До 1 ноября в ГМИИ имени А. С. Пушкина будет открыта выставка «От Дюрера до Матисса», подготовленная при поддержке банка ВТБ. Главный куратор экспозиции Виталий Мишин рассказал о том, какие работы можно увидеть на стенах музея и почему так важно рассматривать рисунки великих мастеров.
— Расскажите, пожалуйста, про выставку. Сколько работ на ней представлено?
— Всего 225 экспонатов, включая рисунки, которые выставлены в соседних залах, в основной экспозиции 181 работа.
— В запасниках Пушкинского музея несколько десятков тысяч рисунков. Как проходил отбор работ для выставки?
— Эта была трудная задача. В первую очередь во внимание принимался критерий художественного качества. На выставке представлен первый ряд нашей коллекции. Потом встал вопрос, как избежать ощущения, что мы показываем некую мозаику наших лучших листов. Предстояло выстроить экспозицию в соответствии с какой-то логикой. Эта логика подсказана самой историей рисунка — с конца XV до середины XX века.
— То есть зрители, которые придут на выставку, увидят эволюцию искусства?
— Да, причем мы хотели взять широкий ракурс охвата, включив основные европейские национальные школы: итальянскую, французскую, немецкую, голландскую, фламандскую, русскую. Сразу скажу, что для нас было принципиально показать работы русских мастеров в общем контексте, как часть общеевропейской художественной культуры. На пересечении этих двух подходов, хронологического и географического, и выстраивалась экспозиция. Она имеет ясную структуру, которая приспособлена к конфигурации наших выставочных помещений.
Рисунок содержит в себе не меньше эстетической информации, чем картина. Рисунок так же, как и музыка — ее нужно учиться слушать, упражнять слух, чтобы со временем начинать извлекать из нее смыслы и красоту, которые в ней заложены. Кстати, совет зрителю: можно воспользоваться возможностью и прийти на выставку, чтобы поупражнять свой глаз. Это редкая возможность, тем более на вещах такого высокого класса.
— А в чем особенность выставочного пространства, почему Вы сделали на этом акцент?
— В музее преобладают длинные стены. Поэтому нам предстояло как-то структурировать и ритмически организовать это пространство. И нужно отметить, что мы вписались в него с нашей тематической структурой. Левая часть колоннады музея посвящена XVI веку, следующий зал — это XVII век, третий зал – XVIII век, вторая часть колоннады – XIX век. XX век в основном расположен в Белом зале, самом большом. В рамках каждого периода искусство рисунка представлено исходя из важнейших явлений, которые имели место в истории в этот период, и исходя соответственно из ресурсов нашей коллекции. Поэтому внутри каждого периода разные пропорции между школами. Например, XVI век представлен Германией и Италией, поскольку это был важный период в истории искусства, в первую очередь для этих национальных школ. В разделе XVII века преобладают Фландрия и Голландия, которые переживают расцвет в это время, показаны также Италия и Франция. Следующий зал — XVIII век — построен исключительно на французском и итальянском материале. XIX, а тем более XX век разнообразны, здесь и Германия, и Франция, и Италия, и Россия.
— Русские художники представлены с конца XIX века?
— С середины. Строго говоря, русское искусство с начала XVIII века, с эпохи Петра, особенно активно осваивало европейскую традицию. На нашей выставке русские художники вступают в диалог со своими европейскими коллегами с эпохи романтизма. Самая ранняя дата — 1835 год, акварель Брюллова. Его рисунки у нас связаны с Востоком, с таким явлением, как ориентализм, важным для европейского романтизма, тут они соединяются с пастелью Делакруа. Такое соседство вполне оправданно. В группе, посвященной символизму, Врубель соседствует с Гюставом Моро, их объединяет общее для людей эпохи символизма мироощущение. В XX веке особенно много оснований говорить о таких пересечениях. Выходцы из разных стран в это время на равных участвовали в сложении языка современного искусства. У XX века интернациональный характер. Здесь рядом можно увидеть работы, скажем, Татлина и итальянского футуриста Деперо, или Георга Гросса и Пименова, или рисунки Лебедева и итальянца Казорати. Такие сопоставления показывают живой художественный процесс. В нем участвовали выходцы из разных стран. В их произведениях выражался дух эпохи, дух времени. Такие моменты мы специально подмечали.
— Некоторые рисунки, как Вы отметили ранее, экспонируются рядом с живописью из постоянной экспозиции. С чем это связано?
— Принцип был простой: если зал посвящен, скажем, искусству Франции XVII века, то мы в нем можем увидеть рисунки, соответствующие этой эпохе или школе. Так, листы вступают в прямой диалог с полотнами на стенах. Это другой принцип демонстрации произведений, который придает экспозиции новое измерение.
— Как часто Пушкинский музей экспонирует рисунки из своего собрания?
— Смотря какие. Работы самых известных мастеров, таких как Матисс или Пикассо, более востребованы, в том числе для зарубежных выставок. Но какие-то листы показываются впервые. Кроме этого, даже востребованные работы не могут экспонироваться слишком часто.
— Каков этот период отдыха?
— Чем больше, тем лучше. Как минимум несколько месяцев, а то и год.
— Кажется, что колоннада музея идеально подходит для изучения рисунков, можно довольно близко рассмотреть все представленные работы.
— Конечно, рисунок нужно смотреть, условно говоря, с расстояния вытянутой руки. Есть очень тонкие работы, они требуют меньшего расстояния. У каждой вещи свой фокус. Какие-то рисунки более яркие, контрастные, когда нужно отойти подальше. Но все работы требуют камерного общения. Монументальная колоннада центральной лестницы не очень подходит для показа рисунков, но ее можно приспособить для этого с помощью щитов, просто это требует от дизайнера дополнительных усилий.
— А как долго Вы работали над оформлением? Например, интерьер Белого зала создан специально к выставке.
— Здесь важную роль играла наш художник-дизайнер Анна Каменских. Конструкция в Белом зале очень удачно формирует пространство, создавая некие пропилеи, которые ведут к апсиде. Если говорить о дизайне, есть еще интересный момент, с которым мы столкнулись в Париже: там было решено использовать для некоторых рисунков исторические рамы, то есть рамы, соответствующие времени создания рисунка. Когда рама и рисунок соответствуют единому стилю эпохи, это производит гармоничное впечатление. В Фонде Кустодия есть прекрасное собрание исторических рам. Примерно два десятка работ были переоформлены на месте. У нас в музее не столь богатый фонд исторических рам, тем не менее и нам удалось часть рисунков оформить таким же образом.
— Но большая часть листов в новых и достаточно простых рамах.
— Исторические рамы выглядят как драгоценная инкрустация, они обогащают экспозицию. Но мы использовали их только там, где это уместно. Современный багет имеет свои преимущества — он создает единообразие. Исторические рамы — самых разных размеров, приходилось подбирать их к рисункам индивидуально, а багетные рамы имеют три стандартных модуля: маленький, средний и большой.
— Если посмотреть в перспективе, то можно заметить, что рамы, даже если они одного размера, висят по-разному: какие-то вертикально, какие-то горизонтально. Это нужно, чтобы создать определенный ритм?
— Да, конечно. Иногда приходится перемонтировать рисунок, чтобы он вписался в ритмический ряд. Вообще, главный стержень экспозиции — это целые ансамбли рисунков. Есть более обширные группы, по 5–6 рисунков, а есть маленькие, по 2–3 листа. Основную интригу выставки составляет именно взаимоотношение экспонатов внутри группы и между группами.
Выставка проходит в главном здании
ГМИИ имени А. С. Пушкина
по адресу г. Москва, ул. Волхонка, д. 12
и продлится до 1 ноября 2020 года.
Музей открыт со вторника по воскресенье с 11:00 до 20:00,
в четверг и пятницу – до 21:00.
Автор текста: Николай Мельников