Es ist Molière, der das Hauptprinzip der verschiedenen theatralischen Doktrinen offenbart: die Malerei aus der Natur. Action und Intrigen, geleitet von unfehlbarer technischer Virtuosität, sind für ihn kein Selbstzweck, ebenso wenig wie Wortspiele oder Bühnenstücke; sie dienen dazu, den Menschen zu malen. Er war der erste, der der Komödie eine ähnliche Würde wie der Tragödie verlieh, und nach ihm lernte das so genannte "ernsthafte" Theater, aus dem Leben zu schöpfen und nicht mehr aus der Vorstellung.
Mit der Tragödie von Jean Racine erleben wir den Eintritt in die Szene des Geistes, des Gewissens als unerbittlicher Richter und Henker. Daraus ergibt sich eine strenge und reine dramatische Konstruktion (abstrakter Ort, Dauer von wenigen Stunden, Aktion auf eine einzige gewalttätige Krise reduziert), die die verbale Musik, geschickt versteckt, allmählich in eine Art Liturgie verwandelt.
Der Niedergang der Tragödie zugunsten der Komödie
Die Hingabe an sakrosankte Regeln und Vernunft gibt enttäuschende Stücke, in denen sich Lächerlichkeit oft mit einer erbärmlichen Ausführlichkeit vermischt. Das englische Theater gibt das gerettete Venedig (1682) von Thomas Otway, der elisabethanischen Tradition, und Cato (1713), für das der Autor Joseph Addison die französische Einheitsregel nachahmt. La Mérope (1713) des italienischen Scipione Maffei versucht, die dramatische Kunst zu erneuern und bringt das Gewicht der Dauer wieder in Aktion. In Frankreich sind Bernard le Bovier de Fontenelles zaghafte Versuche, die barocke Tradition wiederzubeleben, nicht gut verwurzelt in einem Jahrhundert, das von einem Durst nach Luxus und Glück geprägt ist. Antoine Houdar de La Motte führt die Prosa in die Tragödie mit Inès de Castro ein, aber seinem Essay fehlt der tragische Atem. Vergeblich versucht Crébillon, die blutigen und erbärmlichen Episoden zu ehren. Voltaire, der mit mehr Entsetzen als mit Sympathie den "Barbaren" Shakespeare betrachtet, mag die Kreuzzüge oder China bitten, die Szene zu erneuern, seine Tragödien, die von Racine oder Cornelius imitiert wurden, sind in Wirklichkeit nichts anderes als Pastichen, lange nutzlose Bitten. Dieser langsame Tod der Tragödie erlebt jedoch in Italien mit Vittorio Alfieri eine vorübergehende Belebung.
Die Komödie hingegen scheint das Lieblingsgenre des achtzehnten Jahrhunderts zu sein. Eine gewisse soziale Stabilität, Kosmopolitismus, der Einfluss ausländischer Literatur, der Geschmack an Geplänkel, Luxus und Finesse bringen das Publikum der galanten Komödie näher, die niemanden beunruhigt. Die Freiheit der Manieren, das Erscheinen einer neuen Klasse (der Bourgeoisie), die Missbräuche der Parvenus und der Finanziers, das sind die Lieblingsthemen dieser Komödie der Moral, im sehr lebendigen Sinne von Antwort und Scherz. Auf der anderen Seite hatte die Komödie dann einen unbestreitbaren Vorteil: Sie entkam fast vollständig der offiziellen Zensur durch reguläre Truppen; sie konnte sich so Audacitäten leisten, die in etablierten Theatern nicht möglich gewesen wären.
Komödie in Frankreich
Jean-François Regnard mit dem Spieler (1696), Dancourt mit dem Chevalier à la mode (1687) und vor allem Alain René Lesage mit Turcaret (1709) tragen dazu bei, ein Klima der permanenten Kritik zu schaffen, das nicht ohne die Fürsten zu erschrecken ist. Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux, weiser und maßvoller, gelingt es mit seinen subtilen Liebes- und Glücksspielen, dank einer geschickten Technik und der Auseinandersetzung mit der szenischen Effizienz, eine poetische Komödie zu schaffen, bei der die Psychologie die einzige Quelle der Handlung ist. Der turbulente Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, mit dem Barbier von Sevilla (1774) und besonders mit der Hochzeit des Figaro (1784), gibt eine prickelnde Komödie mit politischer Resonanz.
Komödie in Italien
In Italien läutete die Komödie eine neue Theaterzeit ein. Carlo Goldoni ist derjenige, der für diese Dynamik Anerkennung verdient. Seine Komödien (Baroufe in Chioggia; Harlekin Diener zweier Meister; La Locandiera) zeigen lineare Figuren, die von der Commedia dell'arte ihre Jugend verloren haben und Schwierigkeiten haben, uns zu berühren. Carlo Gozzi kreierte die "fiabeske" (d. h. märchenhafte) Komödie. Prinzessin Turandot und der Rabe behalten einen wunderlichen Charme, einen zarten Humor und skizzieren die Themen der Romantik.
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