Giuseppe Domenico Scarlatti wurde im Herbst 1685 in Neapel in der Familie des Komponisten-Stars der lokalen Opernschule Alessandro Scarlatti und seiner Frau Antonia geboren. Seine Karriere begann er in Neapel, damals in einem Teil Spaniens, wo er ein weiteres Jahrzehnt in Italien und den größten Teil seines Lebens am portugiesischen und spanischen Hof verbrachte: Als seine Gönnerin, die Infantin Barbara, zur spanischen Königin wurde, folgte Scarlatti ihr nach Madrid.
Scarlattis Reise begann mit der Vokalmusik, im Schatten seines berühmten Vaters. Nach seinem Tod konzentrierte sich Scarlatti auf Miniatur-Keyboardsonaten und schuf mehr als eine halbe Million Werke in diesem Genre. Im Gegensatz zu den langen drei- oder vierstimmigen Beethoven-Sonaten von Scarlatti handelt es sich um ein kleines einteiliges Stück, das aus zwei Teilen besteht und in einem Effekt gehalten wird.
die von Bravour bis zur poetischen Melancholie reichen. Scarlattis beste Stücke entstanden erst spät im Alter von 53 Jahren (zum Vergleich: Seine Kollegen Bach und Händel hatten bereits zwei Drittel der Musik geschrieben, die bis dahin in die Geschichte einging). Laut dem amerikanischen Cembalisten Ralph Kirkpatrick, einem Performer und bedeutenden Forscher der Scarlatti-Musik, wurde mehr als die Hälfte der Sonaten zwischen 67 und 71 geschrieben.
Die Sonate in D-Dur K490 ist als kantabel gekennzeichnet (auf Italienisch bedeutet sie "Gesang"). Seine charakteristischsten Elemente sind der erste Ausruf wie Fanfare und ein Triller, der sich in einen fallenden gammaartigen Durchgang verwandelt. Später wird es in einer direkten und dann in einer spiegelnden (aufsteigenden) Bewegung wiederholt. Dies ist ein späteres Werk: höchstwahrscheinlich wurde K490 Mitte der 1750er Jahre geschrieben. Die Sonaten dieser Zeit sind sehr vielfältig: Darunter sind unschuldige Bukolken, sinnliche Offenbarungen, traurige Monologe und dekorative Schmuckstücke. Sie wurden in der Atmosphäre der Hofunterhaltung von König Ferdinand VI. geschrieben: Spiele, kostümierte Serenaden, die im Orangengarten des Palastes aufgeführt wurden, Einführungen einer lustigen Mini-Flottille auf dem Fluss Tahoe, Jagd, Fischerei, Feuerwerk und Musik (die Königin sang ein Duett mit einem Freund von Scarlatti, Farinellis Kastration, oder spielte auf dem Cembalo).
Mitte der 1750er Jahre begann das Cembalo - die wichtigsten barocken Keyboards, für die Scarlattis Musik offenbar bestimmt war - einem weiteren historischen Prototyp des Klaviers Platz zu machen: dem Hammerklavier (auch bekannt als Hammerklavier). Sonaten wurden auf beiden Instrumenten gespielt, und wegen der Unterschiede in der Mechanik klangen die gleichen Dinge unterschiedlich. Vor etwa hundert Jahren tauchte unter den Musikern, die alte Musik spielen, eine neue Richtung auf - eine authentische oder historisch fundierte Performance. Authentische Interpreten versuchten, die musikalischen Praktiken der dormantischen Ära wiederherzustellen.
und studierte zahlreiche Vintage-Dokumente, um zu verstehen, wie man barocke Musiktexte "richtig" entziffern, Dekorationen spielen, Phrasen aufstellen, das Tempo wählen kann.
Unter den hier zum Vergleich ausgewählten Aufführungen finden sich einige anschauliche Beispiele für historisch fundierte Aufführungen auf Cembalo und Hammerklavier sowie auf dem modernen Klavier.
Ralph Kirkpatrick (1911-1984) ist ein legendärer Scarlattianer, Autor eines zehnjährigen Nachschlagewerks über Scarlatti und eines Katalogs seiner Sonaten (zu seinen Ehren erhalten sie Zahlen, die mit den Buchstaben Kk oder K beginnen). Diese Aufnahme wurde auf einem 1950er Cembalo von Meister John Challis aus Detroit aufgenommen. Abstrakt betrachtet Kirkpatrick das Instrument nicht als Selbstzweck; das Cembalo ist nur ein Werkzeug, um Klangillusionen zu erzeugen, die sich auf die Welt und die vielen stilistischen Ursprünge von Scarlattis Musik beziehen:
"Ich interessiere mich nicht für das Cembalo an sich; ich fühle mich nicht verpflichtet, wie ein gewissenhafter Staubsaugerhändler, all seine Funktionen zu demonstrieren. Für mich ist dies eines der vielen Instrumente, mit denen man Musik machen kann.
Einen ähnlichen Ansatz für das Cembalo wählte Wanda Landowska (1879-1959), die erste große Cembalistin des 20. Jahrhunderts. Sie restaurierte das seit dem Barock vergessene Instrument und machte es zu einer der Hauptfiguren der modernen Szene. Clavesin, das von der berühmten Firma Pleyel unter ihrer Leitung gegründet wurde, ist einer der ersten Versuche, das Aussehen des "ausgestorbenen" Instruments wiederherzustellen. Es ist jedoch nicht so sehr ein wissenschaftlicher Versuch als ein romantischer: ein sehr großer, sonorer, mit einem Metallrahmen und sieben registerumschaltenden Pedalen mit Pellets.
Das Klavier ist eine exotische Mischung aus Klavier und Cembalo, lederbezogen und hat eine kraftvolle Saitenspannung, die aus Sicht der Authentizität keiner Kritik standhält.
Landovskayas Instrument ist eher eine Fantasie darüber, wie das Cembalo im 18. Jahrhundert aussah und klang: Diese Art von freiwilligem Ansatz ist im Kontext der zeitgenössischen Beziehung zur alten Musik undenkbar. Dennoch sind Landovskayas Persönlichkeit und ihre Aufnahmen so einzigartig, dass sie auch heute noch für Cembalisten relevant sind. Von wenigen Sekunden an erkennen wir nicht nur den singenden, seltsam dehnbaren Klang ihres "Pleyel", sondern auch den makellosen Rhythmus, der manchmal bis zum Punkt der Perkussion reicht, sowie die koloristische Vielfalt der Katze.