуться к прекрасному: посещение музеев (знакомство с культурным наследием мира и его осмысление повлияло на формирование художественного стиля и вкуса Мане), запись на курсы, лекции и поступление в школу изящных искусств. Однако академическая живопись, как оказалось, мало привлекала художника, академичность не позволяла ему в полной мере раскрыть свой творческий потенциал, а настоящий трепет в нем вызывала возможность в самом деле запечатлеть фрагмент жизни конкретного человека в моменте, его переживания, химию, его взаимоотношения с окружающим миром и динамику их развития — Мане пристрастился к портретам.
Позже Мане упорно, можно сказать упрямо, жаждет признания в Париже, но его ранние работы подвергаются жесткой критике: ему отказывают в возможности участвовать в Парижском салоне, и это вынуждает его провести выставку получившую название «Салон отверженных». Он также ожидал получения признания картины «Завтрак на траве», однако и здесь художнику пришлось встретиться с беспощадной критикой и даже осмеянием работы. Тем не менее, эта картина сконцентрировала возле себя максимальное внимание зрителей и стала символом «Салона отверженных» 1863 года. Мане добивается известности, хоть и скандальной — в культурном сообществе его называют бунтарем: он делает «ремейки» сюжетов и мотивов, ставших классическими, стремится перенести старые образы в пространство современности.
В конце 1860-х гг. Мане начинает привлекать пленэрная живопись; плотные, глухие и темные тона трансформируются в свободную, светлую живопись. Также в творчестве художника появляются зарисовки парижской жизни. Ключевым и одним и самых глубоких произведений в творчестве художника в начале восьмидесятых годов XIX в. становится «Бар ''Фоли-Бержер''», которое изображает одиночество в праздной, шумящей, сверкающей и веселящейся толпе.
Таким образом, «Мане — люди», патологоанатом человеческой сущности, эмоций, чувств, переживаний; он отражал в своих картинах противоречивость жизни, с которой сталкивался сам. Что касается Моне и его «пятен», то здесь тоже всё не так однозначно: обоих художников называют родоначальниками импрессионизма, однако именно Моне является в какой-то степени революционером — он изобрел и усовершенствовал метод серийных пейзажей. Одно настроение или история как бы лейтмотивом проходят через десяток картин и изображаются в разных декорациях и обстоятельствах: в разных погодных условиях, временах года и в разное время суток. За последние двадцать лет своей жизни Моне нарисовал цветы, японский мост, водяные лилии и пруды в своем саду и создал уникальные масштабные фрески, подаренные Музею оранжереи.
Однако у Моне также есть и реалистичные работы, на которых он изображает не только природу, но и людей. Так, одна из ранних картин — «Камиль» или «Женщина в зеленом платье», на которой запечатлена Камилла Донсье, женщина (которая станет его первой женой) в зеленом платье, уходящая от зрителя, изображенная в натуральную величину: в общем, необычная картина для своего времени.
Так работает ли всё-таки упомянутая в заголовке формула? Работает, если учитывать упомянутые выше нюансы и особенности развития творческого пути каждого художника.
Автор: Анастасия Кихтенко