Seiner Theorie zufolge müssen die Mengen und Einstellungen der Akteure eine getreue Wiedergabe der Realität sein: Keine Tiraden mehr vor dem Publikum, keine Worte des Autors, sondern eine Sprache aus populären Quellen, ein nüchternes Spiel; diese Prinzipien, die André Antoine dank seines Théâtre Libre in die Tat umzusetzen versucht, wirken auf die Erneuerung des Repertoires. Les Corbeaux (1882), von Henri Becque, ist zweifellos das Meisterwerk des naturalistischen Theaters. Jules Renards Humor explodierte in Kurzfilmen wie Monsieur Vernet (1903), Le Pain de ménage (1898) und vor allem in der Bearbeitung seines Romans Poil de Carotte (1900). Octave Mirbeau führte einen sozialen Realismus ein, der mit Zynismus vermischt war, aber seine dramatischen Werke blieben oft wirkungslos und moralisch.
In Russland gibt das realistische Theater seine Meisterwerke mit den Tragödien von Anton Tschechow und vor allem mit den Stücken von Maxime Gorki, der mit dem Tiefland und später mit den Kindern der Sonne (1905) ein Theater eröffnet, in dem der Realismus dazu dient, den Ausdruck einer Sozialarbeit zu dramatisieren. Dieses realistische Theater neigt dazu, in Richtung Didaktik zu rutschen, und daraus entsteht das Genre "Ideenspiel", aus dem sich das politische Theater entwickelt.
Die Symbolik
Im Gegensatz zum Naturalismus und stark beeinflusst von Richard Wagners lyrischen Dramen taucht der Symbolismus mit etwas ätherischen Werken auf, in denen Requisiten und diese "Quintessenz der Sprache" charakteristisch sind. Was sich die Symbolik verbietet, ist die treue Darstellung der Realität. Symbolistische Dramatiker legen großen Wert auf Sprache: Sie muss subtil sein, sie muss eher hervorrufen als durch Metapher und Korrespondenz beschreiben. Das Set ist verfeinert und behält nur das Wesentliche bei: jedes Objekt, jedes Bühnenelement und sogar jedes Wort sagt mehr, als es sagt. Die Anspielung, die "Metasprache", ist das wesentliche Merkmal eines ganzen Satzes, der dem Geheimnis den Ort der Wahl zurückgeben will. Die Handlung wird symbolisch. Es geht darum, eine echte innere Reise zu inszenieren, und deshalb können wir sagen, dass alle symbolistischen Dramatiker vor allem Dichter sind. Ihre Inspiration stammt von Volksliedern und Märchenmotiven und Symbolen: die Schlüssel, die den Schatz öffnen, der verzauberte Turm, die lebenden Wälder, etc. Andererseits verwenden sie Archetypen: So wird das Meer, das mehrere angestammte Bedeutungen hat, zu ihrem Lieblingsort. Diese geschickte Kombination von Formen, flackerndem Licht und raffinierter Sprache sind die Konstanten des symbolischen Dramas, das das Verdienst hat, den Weg zu neuen Erfahrungen zu öffnen und zu versuchen, eine unbewusste Sammlung von Symbolen und Mythen zu finden.
Die Meisterwerke des symbolistischen Theaters sind vor allem auf die Finesse, Poesie und Sensibilität von Maurice Maeterlinck zurückzuführen. Das Ablösen, die Bereitschaft, das Geheimnis zu erraten, und die Bedeutung, die der Inszenierung, dem Licht und dem Schauspieler beigemessen wird, sind die wichtigsten Beiträge dieser Strömung für das Theater.
Dramatiker zur Seite
Einige große Namen sind schwer in die eine oder andere der oben genannten Kategorien einzuordnen.
Wir neigen dazu, den theatralischen Aspekt von Richard Wagners Werk zu vernachlässigen und sehen ihn als den einzigen Musiker. Wagner wollte jedoch das Theater als Ganzes nachbilden, und seine Auffassung vom Drama sowie seine vielen theoretischen Schriften beweisen, dass er sich schon früh sehr für die Dramatik interessierte. Es ist schwierig und vielleicht fragwürdig, ihn zu einem der Vorläufer des modernen Theaters zu machen, aber es ist dennoch offensichtlich, dass seine Forschung wesentlich zur Förderung der Dramatik beigetragen hat.
Ramon Valle-Inclán, Spaniens größter Innovator im Theaterbereich, versucht, seine Vision von einer Welt zu inszenieren, die sowohl blöd als auch tragisch ist, tragisch, weil sie blöd ist. Er beeinflusst ein ganzes Theater, darunter Federico García Lorcas "Altarbilder" und "kurze Farcen", mit dem, was er das Esperpento ("Vogelscheuche") nennt: "Tragödie und Drama, die durch die Spiegel des Luna-Parks grotesk verzerrt sind", sagt er selbst, wenn er von Esperpento spricht. Sie ist auch der Ursprung einer völlig neuen Konzeption des Tragischen: des Lächerlichen.
Henrik Ibsen, ein norwegischer Dramatiker mit einem zuverlässigen und soliden Beruf, geht von der erneuerten Sozialkritik der Romantik aus: Durch den Prozess der Gesellschaft ist es die Tragödie des Alltags, des Kleinen, der Vererbung, die er im Kontext eines Konkurses der bürgerlichen Welt schafft.
Seine Dramen beeinflussten das Theater von Bernard Shaw und insbesondere August Strindberg, der dem IBSENIAN-Drama den Ausdruck von angeborener Revolte und Angst hinzufügte. Der Pessimismus seines Werkes gab den Ton für den Expressionismus an (1920), und sein Einfluss war in Ingmar Bergmans Filmen spürbar.
