К 1970 году Ян Андерсон с компанией подошли в статусе довольно известной группы. Они постоянно гастролировали в 1969 году, главным образом в Соединённых Штатах. Интересный факт: на разогреве у Jethro Tull выступала группа Yes и по словам Андерсона это подвигло их тщательнее относиться к технике исполнения, поскольку у Yes все композиции были вылизаны до блеска, а Джетро Талл зачастую играли неподготовленными, фактически с листа и как придётся. Второй группой, с которой выступали ребята, были ни много ни мало - Лед Зеппелин - тут уже Jethro Tull были на разогреве. Сейчас это воспринимается, как удивительный факт, но тогда, на заре становления серьёзной рок-музыки по-видимому было в порядке вещей. Налицо (по некоторым последующим интервью музыкантов) незримое соперничество коллективов. Хотя подход к музыке, да и сама музыкальная концепция у обеих групп были совершенно разные. Ещё задолго до гастролей, когда британский блюзовый папа Алексис Корнер попросил Андерсона послушать молодого и неизвестного вокалиста Планта, Андерсон, по его словам оторопел и понял, что Jethro Tull придётся много работать. Причём налицо творческая ревность Андерсона к Планту, которого он характеризовал, как сильно заносчивого персонажа, в то время, как Пэйджа называл скромным, а Бонэма гениальным сумасшедшим. Андерсон считал чрезвычайно слабыми тексты Планта, сам же работал над текстами кропотливо.
Как бы то ни было, но следующий после гастролей альбом Андерсон решил насытить акустическими композициями. Возможно это был ответ "от противного" на музыкальное влияние Лед Зеппелин - а его не могло не быть. К началу записи из группы вышибли харизматичного басиста Гленна Корника. История довольно мутная, где-то говорится о чрезвычайном увлечении Корника алкоголем. Басистом Корник был прекрасным, сценическое действо весьма разнообразил свои внешним видом и поведением, но Андерсон позвал в группу старого приятеля всех музыкантов Джеффри Хэммонда, которому уже были посвящены песни с предыдущих альбомов - A Song For Jeffry и Jeffrey Goes To Leicester Square. Хэммонд вообще не был музыкантом и на басу играл еле-еле, однако был прилежным и трудолюбивым, быстро освоил инструмент и погоды не испортил. Это скорее говорит о том, что ритм-секция не играла ведущей роли в музыкальной составляющей Jethro Tull.
Ещё один интересный факт - Jethro Tull отказались играть на Вудстоке - а ведь они воспринимались в Америке, как британские хиппи и их участие всеми ожидалось. Андерсон был резко против и хиппи-культуры и своего участия, предполагая, что это тупиковый путь развития - и он оказался прав. Потом он говорил, что это было верное решение. Поскольку группа была восприимчива, то могла после фестиваля пойти по совсем другому, традиционному пути, а музыкальная концепция была пока не устоявшаяся, но видение пути развития в голове у Яна безусловно было.
Впоследствии музыкальные критики назвали Aqualung концептуальным альбомом. Андерсона вообще-то это раздражало, он не предусматривал никакой особой концепции и считал альбом просто набором хороших номеров. В насмешку над умниками следующий альбом Thick As a Brick (мой любимый) был сделан, как пародия на концептуальный и психоделический рок, но по воле судьбы он стал как раз классикой прогрессивного рока, но об этом в другой статье.
Как бы то ни было, заглавный трек был вдохновлён фотографиями бездомных, которые сделала жена Андерсона Дженни (она была фотографом). Дженни делала надписи на обратных сторонах своих снимков, отсюда появился образ вульгарного, вечно простывшего бродяги по кличке Акваланг, в образе которого был снимок Андерсона на обложке пластинки
Начальный рифф композиции из шести нот был таким образом охарактеризован автором: «Ну, как и любой хороший рифф — здесь все дело в мгновенно узнаваемом подборе нот, будь то Whole Lotta Love или Пятая симфония Бетховена. И это была продуманная и удачно придуманная совокупность нот» (это ещё один кирпичик к завязавшейся в статье про Слэйд дискуссии по-поводу риффов, вместе в итоге и найдём определение). Акустическую часть Андерсон придумал сидя на гастролях в отеле Лос-Анджелеса, по его словам это было самое мучительное - сидеть и сочинять аккорды к песне. А вот гитарное соло целиком заслуга Мартина Барра. В студию во время работы Барра над соло как-то зашёл Джимми Пейдж (опять Лед Зеппелин) и Барр был настолько смущён и выбит из колеи, что все последующие соло отрабатывал в полном одиночестве.
В заглавной песне альбома нет традиционной флейты и это настораживало. К счастью, это всего лишь исключение из общего правила, введение флейты в рок-музыку по-андерсоновски это неотъемлимая часть этой самой мировой рок-музыки и огромная заслуга Jethro Tull.
Уже в следующей композиции Cross-Eyed Mary флейта стала чуть-ли не главным участником этой заводной композиции, включая прелюдию и интермедии. Сплав хорошего рока и звучания андерсоновской флейты в контексте композиции никогда не оставляет меня равнодушным. Как-то так он умеет смещать акценты, что добавляет драйва, делая флейту рок-инструментом
Хотелось бы отметить роль фортепиано на этом альбоме. Джона Ивэна лидер группы считал самым лучшим музыкантом в коллективе, к нему никогда не было никаких претензий по музыкальной части. И в самом деле, Ивэн настоящий виртуоз. ему подвластны и лирические арпеджио и ударные блюз-роковые номера. Прекрасно иллюстрирует его мастерство хард-роковая вещь Locomotive Breath - и на мой взгляд эта композиция не в духе альбома, но это не причина её туда не включать. К тому же это постоянный концертный номер группы. Я был в Москве на концерте Джетро Талл в честь юбилея Thick As a Brick. Исполнялось там и Дыхание Локомотива, за клавишами был уже не Ивэн, но новый клавишник скопировал все приёмы маэстро, добавив и своего звука. Эта песня была исполнена на бис и затянулся этот бис чуть не на полчаса.
В оригинальной версии песня начинается с лирического фортепианного классического вступления, продолжается в джазовой синкопе, а затем срывается в жёсткий рок. Фортепиано отнюдь не теряется в аккордной атаке, а звучит вполне равноправно, Ивэн лупит аккордами дай бог каждому. Вообще эту композицию без фортепиано невозможно себе представить. Так Jethro Tull расширяли рамки традиционного хард-рока, добавляя туда вполне классические инструменты - флейту и рояль. Соло на флейте в этой композиции тоже очень тематично
Акустические номера альбома показали приязнь музыкантов к фолк-музыке. Например Mother Goose, несмотря на сюрреалистический текст, звучит как настоящая английская баллада. В следующие несколько лет группа целиком отойдёт от фолка и вернётся к нему только в середине семидесятых, резкий поворот произойдёт на Songs From the Wood. Но акустика Акваланга говорит о том, что это чрезвычайно близкий музыкантам взгляд на место фолка в рок-музыке.
Надо сказать, что все без исключения композиции группа исполняла на концертах - несмотря на богатство инструментария и аранжировок они были готовы к этому, поскольку профессионалы они и есть профессионалы. Песня My God, открывающая вторую сторону, была обязательным третьим номером вместе с Aqualung и Locomotive Breath. Песня антиклерикальная - именно это послужило поводом критикам увидеть некую эскапистскую концепцию альбома. На самом деле песня была написана ещё в 1969 году во время гастролей вместе с Yes. И именно "вылизанные" прогрессив-композиции Yes побудили группу включить эту композицию в концертные выступления, предварительно отработав её на репетициях до блеска. Между прочим я в мелодике слышу влияние Yes, всё-таки Андерсон был до чрезвычайности восприимчивым музыкантом
По форме я бы назвал её блюзом - раскрутка мелодии с неожиданными пьяно-паузами, внезапный рок-взрыв от которого мурашки бегут по спине, очень аккуратная и выверенная подача. Выдающееся соло Мартина Барра всегда вызывает во мне сожаление, что его имя не звучит наравне с именем того же Джимми Пэйджа. Мартин Барр превосходный рок-гитарист, на мой взгляд входит в пятёрку ведущих. Лед Зеппелин удалось иметь сразу двух равноправных фронт-мэнов - Пэйджа с Плантом, у Джетро Талл Андерсон, конечно Барра затмевал. Возможно и сам Барр видел своё скромное место на сцене именно так - выдавать гениальнейшие соло и снова уходить за спину Андерсона. (На видео, кстати, вариант My God 1970 года, там на басу ещё играет Гленн Корник и вы можете оценить его участие)
Вообще медленные номера группе чрезвычайно удавались, прежде всего за счёт абсолютного мелодического таланта. Мелодии просты, но очень красиво аранжированы. Моя любимая песня на альбоме - заключительная медленная Wind Up (сам Андерсон называл её "вечной песней"). Она оставляет замечательное послевкусие, хочется прослушать альбом ещё раз - монетка в копилку тех, кто считает Aqualung концептуальным альбомом. Вот сейчас дописываю статью и хочется опять послушать альбом целиком, от начала до конца. Давно не слушал, уверен, что получу огромное удовольствие, чего и вам советую
Остались нераскрытыми другие выдающиеся номера альбома, но пора закругляться. Формат статей в Яндекс-дзене не предполагает длинных эссе. Наверное надо будет вернуться к этим композициям ещё как-нибудь