Оркестровая музыка всегда была и будет востребована и в медиа-индустрии, и на живой сцене. А еще оркестровая музыка - это всегда сложно. Ее трудно писать, сложно аранжировать. Собрать живых музыкантов для полноценного оркестрового звучания очень недешево и доступно далеко не всем. И конечно же, ее очень непросто сводить, особенно людям неподготовленным.
У многих начинающих композиторов возникает множество проблем, когда речь заходит об эпичной музыке, которая очень часто используется в кино и почти всегда - в трейлерах к кинофильмам.
На что же стоит обратить внимание композитору, который начинает свой путь в сведении подобных треков?
Системное обучение с профессионалом от WaveForum
Акустика
Самое важное, что необходимо понимать, прежде чем вообще браться за сведение - это то, как оркестр физически устроен.
— Как он звучит?
— Как акустически формируется звук в каждом инструменте оркестра?
— Почему в трубу надо не просто дуть, а делать это определенным образом?
— Почему в классическом составе оркестра контрабасов меньше, чем скрипок?
— Почему флейта металлическая, но является деревянным духовым инструментом?
Пока вы не разберетесь с тем, что из себя представляет реальный оркестр, ваша виртуальная копия вряд ли будет звучать убедительно.
Аранжировка
Еще один момент, который недооценивают на начальных этапах - это грамотность аранжировки. Да, это напрямую касается сведения, потому что как минимум 50% проблем в сведении возникают именно из-за аранжировки. И не всегда сведение может их решить. В оркестровой музыке особенно, ведь там голосов может быть огромное множество, и сложность композиции растет в разы.
Если к этой сложности вы отнеслись легкомысленно, то готовьтесь к проблемам.
В композиции могут быть проблемы с составом или расположением аккордов, с переходами между гармониями, могут быть не учтены особенности конкретных инструментов, может отсутствовать какой-то важный диапазон, возникнуть конфликт голосов.
Если композитор пишет музыку виртуальными инструментами, то часто можно наблюдать какие-то сумасшедшие аккорды по 6-8 голосов у одного инструмента (например скрипки), которые просто расставлены терциями в несколько октав.
Все это создает кашу в миксе, и в целом трек теряет убедительность и энергетику, которую никаким эквалайзером не восстановить. Проверяйте аранжировку, прежде чем вообще трогать ручки приборов для сведения.
Баланс и панорамирование
Эпичная оркестровая музыка отличается тем, что в ней очень большое количество элементов звучит одновременно и при этом громко, что создает определенные сложности.
Лучше всего сначала выбрать самый громкий, насыщенный элементами кусок трека и сделать базовый баланс между всеми инструментами в композиции. Поможет вам в этом две вещи - расстановка приоритетов и панорама.
В первую очередь сразу определите, какие элементы трека за что отвечают. Важно, что это не означает деление только на “главные” и “второстепенные” элементы - ролей может быть больше.
— Контрабас может вместе с медной группой быть на первом плане, играя мощные длинные педали, или просто добавлять фундамент композиции на фоне. И так далее.
— Валторны играют мелодию? Отлично, выводите их на первый план.
— Играют гармонические аккорды? Вероятно стоит их переместить чуть ниже в приоритетах, увести на фон.
— Быстрые струнные создают движение, подгоняя мелодию? Балансируйте их на уровне перкуссии.
— Никакой мелодии нет и вы хотите сконцентрировать слушателя на ритмике и скорости? Выводите их на первый план.
Панорамирование - второй шаг к “спасению”. Если вы оставите все элементы звучать в центре, все естественно превратится в кашу, как бы вы ни выравнивали баланс. Сдвинув элементы по панораме, вы можете отчистить много пространства, дать воздух инструментам, они лучше поместятся в вашем миксе.
Но следует тщательно подумать, какой инструмент куда сдвигать. Не стоит просто гуглить в интернете рассадку оркестра и расставлять инструменты по ней - виртуальное пространство отличается от реальной акустики.
Помните, что баланс относится как к громкости дорожек в целом, так и к балансу левого и правого канала, моно и стерео составляющих. В целом желательно всегда чуть-чуть двигать от центра любые элементы кроме фундаментальных - например баса. Также не забывайте, что многие виртуальные инструменты уже "рассажены" в пространстве на усмотрение производителя.
Эквализация
Эквалайзером можно как помочь вашему треку звучать лучше, так и уничтожить всю энергетику трека на корню. Так что думайте, прежде чем двигать какой-либо параметр.
В первую очередь эквализация должна быть продолжением настройки баланса. Вы должны понять, какие частоты конкретных инструментов в вашей композиции не сильно необходимы и подрезать их, чтобы они не мешали остальным, а какие можно было бы немного поднять, усилив эмоцию или читаемость инструмента.
Отрезать лишние частоты вообще полезно, особенно когда мы говорим про низкие частоты. Но не переборщите - вы можете случайно отрезать важные обертона или тело инструмента, из-за чего все будет звучать чисто и понятно, но совершенно сухо, резиново и скучно.
После того, как базовый баланс создан, можно попробовать различные красящие эквалайзеры, чтобы придать треку больше характера, яркости, а также аккуратно эквализировать группы инструментов.
Есть одна важная ошибка, касающаяся работы с частотами - концентрация на каком-то конкретном диапазоне частот и поиск проблем именно в нем, игнорируя остальной спектр.
Часто можно наблюдать, как композиторы/микс-инженеры очень много работают с верхними и средними частотами, пытаясь создать энергетику и мощь за счет ярких струнных, разрывной меди и хлесткой перкуссии - но по итогу другие треки звучат плотнее и мощнее, а на их фоне трек композитора становится ядовито-кислотным и неприятным для прослушивания.
Бывает и противоположные случаи - когда в попытке избежать кислотности в звучании массово вырезаются верхние частоты, что делает трек объемным, возможно плотным, но беззубым. Особенно такая ситуация характерна, когда сведение делается на плохих мониторных наушниках, у которых мало баса и много верха.
Обращайте внимание на весь спектр частот, создавайте плотный объёмный бас, мощную низкую середину, читаемую верхнюю середину и не слишком ядовитые, но яркие высокие.
Компрессия
Компрессия - неестественное для обычной акустики, но допустимое в микшировании явление. И важно этот момент не забывать. Компрессию следует использовать, чтобы выровнять динамически различные элементы в треке.
Например, вы можете скомпрессировать сольную скрипку, благодаря чему она не будет теряться в огромном оркестровом полотне, будет более читаема. Или наоборот, слишком резкие спиккатные/стаккатные пассажи можно прижать компрессором, отведя их таким образом на второй план, но при этом не потеряв ритмическую энергетику. Скомпрессировав тяжелую ударную группу, можно добавить им пробивной силы, не трогая частоты инструментов. Или поднять лиричную струнную тему над всем оркестром, добавляя драмы и гармонической наполненности, не теряя при этом энергетику и громкость.
В частности, обращайте внимание на компрессию групп инструментов - она позволяет склеить разные инструменты между собой, заставить их звучать более слаженно.
Отдельно стоит сказать о сайдчейн-компрессии. Она может вам очень помочь, если вы понимаете, что элементов слишком много, чтобы поместить их все одновременно и оставить при этом их громкость максимально допустимой.
На практике чаще всего приходится вешать сайдчейн-компрессоры на мелодический/гармонический материал, посылая на них сигнал от перкуссии. Таким образом вы сможете оставить всю энергетику и мощь боевых барабанов, которые будут пробивать микс, и при этом не потерять звучание и громкость всего остального.
Но не переборщите - если компрессия будет слишком очевидна, потеряется ощущение естественности, реальности оркестра. Особенно следите за мид/сайд составляющей - иногда достаточно оставить сайдчейн только в миду, а по сторонам оставить звучание свободным от сжатия - таким образом и перкуссия будет слышна, и оркестр не будет постоянно двигаться по громкости неестественным образом.
Пространство
Работа с пространством, наверное, самая сложная и самая тонкая часть работы над эпичной оркестровой музыкой. Как бы вы не обрабатывали дорожки, как бы не шаманили над группами, но если это все будет помещено в неправильное пространство, никакой мощи не будет.
Помните, что если в реальности оркестр звучит в каком-то акустическом пространстве, то в миксе пространство изначально отсутствует, и вам нужно его создать.
Делается это за счет все той же панорамы, эквалайзеров, а также ревербераторов и дилэев. Вы должны не просто выравнивать баланс между треками, но рассаживать их на разные по расстоянию от слушателя позиции, кого-то ближе, кого-то дальше.
Чтобы не потерять естественность звука, следует послушать реальный оркестр в реальных залах - услышать, как бас наполняет пространство объемом, как трубы прорезаются через весь оркестр на высоких нотах и так далее. И соблюдать эти особенности в вашем миксе. Подрезать высокие, если хотите отдалить инструмент, автоматизировать громкость, чтобы вывести инструмент на первый план.
Подобрать правильный ревер и дилэй с наскока, увы, не получится - это требует тонкого и развитого слуха, что достигается тренировками и практикой.
Правильный ревербератор создаст объем всей вашей композиции, отделит ее от просто хорошо сбалансированного трека до трека, который вызывает мурашки по коже. Неправильный - сделает трек мутным и растеряет его энергетику.
Иногда стоит подумать над тем, чтобы использовать несколько разных реверов - например большой музыкальный холл для всего трека, отдельно какую-то яркую комнату для перкуссии и может быть еще какой-нибудь плэйт, который насытит гармоники отдельных инструментов. Дилэй также используется для увеличения объема - иногда ревербератора недостаточно, чтобы получить идеально масштабное и обволакивающее пространство, и длинные отражения дилэя дополнят его - но будьте аккуратны с тем, чтобы отражения не стали чересчур отчетливыми и не испортили картину, превратив трек в кашу.
Расширение стерео и фаза
Очень полезно использовать стерео-расширители - это даст вам больше поля для маневра, сделает трек шире и массивнее. Расширять можно как отдельные дорожки трека, так и группы инструментов в целом.
Изучите, что такое эффект Хааса, как он работает и подумайте, где и когда вы могли бы его использовать в каждом конкретном треке. Естественно здесь тоже важно не переборщить и не увлечься, иначе у вас потеряется фокус, все элементы начнут звучать слишком разрозненно, обособлено. Также не забывайте, что для поддержания плотности и фундаментальности у вас все равно какие-то элементы должны оставаться в середине, в моно.
Обязательно следите за фазой - это касается как расширения стерео, так и работы с эквалайзерами. По опыту можно сказать, что это самая нелюбимая часть для новичков, потому что им очень неочевидно, как и когда возникает противофаза, как с этим бороться и разбираться в этом нет никакого желания. Но если вы не проследите за этими вещами, в вашем треке начнет вдруг пропадать энергетика, звучание станет странным, а если кто-то попробует включить ваш трек на моно-источнике звука, то будет страшно разочарован тем, что он из него услышит.
Другие советы
В этом тексте регулярно звучали слова “читаемость” и “энергетика”, и хотелось бы подчеркнуть их, потому что они - ваша главная цель. Оркестровое полотно - большое и непростое, и поэтому очень важно найти баланс между читаемостью важных в композиции элементов и энергией, которая в эту композицию заключена. Часто можно наблюдать ситуации, когда композиция читается легко, но слушается очень скучно и пусто. Или мы слышим большой, мощный, но к сожалению очень грязный звук, в котором ничего не получается разобрать и, соответственно, считать.
Не забывайте, что какой бы идеальной не была ваша система мониторинга, она все равно не сможет предсказать все возможные ситуации, в которых ваш трек будут слушать. Проверяйте ваше сведение на обычных колонках, на ноутбуке, на телефоне, не телевизоре, в машине. Если везде трек звучит одинаково хорошо и массивно - вы все сделали правильно.
Также важный момент - если вы пишете музыку для кого-то, кроме себя, то учитывайте, что с вашей музыкой будут иметь дело другие люди. И она должна быть готова к этому.
— Например, кто-то захочет повесить сверху вашего трека диалоги из фильма. Ваш трек готов к этому, в нем есть место для этих диалогов?
— А если захотят получить от вас стемы и пересвести в 5.1, ваши стемы не доставят хлопот при пересведении?
— А ваша музыка хранится в хорошем, несжатом формате, достаточного для потенциального клиента качества?
Естественно, все приведенные советы лишь обращают ваше внимание на возможные проблемы. Чтобы научиться их самому решать, нужна практика, практика и еще раз практика.
Хочется верить, что вы нашли для себя что-то полезное в этом списке и ваша эпичная музыка зазвучит еще эпичнее. Главное помните, что вы сводите технически сложную композицию, состоящую из множества дорожек, а виртуальное звуковое пространство имеет свои правила и ограничения. Поэтому перед каждым действием спрашивайте себя - “зачем”, “что мне это даст” и “чего я хочу добиться по итогу”.
Удачных миксов!
Михаил Афанасьев - композитор и продюсер, владелец первой и единственной успешной в России продакшн-библиотеки Imagine Music
Системное обучение с профессионалом от WaveForum