Partie 2
Au centre des toiles de Katz ne se trouve pas "l"extase matérialiste du Pop Art, la détection statique des choses, mais un mouvement de dématérialisation et de contours qui décontextualise l"image et la place comme l"unique protagoniste du plan. L"idée du contournage reviendra comme protagoniste dans la série de découpés, où les figures sont découpées et soutenues par des structures autoportantes. L"arrière-plan n"existe plus. "La figure est reprise dans le calme d"un geste quotidien", poursuit le critique italien: "passée du plan total de son existence au plan artificiel et découpé de l"art, où la sélectivité d"une attention qui purifie l"espace et le temps et fonde la vision d"une nouvelle image, physique et mentale, résultat d"un entrelacement de savoir-faire manuels et d"un intellectualisme intense .
Il ne fait aucun doute que pour Katz, la peinture est une chose mentale. Même si les références culturelles semblent différentes de celles qui ont guidé la saison de l"expressionnisme abstrait. Beaucoup ont indiqué la consonance de sa peinture avec les atmosphères du cool jazz. L"historien de l"art allemand John Porter a détaillé les caractéristiques du genre musical né à New York au tournant des années cinquante et soixante, reprenant l"analyse qu’Herbert Hellhund en a faite: " Émotionnellement contrôlé ou indifférent, sans engagement moral, plein d"esprit, attentif, et visant l"essentiel.
Et encore: "Raffiné, séduisant, conceptuel. Toutes les qualités qui décrivent bien la peinture de Katz et dans lesquelles il se reconnaît lui-même: "C"était du jazz, un matériau chaud traité à froid. Je préfère Stan Cette à Sartre, ma stylisation vient de Cette, pas de ceux qui ont fait un usage immodéré de la philosophie. Et quand la peinture parle de "matière chaude traitée à froid", il est difficile de ne pas penser à Pierre dalla Francesca, à tel point que c"est précisément sur le peintre de Sansepolcro que David Sylvestre, dans une longue interview enregistrée en 1997, fait une fente. Katz confirme son intuition: "J"ai été très attiré par Pierre au début des années 50 et en fait j"ai tout fait pour obtenir le Fulbright (les Fulbright Schiller Fellowships in Fine Arts, nDa) et aller en Italie pour voir ses œuvres. J"adore le baptême du Musée des beaux-arts du Canada. Les détails à l"arrière-plan semblent si nouveaux, comme si quelqu"un les avait faits autour"huit. J"aime le choix de ses personnages.
Pour Katz, Pierre parvient à donner aux gestes de ses personnages une "qualité statique", caractéristique qu"il identifie également dans les sujets de Jacques-Louis David, définis comme "extrêmement clairs et "très décisifs". Après tout, il dit: "Je suis extrêmement conscient de mes efforts pour rendre mes gestes clairs". Prenons, par exemple, Thé Gray Coût (1997): sur un fond vert foncé uniforme se dresse toute la figure d"ADa, la femme et la muse de Katz, enveloppée dans un manteau gris. La femme est de profil et tourne la tête vers la gauche en regardant le spectateur. Le bras est plié à angle droit et la main semble toucher doucement le ventre. Les plis du manteau semblent gelés non par le froid de New York, mais par l"image fixe d"un magnétoscope (nous sommes dans les années 90). Yeux bruns. Dans les cheveux gris, des mèches blanches. Le rouge à lèvres brillant reflète une lumière qui vient de quelque part. La figure occupe la moitié gauche du tableau, le reste est un vide vert. ADa, une femme mûre dont le charme reste intact au fil du temps, presque à l"image de la peinture de son mari, se montre en sachant qu"elle est observée par ceux qui sont en dehors de la toile. On ne sait pas d"où elle vient. Nous ne savons pas où elle est et où elle va. Ce que nous voyons n"est que son image glacée. Ce que nous avons devant nous est difficile à susciter en nous des questions précises et, de toute évidence, ne répond pas aux quelques questions qui surgissent en nous. Oscar Wilde l"appellerait probablement un "sphinx sans énigmes.
L"erreur qu"il ne faut pas commettre en regardant une œuvre de Katz est de croire qu"il ne s"agit pas simplement de peinture. Et cela vaut aussi bien pour les portraits que pour les paysages. Les œuvres n"ont pas pour sujet une personne en particulier (de manière significative, Katz parle souvent de portraits comme de "têtes"), ni ne représentent un paysage précis du Maine (où, depuis 1954, il a un deuxième atelier qu"il utilise durant l"été). C"est comme si le sujet représenté n"était que le moyen d"accéder au tableau et l"appât pour attirer le spectateur. "Ça pourrait être une belle fille, ou autre chose, dit Katz. "Ce que vous pensez que vous regardez est peut-être une chose, mais cela ne cesse de changer.
Pas d"intérêt pour la psychologie ou la sociologie, le souci du détail relève plutôt de la recherche taxonomique et de la contemplation de la beauté: "Je vis dans une ville où l"élégance et la beauté sont des valeurs et c"est pourquoi elles deviennent des motifs d"intérêt pour mon travail. Je crois que beaucoup ont du mal à accepter que ces choses - l"élégance et la beauté - sont de l"art, qu"elles veulent voir des messages sociaux, de la souffrance, des expressions intérieures, toutes choses qui ne m"intéressent pas.
L"artiste se concentre sur le rendu de la gradation précise de la couleur ou de la texture des cheveux ou de la peau et, surtout, sur leur relation avec la lumière. Et c"est précisément sur le rendu de la lumière que David Sylvestre habite, se plaignant de l"insuffisance des reproductions imprimées pour rendre la grandeur des œuvres de Katz. Et c"est l"artiste lui-même qui revendique la primauté de la peinture sur le sujet représenté ("En fin de compte, le contenu n"est pas important, c"est le style qui compte") et avoue: "Je ne peux penser à rien de plus excitant que la surface des choses.
C"est peut-être ce désintérêt pour le contenu narratif qui a sauvé l"œuvre de Katz des bas-fonds où tant de peintures figuratives du XXe siècle se sont échouées qui, des années plus tard, à des exceptions extraordinaires près, semblent si datées. Le parcours du peintre new-yorkais s"est orienté vers une simplification croissante de la composition, qui s"est accompagnée d"une attention toujours plus grande au rendu pictural. Le caractère classique de ces images, leur inclusion dans la zone libre qui réussit à combiner la peinture figurative et l"art conceptuel, rapproche l"artiste américain d"un peintre qui a gagné le cœur des conservateurs de la peinture et de la peinture, et l"esprit des prêtres de l"avant-garde: Giorgio Miranda. Katz partage avec lui la dimension universelle, le mystère, l"aura métaphysique lointaine.
Ce sont les éléments de son art qui, à basse température, ont ralenti l"entropie de son talent qui, à la longue, a retardé le passage du temps.