Пабло Пикассо — один из самых неординарных художников ХХ века. А дополнительной уникальности ему добавил тот факт, что он был настоящим счастливчиков: творил до глубокой старости без перерывов на кризисы и всегда оставался востребован. В чем же заключался секрет величия и творческого долголетия художника? Об этом нам расскажет сам старина Пабло.
«Живопись — занятие для слепцов. Художник рисует не то, что видит, а то, что чувствует» — говорил Пикассо. Сделать такой вывод ему помог, его личный художественный опыт. В три года Пабло взял кисточку и начал рисовать свои первые маленькие творения под наблюдением отца, тоже человека искусства. Будущий художник продолжил совершенствоваться академической живописи и классическому изображению, рисуя мир «зрячим»: таким, какой он есть для «простых смертных». Но с начала ХХ века его путь свернул на «кривую дорогу» поиска личного почерка. Пабло пробовал себя в качестве импрессиониста.
Например, ранняя работа «Нана» — сочное, насыщенное «пятно» в галерее картин Пикассо. Она не только дань модному течению, но и символ непостоянной, неординарной и бунтарской натуры самого Пикассо. Главная героиня сюжета — «перчинка», «искра» в девичьем обличие. Детский эгоизм, оживающий благодаря крупным, рваным мазкам, а буйство красок только добавляет ему эмоциональности.
Затем Пабло перешел к цветовому восприятию чувств. Так, контрастирующие между собой, «голубой» и «розовый» периоды появились в его жизни, а затем отобразились на картинах, не просто так. «Любительница абсента» — самое знаменитое полотно «холодного» этапа. Не столько персонаж портрета расскажет о скрытом смысле работы, сколько цветовая гамма и способ наложения краски. Кроме того, Пикассо чувствовал себя потерянным, разрушенным внутренне. Его близкий друг закончил жизнь самоубийством, и для молодого человека эта новость стала не просто трагедией, а превратилась в мрачную, темно-синюю тучу, нависшую над ним и над его творчеством в целом. Поэтому работы окрасились в темные, холодные цвета: символы скорби и уныния. Бедность, печаль и одиночество Пикассо отобразились в выборе типажей для картин: проститутки, юродивые, нищие — «отверженные» всем, как и его близкий друг.
Затем Пабло серьезно влюбился в Фернанду Оливье, и его жизнь заиграла новыми оттенками. В палитре художника появились, преимущественно, розовый и оранжевый цвета. Например, благодаря им, полотно «Девочка на шаре» преисполнено легкого и жизнерадостного настроения. Пикассо наносит краску уже не широкими (как на «Любительнице абсента»), а тонкими мазками, аккуратно вычерчивает силуэты героев картины. Кстати о персонажах: Пабло отказывается от низкого типажа и обращается к людям культуры и искусства — олицетворению абсолютного изящества и любви.
Вскоре Пикассо перейдет на следующую ступень творческого развития — познание вселенной через формы и предметы. И тогда он полностью долгожданно для себя «ослепнет». В его жизнь ворвется кубизм и сюрреализм.
«Каждый ребенок — художник. Трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста». Пикассо всегда восторгался детскими рисунками и считал их эталоном изобразительного искусства. Но что в этих «каляках» можно было разобрать и понять? Как раз в этом и заключался успех. Художник брал публику эпатажем, внезапным ошеломлением, нарушением традиционных канонов, кричащей простотой форм или сложностью конструкций. Таким образом, достигалась наивысшая цель — сломать рамки, убрать систему мер ценностей с точки зрения изображения самих сюжетов.
Поэтому надо брать пример у детей. У них отсутствует чувство Страха. Они не пугаются категорического осуждения, так как каждый из них имеет свой взгляд на все и вся. Любой детский рисунок одновременно высоко уникален и первобытно прост. Он заявляет: «Принимай меня таким, какой я есть! ». Именно этот диссонанс картины реальности и поражал Пикассо и делал его работы востребованными и желанными. Отыскав индивидуальный почерк «смешивать не смешиваемое академиками», он обратился уже не к своему восприятию, а к восприятию аудитории.
Чтобы взять толпу, надо атрофировать Страх, воспринимать мир как Личность и преподносить свое виденье действительности окружению — вот к чему призывал художник. Обратимся к его известной работе «Голубка», переведенную в графический, линейный рисунок. Утратив объемность, цвет и животную сущность, образ мира только выиграл благодаря потере основных канонических требований. «Голубка» стала «приземленной»: в ней появилась простота и легкость в прочтении смысла. Уже не было в изображении идеальной, а потому раздражающей, красоты, и недоступной, божественной силы природы. Она превратилась в образ человеческой свободы и надежды на мирное время.
«И среди людей больше копий, чем оригиналов» — последнее и самое важное «правило жизни» Пабло Пикассо. Никому не потакать, но при этом оставаться любимцем разношерстной публики. Собственные почерк, восприятие мира — это еще не все, что делает художника поистине великим. Нужно принять себя и классифицировать свою миссию как неповторимую, как уникальный объект искусства. У Пикассо это здорово получилось! Именно поэтому у него не было периодов «торможений» и кризисов. Он каждый раз умудрялся найти смысл своей творческой жизни и отстоять право на оригинальность, а значит на популярность. «Если бы не кого было любить, я бы влюбился в дверную ручку» — говорил Пабло.
Обратимся к одной из поздних его работ «Алжирские женщины. Версия «О». Картина представляет сборную солянку из стилей (кубизм, сюрреализм, элементы классицизма), нарисованную как широкими, неряшливыми, так и тонкими, четкими мазками. Цветовое решение — сочные оттенки зеленого, синего, желтого, оранжевого — говорит об отсутствии поверхностного восприятия мира, а также о целом калейдоскопе эмоций, заложенных в работу.
Авторская школа изобразительного мастерства со своей системой ценностей сделала Пикассо великим из миллионов, «оригиналом среди копий» и подарила ему эликсир вечной творческой молодости.
Автор: Дарья Григорьева