Иллюстрацией к тексту стала фотография перформанса, сделанного группой "Коллективные действия" в 1977 году. Художники написали и повесили психоделическую аутистскую надпись "Я ни на что не жалуюсь и мне все нравится, несмотря на то, что я здесь никогда не был и ничего не знаю об этих местах". Эта фраза стала симптомом состояния отношений художника и общества, среды и власти. Про эту фразу я вспомнила в среду 25 декабря.
В Кузбасском центре искусств открылась выставка "Вернисаж", на которой кемеровские художники представили свои работы, сделанные в 2019 году. На открытии было обсуждение состояния кемеровского искусства. В высказываниях спикеров проскальзывала лёгкая горечь от того, что современное состояние искусства Кузбасса сильно уступает былому размаху.
История зимней выставки восходит к традиционной союзной выставке-конкурсу "Лучшая работа года". Аналогичная выставка проходила и до сих пор проходит во многих сибирских регионах. Представители власти поддерживали победителей этой выставки-конкурса премиями и иными бонусами. В Кемерове выставку-конкурс отменили больше 5 лет назад и стали делать обычную выставку "Зимний вернисаж". В этом году выставку назвали просто "Вернисаж", а вместо жюри предложили зрителям провести голосование и выбрать лучшую работу года, кажется, чисто из спортивного интереса.
Аналитический обзор выставки трудно делать, но надо. В экспозиции представлены преимущественно пейзажи и портреты. В основном в 2019 году кемеровские художники выбирают для вдохновения виды милых кузбасских уголков, любимые рябины, берёзы, дали, деревенские домики, речки, пригорки. Среди портретов преобладают портреты коллег-художников, родственников, реже студентов. Есть несколько работ, выполненных в технике печатной графики. Верен себе остался Антон Ягунов, опять представив иронические образы из романа Ильфа и Петрова. Дмитрий Перков представил совместную работу с ушедшей в этом году мамой Натальей Перковой. Картина символичная и отмеченная автобиографическими мотивами авторов.
Общим для всех стал, во-первых, выбор среднего и меньше среднего формата. Даже Юрий Белокриницкий, который всегда оставался верен большим размерам холста, показал три пейзажа среднего формата. Во-вторых, и это отметили на обсуждении, художники в 2019 году не стремятся к громкому высказыванию. Все спокойно, буднично, без громких идей, мыслей. В-третьих, в работах отмечена некоторая усталость от ярких цветов (известно, что сейчас человек избалован яркими цветами и часто нормальные не усиленные яркостью оттенки не воспринимает). Картины "Вернисажа" в большинстве ограничены в цветовой гамме и тяготеют к двум типам колорита - сине-серому и охристому. Даже работы Татьяны Абрамовой, отличающиеся насыщенным жизнерадостным колоритом, вписались в тенденцию избегания ярких оттенков. В-четвёртых, в ряде работ взята повышенная точка обзора. Художники, конечно, будут отрицать влияние этого современного гаджета, но, тем не менее, современная визуальная культура приучила нас к восприятию мира с дрона. То, что в ряде работ взята эта точка, свидетельствует о том, что кемеровские художники идут в ногу со всем миром и отражают в творчестве реальное мировосприятие своих современников. Примером этой тенденции может послужить графика Сергея Юркова.
Бунтарский характер выставки вскрыли натюрморты. Вообще, эту выставку можно назвать битвой двух натюрмортов. Первый натюрморт - работа Евгения Щербинина "Натюрморт с сиренью" заняла центральную часть экспозиции и действительно очень выразительная и смыслообразующая для зрителя. Весь натюрморт построен на противостоянии полосатой, графичной скатерти и живописных веток сирени в вазе. Как перевести смысл этой работы с художнического на общечеловеческий язык? Моя версия: Евгений Щербинин нашёл художественную метафору столкновения двух начал: технического, рационального, простого и минималистского решения человека (скатерть) и природного, естественного, сложного, живописного, начала (сирень). Этот натюрморт о нас. О том, что мы в 2019 году помещаем сложное природное начало в простую рациональную и, откровенно говоря, скучноватую оболочку. Этот натюрморт ставит на чаши весов нашу рациональность (которая сейчас преобладает в принятии решений) и естественную природную красоту (о которой мы стали забывать). Те, кто видел эту картину, поняли мнение художника - рационализм простого решения победил природную сложность. Интуитивно все художники тоже приняли посыл 2019 года и в представленных на выставке работах этот рационализм и простое "понятное" зрителю решение тоже победило.
Второй натюрморт, точнее два натюрморта, принёс на выставку Андрей Дрозд. Возле его работ "Натюрморт с ромашками" и "Fazenda" мы долго стояли и думали и даже потом обсуждали в соцсетях. И только сейчас, выстраивая логику авторского высказывания на выставке, я поняла, что Андрей Дрозд предложил нам гениальную иронию и провокацию массового вкуса. Картины одинаковые по композиции - круглый стол с плоскостными и немного утрированными формами предметов - вазочки, ромашки, фрукты, ягоды, шляпа. Пространство отмечено только голубым фоном (на картине "Fazenda" изображено облако, что даёт подсказку зрителю, что это небо). Пародия на массовый вкус заложена в выборе цвета работ. Автор выбирает самые "гламурные" "девчачьи" оттенки сиреневого, розового, голубого, жёлтого. И это на фоне реакции всех остальных художников - отказаться от ярких "модных" оттенков. Набор предметов и их подача тоже простая и понятная. Природные формы показаны сухо и графично: розы как округлые ракушки, созвучны морской раковине на столе. Ромашки с кружке стоят так неестественно, что возникает ощущение примитивистского подхода. Но нет, художник все понимает и просто иронизирует над зрительским вкусом (тут надо понимать, что Андрей Николаевич умеет и любит отказываться от своего стиля если видит в этом какую-то свою собственную задачу). И потому одну из работ он называет не "дача", "дачный натюрморт" или как-то ещё, а именно "Fazenda". То есть он выбрал написанное английскими буквами слово, которым в 90-е в народе называли свои дачные участки, вкладывая в него всю горечь от разницы образа жизни киношных героев и российских обывателей. Пощёчину местному массовому вкусу мало кто понял. И в принципе эти натюрморты были приняты. Да и тот факт, что картины прошли выставком свидетельствуют о достаточном уровне художественности. Работы А. Дрозда, их ироничный тон не направлен ни на кого конкретного. Скорее это проверка границ дозволенного, принимаемого, осмысливаемого.
Таким образом, все работы говорят об одном: о современном взгляде на мир, о простоте технического решения и красоте природного мира, которое сейчас откровенно проигрывает рациональности. Ещё эта выставка о массовом вкусе и вынужденном снижении уровня художественности в угоду ему, иронии и грусти о том, что нет или чрезвычайно мало продвинутых зрителей, которые поймут сложное авторское послание. Битва двух натюрмортов - это противостояние двух подходов. Евгений Щербинин нашёл художественную форму для высказывания о нерве времени. Андрей Дрозд вышел в диапазон культурных шор массового зрителя. Пейзажная и портретная рефлексия художников продолжает возделывать уже сформированые жанровые предпочтения кемеровского искусства. На какой стороне окажется мнение зрителей мы узнаем позже, ведь выставка и голосование за лучшую работу продлится до середины января. Приглашаю к восприятию и голосованию за лучшую работу года.