Знаменитый создатель легендарного «Синего всадника» сегодня наш герой. Лучшие и бесспорно важнейшие картины Кандинского в нашей подборке
KULBABA info - смотрим на мир по-другому и пишем об этом очень кратко,потому что ценим Ваше время.
Знаменитый создатель легендарного «Синего всадника» сегодня наш герой. Лучшие и бесспорно важнейшие картины Кандинского в нашей подборке
Импровизация 7
Отказавшись от фигуративной, предметной живописи, Василий Кандинский искал новые формы для своего нового искусства. Этими инновационными формами стали композиции и импровизации, которые, не обладая ярко-выраженной сюжетной программой, несли мысль в цвете и форме, то есть были повествованием сами по себе.
Импровизация № 7, появившаяся в 1910 году, написана многослойной сложной техникой письма, присущей всем работам автора данного периода с учётом всех законов сочетания цветов, которые вывел сам Кандинский. Здесь много зелёного, чёрного и красно-оранжевого.
Трактовка цветов, согласно теоретическим трудам художника, следующая:
зелёный – равнодушие, не возбуждающее чувства, спокойствие;
чёрный – конечная точка, финал, который сродни угасанию Солнца или концу света;
белый – безмолвие и тишина;
красный – сила.
Какой смысл несёт сочетание всех этих цветов? На этот вопрос Кандинский предлагал ответить каждому самостоятельно, так как искусство, в общем, абсолютно субъективно и интимно, если можно так выразиться. Автор не раз подчёркивал, что цвета должны лишь притянуть внимания зрителя, подарив ему возможность самостоятельного созидания.
Контрастные звуки
Сегодня некоторые предполагают, что Василий Кандинский мог обладать уникальным качеством – акустико-цветовой синестезией. Такие люди могут цвета ощущать как звуки, а звуки как цвета.
Сам художник не раз говорил о тесной связи живописи и музыки, сравнивая цвет с клавишей, молоточек с глазом, а душу творца с многострунным роялем. В своей книге «Точка и линия на плоскости» автор отвёл отдельную главу для музыки, где попытался передать различные звуки средством графических рисунков. Однако такая трактовка звуков была очень упрощённой и субъективной, и Кандинский это хорошо понимал, что не мешало ему демонстрировать своё видение музыкальных звуков в пространстве художественного полотна. Картина «Контрастные звуки» - ярчайший, почти хрестоматийный для Кандинского пример, когда автор запечатлел музыку.
Автор использует лишь два инструмента для воплощения диссонирующих нот – форма и цвет. При этом Кандинский двигается от цвета к форме, а не наоборот. В работе явно ощущается преобладание чётких геометрических фигур в ущерб прихотливым пассажам из линий, которые можно встретить в других картинах. Работа удивительным образом сбалансирована и гармонична, что свидетельствует о том, как кропотливо автор продумывал каждый её элемент.
Нет более несчастного искусства, чем музыка – ведь явление это временное. Всего мгновение – и звуки навсегда исчезли, оставляя воспоминания и эмоции. «Контрастные цвета» - одно из лучших полотен, попытавшись запечатлеть это неуловимое искусство, а под силу это было лишь Кандинскому.
Желтое-красное-синее
Трём цветам Кандинский посвятил это полотно и не преминул ещё раз подчеркнуть их важность через название. Беспредметная живопись мастера всегда имела необычные наименования, подчёркивая тем самым отсутствие сюжета, но отнюдь не бессодержательность.
Благодаря теоретическим трудам, в которых автор реализовывал свою потребность объясниться со зрителем, описывая своё видение искусства, мы сегодня можем хотя бы попытаться проникнуть в сложную и завораживающую эстетику Василия Кандинского. Выбор основных цветов и их сопоставление в рамках художественного пространства полотна не случайно: красный здесь символизирует безграничную теплоту, которая внутри себя скрывает живую подвижную, но осмысленную силу, в отличие от жёлтого цвета, легкомысленного и разбрасывающегося во все стороны и охлаждающегося синим.
Для того чтобы понять, почувствовать как действует краска, как она говорит со зрителем, Кандинский советует сначала сосредоточить взор на изолированной краске, а лишь затем понаблюдать их взаимодействие. Любопытные отношения автор открывает между синим и жёлтым цветом, утверждая, что они могут быть связаны как центробежной, так и центростремительной силой.
Как мы видим, картина Кандинского лишена кажущейся спонтанности – это выверенная композиция, созданная на основе совершенно уникальной и неповторимой авторской философии.
Черный и фиолетовый
Как любое произведение Василия Кандинского, полотно «Чёрный и фиолетовый» имеет множество трактовок. По сути, автор и отталкивался от этой идеи – восприятие искусства очень субъективно, и каждый сам должен искать личные смыслы.
Традиционная трактовка опирается на характеристику цветов и форм, которые оставил Кандинский в своих теоретических работах. Два цветовых центра, выступающих и смысловыми – чёрный и фиолетовый, изрезанные прямыми линиями фигур, являются контрастами, которые символизируют напряжение и даже борьбу. Это борьба противоположностей, борьба тьмы и света, противостояние жизни и смерти.
Ещё один любопытный взгляд связан с теорией автора трактовки звуков через графические изображение, о чём он говорит в главе «Музыка» из книги «Точка и линии на плоскости». Следуя его представлениям о звуке, критики представляют композицию в виде оркестра, который настраивает свои инструменты. Звуки перевоплощаются в цвета и формы, одни из которых доминируют, другие наслаиваются друг на друга, а третьи резко контрастируют. Эти консонансы и диссонансы зритель должен если не услышать, то почувствовать.
Картина была написана под занавес относительно спокойного периода в жизни мастера – преподавания Кандинского в Баухаузе в Германии. Позже его искусство будет признано дегенеративным, а многие произведения уничтожены.
Композиция VII
Кроме подробных теоретических обоснований своей работы, Кандинский оставил более 30 эскизов, которые демонстрируют насколько скрупулёзно проходил подготовительный процесс для написания Композиции VII. Сама же работа была завершена за 4 дня, чему есть фотографические подтверждения.
Разглядывать картину можно только с позиции отношения Кандинского к форме и цвету – только в этом случае композиция приобретает огромный глубочайший смысл. Доминирующими цветами холста является красный – символ силы, целеустремлённой необъятной мощи; синий – цвет покоя, и белый – олицетворение вечности, доначального бытия. Также в работе присутствует жёлтый цвет, который автор всегда характеризовал как легкомысленный и стремительно разбрасывающийся.
Цветовое содержание подкреплено продуманной композицией работы — это разворачивающаяся по диагонали форма, замкнутая в прямоугольном пространстве холста. Центральным мотивом художник объявил овальную форму, которую пересекают множество неправильных прямоугольников. Причём всё это структурированное нагромождение выглядит как почти чётко обозначенный цент, выступающий в вихре цветов и прихотливых линий.
Искусствоведы и исследователи на основе дневниковых записей и изучения творчества Кандинского в целом пришли к выводу, что Композиция VII объединяет в своём сюжетно-эмоциональном понимании сразу несколько тем – Страшный суд, Всемирный потоп, Воскрешение из мёртвых и Райский сад.
Картина с зеленым центром
Композиция представленной картины строится по излюбленному Василием Кандинским сценарию, который он не раз использовал в своём творчестве – построение художественного пространства автор начинает от центра, сделав доминантным элементом разомкнутую фигуру зелёного цвета.
Остальное содержание выстраивается путём противопоставления цветов – красного и зелёного, жёлтого и синего, белого и чёрного. Каждый цвет находит свою трактовку у живописца. Так, зелёный цвет – это символ спокойствия, созданный из нейтрализации синего и жёлтого цветов. Этот цвет имеет самый широкий диапазон оттенков, благодаря чему зелёный приобретает глубину звучания и внутреннее развитие. Синий цвет — это освещённая темнота, ощущение холода, лунного света, моря, льда. Красный выступает здесь как цвет огня и крови, раздражающий и сильный. Красный цвет - это движение внутри себя. Также в картине много жёлтого цвета, символизирующего нечто острое, динамичное, обладающее высшей формой устремлённости.
Гармоничное сочетание этих цветов, выраженных сквозь прихотливые формы, рождает вибрирующую материю, переливы которой на полотне ощущаются почти на физическом уровне. Сегодня можно утверждать с уверенностью, что Кандинский был исключительным явлением в мировой живописи, ибо никто из последующих живописцев не смог создать нечто подобное.
Первая абстрактная акварель
Такое незамысловатое название картины вполне оправдано, ведь это действительно первая абстрактная работа мастера. Также она известна ещё под одним «говорящим» именем – «Без названия».
В 1910 году Василий Кандинский провозгласил беспредметность основным принципом своего дальнейшего творчества. Он оставил лишь форму и цвет выразителями содержания картин, ибо нельзя сказать, что при отсутствии сюжета, его работы бессодержательны. Сегодня картины Василия Васильевича расшифровываются через призму его теоретических работ, где он подробно обосновал свой оригинальный творческий метод.
Картина представляет собой графический лист небольшого формата, содержание которого напоминает некий экспромт. Для его создания автор использовал акварель, тушь и карандаш.
Белый фон можно трактовать как безмолвие, ведь Кандинский расшифровывал этот цвет как выразитель молчания. Красный обозначает в картине движение и беспокойство, а также мужскую силу, тогда как синий выступает символом тайны и даже мистики. Ещё здесь присутствует жёлтый, как обозначение земли, чёрный, как знак Апокалипсиса (потухшее Солнце) и зелёный – выразитель равнодушия. Прихотливые формы призваны подчеркнуть значение каждого цвета.
Хотя за акварелью без названия последовали другие, более интересные работы мастера, эта картина имеет колоссальное значение для Кандинского, выступая новой вехой, ознаменовавшей полную смену творческой парадигмы живописца.
Синий всадник
Читая название картины, «Синий всадник», любителям творчества Василия Кандинского прежде всего на ум придёт не это отдельно взятое полотно, а целое объединение, основанное Кандинским и Францем Марком, которое носило такое же название. Между тем, произведение Кандинский написал ещё в 1903 году, тогда как первая выставка общества состоялась лишь в 1911.
Как не похожа картина автора на абстрактные, более знаменитые работы Кандинского, созданные после периода в Мурнау (Бавария)! Это и не удивительно, ведь живописец гораздо позже разорвёт связь с предметной живописью, а в начала 1900-х Василий Васильевич много путешествует по Европе и стиль его ещё только формируется.
В эти годы он увлечён пейзажем, как можно заметить и благодаря этой работе. Как позже признавался художник – суть его творчества в этот период сводилась к безграничной любви к природе.
И действительно, всадник в синем облачении занимает лишь небольшое пространство полотна, тогда как большая площадь всецело отдана зелёному лугу, стройным берёзам в осеннем убранстве и яркому солнечному свету, озаряющему этот будто случайно выхваченный сюжет. Автор филигранно передаёт своё восхищение окружающим миром с помощью цветовых пятен, контрастно сопоставляя или наслаивая их.
Сам же человек, скачущий верхом на лошади, также передан необычно – стремительная сила, порыв, безудержная энергия несут наездника, который вот-вот пересечёт картину по горизонтали.
Всё произведение проникнуто радостью и восторгом, который умело передаётся мастером силой цветовой палитры. Вскоре эти цветовые пятна постепенно вытеснят сюжетную канву работ Кандинского, став самостоятельным смысловым центром, формируя содержание, тем самым открыв совершенно новую страницу в истории мирового изобразительного искусства.
источники: https://muzei-mira.com/
https://www.wassilykandinsky.ru/
http://www.odessitclub.org/publications/almanac/alm_33/alm_33_194-202.pdf