Giuseppe Domenico Scarlatti est né à l'automne 1685 à Naples dans la famille du compositeur étoile de l'école d'opéra locale Alessandro Scarlatti et son épouse Antonia. Il a commencé sa carrière à Naples, puis dans une partie de l'Espagne, où il a passé une autre décennie en Italie et la majeure partie de sa vie à la cour portugaise et espagnole : lorsque sa patronne, l'infante Barbara, est devenue reine d'Espagne, Scarlatti la suivit à Madrid.
Le voyage de Scarlatti commence par la musique vocale, à l'ombre de son célèbre père. Après sa mort, Scarlatti s'est concentré sur les sonates miniatures pour clavier et a créé plus d'un demi-mille œuvres dans ce genre. Contrairement aux longues sonates à trois ou quatre voix de Beethoven de Scarlatti, il s'agit d'une petite pièce d'une seule pièce composée de deux sections et soutenue d'un seul effet.
allant de la bravoure à la mélancolie poétique. Les meilleures pièces de Scarlatti ont été créées tardivement alors qu'il avait 53 ans (à titre de comparaison : ses pairs Bach et Haendel avaient déjà écrit les deux tiers de la musique qui est entrée dans l'histoire à cet âge). De plus, selon le claveciniste américain Ralph Kirkpatrick, interprète et chercheur majeur de la musique Scarlatti, plus de la moitié des sonates ont été écrites entre 67 et 71.
La sonate en ré majeur K490 est marquée cantabile (en italien elle signifie "chanter"). Ses éléments les plus caractéristiques sont la première exclamation comme la fanfare et un trille qui se transforme en un passage gamma en chute libre. Plus tard, il sera répété dans un mouvement direct, puis dans un mouvement miroir (ascendant). Il s'agit d'un travail postérieur : très probablement, K490 a été écrit au milieu des années 1750. Les sonates de cette période sont très diverses : parmi elles, des bucoliques innocentes, des révélations sensuelles, des monologues lugubres et des babioles décoratives. Ils ont été écrits dans l'atmosphère des divertissements de la cour du roi Ferdinand VI : jeux, sérénades costumées jouées dans les jardins d'orangers du palais, lancement d'une flottille miniature amusante sur la rivière Tahoe, chasse, pêche, feux d'artifice et musique (la reine a chanté un duo avec un ami de Scarlatti, la caste de Farinelli ou joué sur le clavecin).
Au milieu des années 1750, le clavecin - les principaux claviers baroques auxquels la musique de Scarlatti était apparemment destinée - commença à céder la place à un autre prototype historique du piano : le clavier à marteaux (aussi appelé piano à marteaux). Les sonates étaient jouées sur les deux instruments, et à cause des différences de mécanique, les mêmes choses sonnaient différemment. Il y a environ cent ans, parmi les musiciens jouant de la musique ancienne, une nouvelle direction a émergé - une performance authentique, ou historiquement informée. Des interprètes authentiques ont cherché à restaurer les pratiques musicales de l'époque dortoir.
et étudié de nombreux documents anciens pour comprendre comment déchiffrer "correctement" des textes musicaux baroques, jouer des décors, aligner des phrases, choisir le rythme.
Parmi les interprétations choisies ici à des fins de comparaison, on trouve des exemples vivants d'interprétation du clavecin et de l'argile à marteaux, ainsi que du piano moderne, qui s'appuient sur l'histoire.
Ralph Kirkpatrick (1911-1984) est un Scarlattien légendaire, auteur d'un ouvrage de référence de dix ans sur Scarlatti et d'un catalogue de ses sonates (en son honneur, on leur donne des chiffres qui commencent par les lettres Kk ou K). Cet enregistrement a été fait sur un clavecin de 1950 fait par Maître John Challis de Detroit. Dans l'abstrait, Kirkpatrick écrit que l'instrument n'est pas une fin en soi ; le clavecin n'est qu'un outil pour créer des illusions sonores liées au monde et aux nombreuses origines stylistiques de la musique de Scarlatti :
"Je ne m'intéresse pas au clavecin en soi ; je ne me sens pas obligé, comme un négociant en aspirateurs consciencieux, de démontrer toutes ses fonctions. Pour moi, c'est l'un des nombreux instruments qui peuvent être utilisés pour créer de la musique.
Wanda Landowska (1879-1959), la première grande claveciniste du XXe siècle, a adopté une approche similaire au clavecin. Elle a réhabilité l'instrument, oublié depuis l'époque baroque, et en a fait l'un des personnages principaux de la scène moderne. Clavesin, créé par la célèbre compagnie Pleyel sous sa direction, est l'une des premières tentatives pour restaurer l'apparence de l'instrument "disparu". Cependant, il ne s'agit pas tant d'une tentative scientifique que d'une tentative romantique : une très grande tentative sonore, avec un cadre métallique et sept pédales de changement de registre avec des pastilles.
Le piano est un hybride exotique de piano et de clavecin, recouvert de cuir, et possède une puissante tension des cordes, qui ne résiste à aucune critique du point de vue de l'authenticité.
L'instrument de Landovskaya est plutôt une fantaisie sur l'aspect et le son du clavecin au XVIIIe siècle : ce type d'approche volontariste est impensable dans le contexte de la relation contemporaine à la musique ancienne. Néanmoins, la personnalité de Landovskaya et ses enregistrements sont si uniques qu'ils sont toujours d'actualité pour les clavecinistes. A partir de quelques secondes, on reconnaît non seulement le chant, le son étrangement étirant de son "Pleyel", mais aussi le rythme impeccable, atteignant parfois le point de percussion, ainsi que la diversité coloristique du chat.