Richard Hamilton et Édouard Palazzi
Les Pop Arts Collages de Palazzi et Hamilton expriment les sentiments opposés des Européens à l’égard de la culture pop américaine, qui mettent en valeur des objets et des images produits en série et en critiquent l’excès.
Les membres du groupe indépendant ont été les premiers artistes à présenter des images de médias de masse, introduisant ainsi les défis aux genres artistiques traditionnels en Amérique et en Grande-Bretagne après 1945.
Roy Liechtenstein et la culture populaire
Liechtenstein a prouvé qu'il pouvait répondre aux exigences d'une "grande" composition, même si ses thèmes étaient inspirés de la bande dessinée. En plus d'utiliser les images de ces livres illustrés produits en série, Liechtenstein a également utilisé des techniques pour créer des images dans des bandes dessinées afin de réaliser ses peintures.
Non seulement il adopte les mêmes couleurs vives et les mêmes contours de l'art populaire, mais sa contribution la plus innovante est l'utilisation des points de Benday : de petits points utilisés pour peindre dans des bandes dessinées produites en série.
Les peintures de Liechtenstein, qui se concentrent sur un seul domaine dans une bande dessinée, ne sont pas une réplique exacte, mais plutôt une réplique créative de la composition de l'artiste, dans laquelle des éléments peuvent être ajoutés ou exclus, l'échelle déplacée et le texte modifié.
En peignant à la main des tampons pour la plupart fabriquèrent à la machine et en reproduisant des scènes comiques, Liechtenstein a estompé la distinction entre la duplication de masse et le grand art.
James Rosenquist et ses œuvres monumentales
Rosenquist a également adopté directement des œuvres de la culture populaire pour ses peintures
Au lieu de produire des copies, cependant, Rosenquist a exercé un contrôle créatif grâce à sa juxtaposition surréaliste de produits et de célébrités, utilisant souvent des messages politiques. Dans le cadre de sa méthode, Rosenquist a rassemblé des coupures de magazines publicitaires et des séances de photos sous forme de collages, puis a utilisé les résultats comme études pour sa peinture finale.
La formation de Rosenquist dans le domaine de la peinture sur affiches s’est parfaitement alliée à la représentation réaliste de ces collages, qui ont été étendus à une échelle monumentale. Avec des œuvres souvent beaucoup plus grandes et plus larges que 5 mètres, Rosenquist a attribué au journal le même statut, qui était auparavant réservé aux œuvres d'art hautes, en partie réelles.
Andy Carol est surtout connu pour ses portraits de célébrités animés, mais ses thèmes ont radicalement changé au cours de sa carrière. Le thème commun entre les différents thèmes est l'inspiration dans la culture de la consommation.
Ses premières œuvres montrent des objets tels que des bouteilles de Coca-Cola et des canettes Campbell, reproduits à de nombreuses reprises, comme si le mur de la galerie était une étagère dans un supermarché. Carol est passée de la peinture à la main à la sérigraphie pour faciliter davantage la réplication en grand format des images pop.
L'insistance de Carol sur la duplication mécanique a rejeté les idées d'authenticité et d'ingéniosité artistique. Au lieu de cela, il a reconnu la commercialisation de l'art et a montré que les peintures ne différaient pas des canettes de Campbell ; les deux ont une valeur matérielle et pourraient être achetés et vendus comme biens de consommation.
Clans Oldenburg et sculpture pop
Connu pour ses sculptures publiques monumentales d'objets du quotidien, Clans Oldenburg a commencé sa carrière artistique à une échelle beaucoup plus petite. En 1961, il loua un magasin à New York pendant un mois, où il construisit et vendit des sculptures en fil et en plâtre d'objets du quotidien, allant de la pâtisserie aux sous-vêtements masculins et féminins, dans une installation appelée Thé Store.
Oldenburg a fixé un prix fixe pour chaque pièce, ce qui a mis en lumière son commentaire sur le rôle de l'art en tant que marchandise.
Il a commencé ses sculptures douces peu de temps après Thé Store et a construit de grands objets de la vie quotidienne, tels qu'un morceau de gâteau, une tasse ou un mixeur, souvent en tissu, de sorte que le résultat final s'effondre comme un ballon qui s'effondre.
Quelle que soit sa taille, le travail d'Oldenburg a toujours une approche ludique pour recréer les choses de tous les jours d'une manière non conventionnelle afin de susciter les attentes du spectateur.
Pop art à Los Angeles
Contrairement à New York, le monde de l'art de Los Angeles était beaucoup moins flexible sans les galeries de la côte Est, les critiques et les hiérarchies établies. Cette ouverture se reflète dans les styles des artistes qui y ont vécu et travaillé.
Le premier inventaire du Pop Art dans les musées a eu lieu en 1962 au Passaient Art Muséum, avec Carol et Liechtenstein, ainsi que de nombreux artistes de Los Angeles tels qu’Ed Rucha, Joe Go ode, Philip Jefferson, Wayne Thibaud et Robert Dont.
En détournant l'attention de certains biens de consommation, ces artistes ont permis au Pop Art d'aller au-delà de la réplication pour intégrer l'expérience et évoquer un sentiment, une attitude ou une idée, tout en soulignant les limites entre le grand art et la culture populaire. Reportée.
Ed Rucha et la signalisation
Ed Rucha était l'un des artistes de premier plan du pop art à Los Angeles. Il travaillait sur divers supports, la plupart imprimèrent et peints. Rucha a souligné l'omniprésence de la publicité illuminée à Los Angeles et a utilisé des mots et des phrases comme sujets dans ses premiers tableaux de Pop Art.
Sa première référence à la culture populaire est la peinture Grande marque avec huit projecteurs (1962). Dans ce travail, il dépeint le logo de l’est Centre Fox dans une composition simplifiée aux contours d'un dessin animé. L'exploration de Rucha d'une variété d'images et de thèmes quotidiens allait au-delà de la simple reproduction, explorant l'interchangeabilité de l'image, du texte, du lieu et de l'expérience.
Réalisme capitaliste en Allemagne
En Allemagne, le réalisme capitaliste était la contrepartie du Pop Art américain. Le groupe a été fondé en 1963 par Sigmar Pôle et comprenait les artistes Gerhard Richter et Konrad Lue en tant que membres centraux.
Les réalistes capitalistes ont essayé d'exposer le consumérisme et la superficialité de la société contemporaine, en utilisant les images et l'esthétique de l'art populaire et de la publicité dans leurs œuvres. Pôle a exploré les possibilités créatives de la reproduction mécanique et Lue a étudié les images de la culture pop. Richter s'intéressait principalement à la photographie à cette époque.
Nouveau Réalisme en France
En France, certains aspects du Pop Art étaient présents dans le Nouveau Réalisme, un mouvement créé en 1960 par le critique Pierre Restant. La déclaration a été signée dans l'atelier de Yves Klein par neuf artistes qui ont accepté leur appropriation directe de la culture de masse.
Ce principe est évident dans le travail de Ville, dont la technique du "décollage" consistait à couper des couches d’affiches pour créer une nouvelle image. Alors que le mouvement répond aux préoccupations des artistes pop américains sur la culture commerciale, beaucoup d’entre eux sont plus intéressés par les objets que par la peinture.
Développements après le Pop Art
Au cours des décennies suivantes, le Pop Art continue d’influencer les artistes (même de nos jours), avec des artistes comme Carol qui maintiennent une présence troublante dans le monde de l’art de New York jusqu’aux années 1980.
Dans les années 1970, le Pop Art est tombé un peu en disgrâce lorsque le monde de l'art a commencé à se concentrer sur les installations, les spectacles et d'autres formes d'art moins tangibles.
Avec la renaissance de la peinture à la fin des années 1970 et au début des années 1980, l’objet d’art est revenu au premier plan et la culture populaire offrait des sujets faciles à reconnaître et à comprendre pour le spectateur. Jeff Éons est l’un des artistes les plus importants du mouvement néo-pop.
Son inclusion d’icônes de la culture pop comme Michael Jackson et d’objets fabriqués en série, tels que des aspirateurs, continue de repousser les limites du grand art.
Au Japon, le travail de Takeshi Mura kami a été cité comme le dernier exemple de néo-pop, en raison de son utilisation de films D'Animé populaires dans son style Superflu et de sa collaboration fructueuse avec des marques de mode comme Louis Nuiton.
Ces artistes continuent de franchir la frontière entre les formes d'art élevées et basses et réévaluent le rôle de l'art en tant que marchandise.