Первая часть — здесь.
11. Гюстав Кайботт, «Париж. Дождливый день» (1877)
Завораживающий эффект отстраненности прохожих, величия города и сырость, но не мрачность, погоды достигается за счет того, что художник изображает площадь и людей с разных точек зрения. Площадь Дублина в Париже так выглядит, если лечь на землю и смотреть на нее снизу вверх. На прохожих же Кайботт смотрит уже будто бы чуть сверху.
12. Михаил Врубель, «Девочка на фоне персидского ковра» (1886)
Художник остро нуждался в деньгах, поэтому, как ему казалось, придумал беспроигрышный вариант: решил написать портрет дочери владельца ломбарда Георгия Дахновича. Но тому портрет не понравился, и он отказался его покупать. Врубель позже неоднократно пытался продать свою работу, пока картину не купил за 300 рублей предприниматель и коллекционер Иван Терещенко.
13. Валентин Серов, «Девочка с персиками» (1887)
Светлый портрет двенадцатилетней Веры Мамонтовой Валентин Серов написал в Абрамцево — имении предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова. Художник любил и этот дом, и все семейство. За спиной у Веры можно разглядеть расписанного деревянного гренадера — за пару лет до написания портрета Серов как раз и раскрасил этого солдата.
14. Василий Кандинский, «Квадраты с концентрическими кругами» (1913)
Эта картина во многом исследовательская. Кандинского интересует влияние сочетания различных цветов и простых форм. Художник был уверен, что каждый цвет оказывает на зрителя двойной эффект. Первый — самый простой, физический. Второй — духовный. Кандинский называл его «вибрацией души», внутренним резонансом, который возникает при взаимодействии цвета и внутренней сущности человека.
15. Марк Шагал, «Над городом» (1918)
На полотне художник написал себя и свою любимую — Беллу. В книге «Моя жизнь» Шагал так описал их встречу: «С ней должен быть я — вдруг озаряет меня! Она молчит, я тоже. Она смотрит — о, её глаза! — я тоже. Как будто мы давным-давно знакомы, и она знает обо мне все: мое детство, мою теперешнюю жизнь, и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел ее в первый раз. И я понял: это моя жена. На бледном лице сияют глаза. Большие, выпуклые, черные! Это мои глаза, моя душа».
К моменту завершения «Над городом» Белла и Марк уже были супругами и родителями.
16. Жоан Миро, «Ферма» (1922)
Миро изобразил своего рода инвентаризацию загородного дома, принадлежавшего его семье в Монт-роч-дель-Камп в Каталонии. Художник считал эту работу ключевой в своей карьере, охарактеризовав ее как резюме всей своей жизни в сельской местности. Он писал ее 9 месяцев по 7−8 часов в день, а когда закончил, то сравнил с рождением человека.
Долгое время «Ферма» находилась в личной коллекции знаменитого писателя Эрнеста Хемингуэя, который приобрел ее за пять тысяч французских франков и говорил, что не променяет ее ни на одну другую картину мира. Четвертая жена писателя, Мэри, в 1987 году передала «Ферму» Национальной галерее искусства в Вашингтоне.
«Ферма» (наряду с работами Брейгеля-старшего и Босха) стала отправной точкой для создания целого жанра — «виммельбух» — детских книжек с «мельтешащими картинками».
17. Эдвард Хоппер, «Полуночники» (1942)
Самая известная картина американца Хоппера. В конце сороковых — начале пятидесятых годов прошлого века постер с ее репродукцией висел едва ли не в каждом студенческом общежитии Соединенных Штатов.
По одной из версий, на создание «Полуночников» Хоппера вдохновил небольшой рассказ Хемингуэя «Убийцы», правда, в нем не было женщины, которая появилась на картине. Когда в 1946 году в Голливуде экранизировали «Убийц», то во многом опирались на хопперовскую работу.
18. Эндрю Уайет, «Мир Кристины» (1948)
На написание картины Уайета вдохновила его соседка, перенесшая полиомиелит и частично парализованная. При этом женщина отказывалась пользоваться инвалидным креслом и прибегать к посторонней помощи. Художник долго и скрупулезно писал пейзаж и поначалу вообще хотел отказаться от женской фигуры. «Слишком много сюжета», — говорил он, но Кристина на полотне все-таки появилась. Уайету позировала его жена, потому что истинной вдохновительнице на тот момент уже исполнилось 55 лет.
Картина стала метафорой трудной дороги домой.
19. Марк Ротко, «№ 10» (1950)
Один из самых дорогих художников ХХ века, что не сделало его счастливым. Так бывает.
При жизни Ротко выставлял жесткие условия для экспозиции своих работ. Для правильного восприятия освещение обязано был быть скудным, зал не должен был быть проходным. Отвлекающих объектов и чужих картин рядом со своими Ротко не терпел. Полотна должны были висеть в 30 см от пола и на значительном расстоянии друг от друга. Никаких массивных рам, максимум — скромный тонкий багет. Зрителю полагалось находиться на расстоянии 40 см от картины и стоять спокойно и вдумчиво. Если все это соблюдалось, то зритель, благодаря большому размеру работ и стилю их написания, оказывался как бы внутри них, увлеченный и поглощенный цветом.
20. Рене Магритт, «Сын Человеческий» (1964)
Художник так говорил о своей работе: «Это то, что происходит постоянно. Все, что мы видим, скрывает что-то другое. Мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим. Существует интерес к тому, что скрыто и что видимое нам не показывает. Этот интерес может принимать форму довольно интенсивного чувства, своего рода конфликта, можно сказать, между видимым, которое скрыто, и видимым, которое представлено».
Автор: Елена Сироид, artchive.ru