Однажды Пикассо сказал: „Окружающий мир сегодня не имеет смысла, так почему я должен рисовать картины, которые имеют?“
Нет смысла искать смысл в картинах Пикассо. На них надо смотреть, их надо чувствовать.
О ранних работах художника я уже писала в статье "Другой Пикассо?"
Сейчас о том, как происходило дальнейшее становление художника. О том, как Пикассо стал тем Пикассо, которого мы знаем.
Разочаровавшись в академическом образовании, Пикассо в 1900 году приезжает в Париж, где знакомится с творчеством импрессионистов и постимпрессионистов. Он не остался равнодушным к их творчеству, о чем говорят картины, созданные в те годы.
Пикассо часто варьировал мотив объятия влюбленных, привлекавший его своей эмоциональной и пластической выразительностью. В этой ранней картине еще сохраняется жанровая конкретность в изображении персонажей и места действия.
Но в изображении фигур уже намечается отход от реальности. Линия одной фигуры плавно перетекает в другую, объемы сливаются, и только цвет одежды может их отделять. Мужчина и женщина сливаются во взаимности своих чувств.
Но о проявлении индивидуальности Пикассо принято говорить с момента его второго приезда в Париж. Художник в депрессии. Его лучший друг, тоже художник, Карлос Касагемас покончил жизнь самоубийством. Из-за несчастной любви. Для Пикассо это стало огромным потрясением.
У Пикассо начался "голубой период". Позже Пикассо говорил: "Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв". Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо станут "одиночество", "боль", "страх", "вина" .
Автопортрет 1901 года как раз отражает внутреннее состояние художника.
Холодный голубой цвет фона сменяется темно-синим цветом плаща и черным цветом волос и бороды героя. Плотно застегнутый плащ подчеркивает отстраненность от мира. А в центром работы лицо героя: практически белое, безжизненное, застывшее. Кожа натянута на череп, впалые щеки, плотно сжатые бескровные губы. Колкий, затравленный взгляд - все свидетельствует о творческом одиночестве, отстраненности от чужого и холодного мира.
Не получив признания в Париже, Пикассо возвращается в Мадрид, где и продолжается его "голубой период".
"Жизнь" признана шедевром "голубого периода" творчества художника. Хотя сам художник не любил эту картину, считая ее несовершенной. Но она точно отражает его душевное состояние. Картина посвящена его умершему другу. Поражает статичность и безжизненность фигур, подчеркнутая голубым холодным тоном. Художник словно изображает мир мертвых. А название картины диаметрально противоположное.
Сюжет картины сложен и трудно поддается анализу. Вся картина состоит как бы из трех частей. Фигуры изображены на фоне стены с картинами, намекая, что действие происходит в студии художника. И это понятно - ведь он изобразил Касагемаса. Интересно, что образ друга на картине появился позже. Вначале Пикассо нарисовал себя.
Многозначителен жест рукой персонажа. Он словно отгораживается от женщины с ребенком, в образе которой есть намек на иконографию. Словно Пикассо проводит грань между традиционным искусством и тем, что он сам хочет писать.
Но в этой картине еще чувствуется влияние Эль Греко, любимого художника Пикассо.
В 1905 году Пикассо переезжает в Париж. И это пееезд характеризуется началом "розового периода" в творчестве художника. Картины этого периода отмечены светлым колоритом, появлением жемчужно-серых, охристых и розово-красных тонов.
Доминирующей темой для художника стал цирк. Актеры, акробаты, атлеты, - главные действующие лица. Маскарадные костюмы, акцентированные жесты придают работам праздничность и иллюзорность.
Именно к этому периоду принадлежит знаменитая картина Пикассо "Девочка на шаре".
На картине изображены акробаты. Почти весь холст занимают двое: хрупкая гимнастка репетирует цирковой номер, балансируя на шаре, и мощный атлет сидит рядом, отдыхая.
Противопоставление хрупкости и надежности, силы и грации. Оно подчеркивается геометрическими телами, связанными с героями картины. Неустойчивый шар и надежный куб.
А за ними скупой пейзаж. Он лишь подчеркивает погруженность героев в свой внутренний мир.
"Розовый период" в творчестве Пикассо был недолгим. На его сену пришел "африканский период", характеризующий интерес художника к примитивизму первобытных культур. Полотна "африканского периода" производят впечатление неуклюжих барельефов, грубо вытесанных из природных материалов.
"Авиньонские девицы" - яркий образец африканского стиля. Композиция неоднократно перекраивалась (над картиной художник работал около года) и женщины, в конце концов, превратились в грубые статуэтки с варварски деформированными лицами африканских божков, что особенно заметно в двух фигурах справа.
Пикассо в этой картине нарушает все мыслимые и немыслимые законы живописи. Раздробленность пространства, нарушение перспективы, неестественные позы, лица похожие на маски, минимальная палитра цветов, изображение нескольких состояний предмета одновременно.
Именно эту картину принято считать началом кубизма, течения, который больше всего прославил Пикассо.
В 1909 году у Пикассо начинается период "аналитического" кубизма.
Воллар (1865—1939), известный собиратель живописи и знаток искусства, первым среди парижских торговцев картинами обратил внимание на творчество молодого Пикассо и уже в 1901 году устроил в своей галерее выставку его работ.
В картине присутствует несомненное портретное сходство с моделью, отразившееся в передаче тяжеловесной медлительности Воллара, его прикрытых тяжелыми веками глазах, в жесткой линии сжатого рта, широком перебитом носе, высоком лбе. Все детали образуют однородную кристаллическую материю и создают на глазах у зрителя напряженный процесс сложения образа, в котором принимает участие и фон.
Как будто из осколков зеркала создается портрет. И тут начинает действовать главный принцип кубизма - образы сами должный выстраиваться в воображении зрителя.
На смену этому периоду в 1912 году приходит синтетический кубизм. Он характеризуется использованием предметов, материалов, символов из обыденной жизни. В картины добавляются надписи. И новое введение Пикассо - коллаж. Как он говорил - это соединение высокого и низменного искусства.
Разложение и искажение форм шокировало публику. Многие называли картины Пикассо абстрактными. А он с этим не соглашался. Кубизм - это другое, - пытался доказать художник.