Жорж Брак и Пабло Пикассо – это тандем авангардных художников, работавших бок о бок в своеобразном творческом союзе. Плодом их совместных трудов стало формирование нового модернистского направления – кубизм.
Хоть название направлению и было дано благодаря картине Брака "Дома в Эстаке", на которую забавно отреагировал Анри Матисс, воскликнув: "Что за кубики?", началось всё с Пикассо и его "Авиньонских девиц".
Это первая картина кубистического периода Пикассо. На холсте размером 2.4 х 2.3 метра изображены пять девушек и тарелка с фруктами. Тела героинь упрощены до грубых ромбов и треугольников. Глубина пространства практически отсутствует. Пикассо даже не пытается создать иллюзию реальности в картине. Лица двух девушек справа выглядят как африканские маски, а героиня слева стоит будто статуя.
Композиция картины отсылает к работе Эль Греко "Снятие пятой печати", в основном благодаря девушке справа сверху, которая расположена зеркально персонажу Эль Греко и имитирует его позу. Еще одна отсылка – это синяя, как одеяние мужчины, драпировка на фоне девиц.
Говоря о героинях картины, мы можем смело сказать, что это проститутки. Об этом говорит название "Авиньонские девицы", в честь улицы Авиньон в Барселоне, которая славится представительницами этой профессии. Еще одним намёком на их род занятий является ваза с фруктами – символ предлагаемого наслаждения.
Картина несёт в себе отчасти морализаторский подтекст, художник предупреждает об опасности связей с куртизанками. Скорее всего на это повлияла судьба некоторых его друзей, да и в целом Парижской богемы, где венерические заболевания были не редкость. Ярким тому примером служит художник Поль Гоген, который был болен сифилисом. В первых эскизах к этой картине были еще два персонажа: матрос (клиент) и медик, держащий в руке череп (символика смерти).
Реакция художественного сообщества на Девиц была отрицательной, поэтому художник на долгие годы оставил её пылиться в мастерской, считая картину незаконченной. До конца в картине не разобрался и художник Жорж Брак, но, тем не менее, он присоединился к Пикассо, поделившись своими собственными идеями и предложив помощь в его поисках.
В своих работах художники во многом отталкивались от наследия Сезанна. Они взял его приёмы и серьёзно усилил их, сделал более буквальными. Так, например "Дома в Эстаке" выполнены в похожей на него приглушённой коричнево-зелёной гамме. Дома-кубики, расположенные на склоне холма составлены из простых фигур, детали опущены. Домики не уходят в перспективу, они наоборот будто бы перелезают друг через друга, пытаясь каждый выйти на передний план. Отсутствие неба и линии горизонта даёт ощущение орнаментальности. Объема в картине практически нет, ощущение некоторой плановости достигается благодаря расположенному на переднем плане дереву – тоже отсылка к Сезанну и его серии работ "Гора Сент-Виктуар" (подробнее в нашей прошлой статье...)
Хоть термин "кубизм" и хорошо описывает несколько картин Брака, но он не раскрывает сущности направления. Кубизм – это отказ от создания иллюзии трёхмерности на плоском холсте (в том числе и кубов). Как и Сезанн, Брак и Пикассо не сомтрели на объект с одной точки, они рассматривали его сразу под всевозможными углами. То есть, они видели как бы развёртку трёхмерного объекта.
Думаю каждый может представить себе коробку как в собранном (объёмном), так и разобранном (плоском) состоянии. Они изображали каждую деталь, плоскость, этой развёртки и состыковывали их вместе как бы приближая к трёхмерной форме, чтобы предмет всё таки угадывался, но изображён он был при этом в двухмерном виде. Немного взрывает мозг, не правда ли? Художники считали, что таким образом можно показать истинную природу предмета, такое изображение заставляло разум зрителя работать, смотреть на привычную вещь под другими углами.
По словам Пикассо, такая живопись считалась "чистой", ведь зритель оценивал не созданную художником иллюзию, а конкретные элементы картины: цвета, линии, формы.
Принципы кубизма наглядно продемонстрированы в картине Брака "Скрипка и палитра". На ней изображена скрипка, подставка для нот с нотами соответственно и палитра, висящая на стене. Коричнево-зелёные оттенки вновь по-сезанновски приглушены, как оказалось, это необходимо для того, чтобы удачнее совместить несколько точек зрения. Множество ярких цветов сделали бы изображение непонятным, сумбурным. Как и с домами в Эстаке, на всём полотне прослеживается геометрический узор.
Скрипка, как и положено, изображена с разных точек зрения: мы одновременно видим её спереди, снизу и верхушку в развороте. Драпировка выполнена из геометрических фигур с резкими переходами цвета. Но есть один элемент, который не соответствует общему стилю картины – гвоздь, на котором висит палитра.
Дело в том, что он написан "как обычно", с использованием перспективы. Из-за такого маленького элемента создаётся ощущение трёхмерности на картине и мы чётко понимаем, где передний план, а где задний. Но художнику нужен был этот гвоздь совсем не для этого. Так он показал, сравнил и сопоставил классический метод изображения и его новый. Как и с контрастными цветами, которые, находясь рядом, подчёркивают и выделяют друг-друга, Брак таким образом обратил внимание на превосходство кубизма.
Поначалу художники давал понять, что кубизм не оторван от реальности, но они решили идти дальше. В картине Пикассо "Моя красавица" посредством геометрических фигур изображена его возлюбленная Марсель Умбер. Пикассо изменил подход и, при разделении объекта на части, он перестал сопоставлять их в естественном порядке, то есть, грубо говоря, рука могла оказаться не на плече а, скажем, вместо ноги. В этой картине можно разглядеть очертания головы и тела, но без помощи понять общий замысел картины проблематично. Именно поэтому Пикассо совершает новый прорыв – он помещает на картину текст.
Внизу картины расположена надпись "MA JOLIE" (моя красавица) - это строчка из популярной на тот момент песни, на музыкальность фразы указывает скрипичный ключ чуть правее и выше от надписи. Пикассо первым соединил две формы коммуникации – изобразительную и текстовую, не просто как подпись, а как настоящий художественный элемент.
Затем они пошли ещё дальше: они поместили на холст кусок клеёнки – уже существующий предмет, причём сделанный не руками художника. "Натюрморт с плетёным стулом" – это круглый холст обрамлённый витым шнуром, сверху – чистый кубизм, показывающий нам стол, с расположенными на нём газетами, трубками и бокалом, снизу наклеена клеёнка с орнаментом, напоминающим плетёный стул.
Это стало прорывом.
Клеёнка делала картину понятнее: вот стул или скатерть, на которую она тоже очень похожа, вот надпись "JOU" (от journal), значит газета. Изначально пытаясь сделать кубизм более понятным, Пикассо взял предмет массового производства и сделал его объектом искусства. Ничего не напоминает? Может быть Дюшана с его фонтаном? Или может Энди Уорхола?
Жорж Брак продолжил помещать на холст предметы из реального мира. На этот раз в основе картины "Блюдо с фруктами и стакан" лежат обои "под дерево", поверх которых он углём нарисовал композицию. Эта живопись, по факту, живописью и не является. Здесь не использованы краски, или другие цветные материалы, но, тем не менее, цвет есть, просто его обеспечивают обои. Значит это всё таки живопись? Или нет? И с абсолютным непониманием этого наша жизнь заметно усложняется, впрочем, как и искусство.
Вот что по поводу этой картины пишет Уилл Гомперц в свой книге "Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси:
Брак взял кусочек обоев, имитирующих дерево. Затем он поместил эту "фальшивку" в свою картину – по сути, подделку. Но тем самым он изменил статус обоев: теперь они – единственная "реальная" вещь на картине... С этого и начинается концептуальное искусство.
А еще, Брак и Пикассо таким образом открыли коллаж именно как часть искусства.
В помощь самим себе художники для своих будущих картин изготавливали небольшие трёхмерные модели из доступных материалов (бумага, древесина, картон). А позже начали выставлять их как абсолютно самостоятельные произведения, как скульптуры или, как возможно их назвали бы в наше время, ассамбляжи. И вновь они перевернули искусство с ног на голову и показали нечто абсолютно новое.
Пикассо и Брак продолжили свои эксперименты и их новое искусство подхватили и другие художники. Тут речь уже не о кубизме, а о его влиянии. Думаю, что некоторым из вас уж точно знаком Марсель Дюшан, который ввёл термин реди-мейд (англ. ready-made – готовый). В 1917 году он представил на выставке "Фонтан" – перевёрнутый писсуар с подписью художника, о котором я вероятно расскажу вам в следующих статьях.
Влияние кубизма прослеживается практическим во всем искусстве и дизайне 20-го века. Его резкие линии, пустое пространство, углы эволюционировали в модернизм. В пример можно привести архитектуру ле Корбюзье и даже работы модельера Коко Шанель.