ВНИМАНИЕ, статья получилась довольно объёмная и затрагивает немало тем, связанных с искусством и возможно кому-то покажется слишком затянутой и можно было бы её сократить, подредактировать и сделать более информативной и т.п... , но т.к. я автор этой статьи, потративший время на изучение темы и её написание, то оставил всё как есть и считаю работу законченной. "Я - художник, я так вижу" ))...
Прежде чем перейти к основному выводу, необходимо немного пройтись по истории и философии искусства, о том, как мы до всего этого дошли.
Искусство - способ познания мира и отображение действительности в нашем понимании, и не важно о каких событиях и переживаниях идёт речь, плохих или хороших, ведь плохое также способно влиять на умы и отображает действительность. Искусство нам диктуют две вещи: сама жизнь и наше воображение. Есть то, что мы видим или слышим в своём воображении и хотим это как-то перенести в реальность, а есть то, что мы видим в жизни и хотим это запечатлеть. Ну, и есть реальность дополненная нашим воображением, т.е. и то и другое вместе. А искусство - это всего лишь, ещё один инструмент в руках человека, при помощи которого люди выражают своё Я или своё отношение к чему-либо. Если обобщить, то критерием искусства является способность вызывать эмоциональный отклик у других людей. Но вопрос стоит: как отличить настоящее искусство от псевдоискусства?...
Сегодня дела в искусстве обстоят так, что искусство оказалось разделено на части: классическое высокое искусство; массовое искусство; экспериментальное искусство. Исходя из этой концепции, сегодня искусством может стать практически всё, что захочет художник, если строго не придерживаться какой-то определённой части искусства из перечисленных. Художник с именем может взять абсолютно любую вещь, и стоит ему придать ей какой-то философский концепт, как она сразу станет предметом искусства и ниже я постараюсь объяснить почему так вышло. Но сначала нам нужно определиться с какой из трёх частей искусства мы имеем дело:
1 - классическое высокое искусство: живопись, опера, балет, скульптура, классическая музыка, литература, театр;
2 - массовое искусство: киноиндустрия, музыка, цирк, эстрада, клипы, реклама, дизайн, фотография, видеоигры;
3 - экспериментальное искусство. К нему относятся в основном виды визуального искусства, которые отходят от традиционных методов и стилей двух предыдущих частей искусства.
Классическое высокое искусство всегда будет оцениваться выше всего, а искусство для масс будет оцениваться ниже. А вот экспериментальное искусство может быть неоднозначным, и тут есть простор для субъективности. Но во всём этом есть существенный нюанс. Мы можем наблюдать произведение, которое попадает под критерий высокого искусства, картину живописца например, но так бывает, что почему-то оно не вызывает положительных откликов не только у простых людей, но и ценителей искусства - "мазня мазнёй". А иногда, смотришь на театральное представление и задаёшься вопросом: "куда я вообще попал?"
Споры о том, что называть искусством ведутся очень давно и сегодня, с появлением разных необычных направлений в этой сфере, люди как-то всё больше разделяются в этом вопросе. Была изложена мысль о том, что произведение искусства определяется тем, что оно должно совмещать в себе форму, содержание и искренность. Считается, что содержание и форма неразрывно связаны друг с другом и оба переходят из одного в другое. Поэтому в искусстве, несовершенство оформления указывает и на недостатки содержания, и наоборот. Например, в музыке разделить форму и содержание возможно лишь теоретически. И первое препятствие, с которым я столкнулся, это как интерпретировать искренность в искусстве. Искренность - отсутствие противоречий между реальными чувствами и намерениями. Для меня оказалось не всё так очевидно. Можно было бы определять отсутствие искренности клешированностью и коммерцилизацией произведений, но для меня и это не просто. Тут нужно учитывать и какие-то другие аспекты. Часто художники делают на заказ довольно качественные работы. Лично мне довольно трудно определить искренность в предметах искусства. Хотелось бы узнать у тех , кто в теме, как вы определяете искренность в живописи, скульптуре или в музыке? Или же искренность определяется вложенным в творение трудом и его клешированностью?!...
Скажу, что в целом, эта формула способна отличать и отбирать предметы искусства, но она зависит от субъективной оценки. Пример на основе литературного произведения: "Единство содержания и формы – это в то же время и единство автора и читателя, их творческая встреча, ведь единство и взаимопереход мира и текста производятся в процессе творчества и воспроизводятся в процессе читательского восприятия. Их не может, конечно, произвести только читатель, но они и не могут произойти без той читательской субъективности, которая снова и снова делает реальным вновь осуществляемый союз «волшебных звуков, чувств и дум». И в других видах: "Абсолютно справедливо то, что действительность, отображенная художником, продолжает жить в восприятии субъекта, который сопоставляет свое миропонимание, свой жизненный опыт с тем, что он увидел и услышал в произведении, дополняя и расширяя авторский замысел. Почему надо говорить об искусстве, как о событии? Не является ли просто висящая на стене в пустом Лувре «Джоконда» Леонардо искусством? Нет, не является (цитаты взяты из работ М. М. Гиршмана «Содержание и форма литературного произведения» и «Литературное произведение: теория художественной целостности», а также из работы Г. А. Карцевой "Содержаниеи форма произведения искусства"). Получается, без читателя, литературное произведение не будет искусством. Также не будет искусством музыка без слушателя, как не будет существовать реальности без субъекта, её наблюдающего и взаимодействующего с нею.
Вот так мы дошли до важного термина, как "событие искусства", который может кем-то применяться для определения искусства. "Событие искусства" - это уникальный процесс общения между человеком и произведением искусства. Однако: "Другое дело, что наличия высокохудожественного произведения совершенно недостаточно для "события искусства". Если в Третьяковке религиозный паломник встаёт перед «Троицей» Андрея Рублева поклоняется и молится перед ней, то здесь скорее события искусства не свершается. Для него икона великого иконописца – лишь объект религиозного почитания, но не эстетическая ценность, не произведение собственно искусства, не выдающееся живописное произведение, каким она является по существу. Или же если перед каким-нибудь пейзажем Исаака Левитана останавливается некий дилер от искусства и начинает размышлять о стоимости этого полотна, то никакого события искусства и здесь не происходит. Произведение искусства выступает лишь как коммерческий объект. Поэтому для события искусства важнейшим, пожалуй, является наличие адекватного, т. е. эстетически подготовленного субъекта. Это означает, что с произведением искусства вступает в контакт человек, обладающий достаточно развитым эстетическим вкусом и владеющий на том или ином уровне художественным языком того искусства, к восприятию произведений которого он приступает" (отредактированная цитата из научной работы «Что такое искусство?» (круглый стол), авторы - И. М. Бакштейн, Е. В. Барабанов, В. В. Бычков, Н. Б. Маньковская, Е. В. Петровская, В. А. Подорога).
Но опускаясь с небес на землю, можно понять, что далеко не каждый человек может найти в себе желание и даже время на то, чтобы серьёзно заняться изучением искусства, чтобы иметь необходимый эстетический вкус для оценки произведения. Существенным является и знание художественных особенностей языка искусства того или иного исторического периода, того или иного этноса, вида искусства, знания о самом художнике и т.п. Для людей, не обладающих определенным уровнем вкуса и специфической натренированностью в общении с тем или иным видом искусства, т.е. не «знающих» (на интуитивном уровне) его языка, "события искусства" не происходит. Многие люди вроде бы и смотрят произведение искусства, ради этого и пришли к нему, но не видят его, и событие искусства в этом случае не совершается. Например, чтобы человек подходил к «Боярыне Морозовой» Василия Сурикова как к произведению живописного искусства, а не как к фрагменту из жизни или странице истории. "Наслаждение – не цель искусства, как и любого эстетического акта, но основной показатель того, что событие искусства состоялось. Однако большинство реципиентов не разбираются в этих тонкостях, они просто стремятся к общению с произведением искусства часто именно ради этого наслаждения, которое в свое время хорошо ощущал еще Аристотель, мудро обозначив его философским термином катарсис (очищение)" (цитата из научной статьи Виктора Бычкова «Метафизический смысл искусства»). Отсюда можно сделать вывод, что "событие искусства" - это метод, который могут использовать далеко не все, и который может быть весьма искажён субъективными ощущениями.
Проходя по видам искусства формулой "форма-содержание-искренность", я наткнулся на такой момент... Инсталяции. В одном из видео о современном искусстве показали инсталяцию неубранной кровати с раскиданными вещами. Многие отнеслись к этому с уже понятной критикой и не увидели там ничего особенного. Может, разберём по формуле?... Форма, вроде как есть - инсталяция. Искренность... Опять же, что считать искренностью в искусстве?!... Содержание?!... Смысл был в периоде депрессии, в котором пребывала автор, чему и посвятила данную инсталляцию... А если создать инсталяцию кухни с разбитой посудой и разбросанными вещами и назвать её "Скандал", и люди, пережившие нечто подобное, будут испытывать глубокую связь с данным арт-объектом?! Значит содержание есть и можно назвать это искусством?... А если бы та кровать с вещами была нарисована на полотне красками, то как тогда к ней отнестись? О чём бы вы задумались? Была бы тогда справедлива к ней эта формула? Или может, инсталляции нельзя отнести к виду искусства или нельзя считать подобное инсталяцией?... Но, всё же, хочу отметить, что автор выставила свою кровать, чтобы показать атмосферу депрессии, в которой та пребывала долгое время, и заостряла внимание на том, что это расстройство выходит на первое место в мире... Эта формула работает, но мне кажется, что она работает в зависимости от субъективного восприятия человека, что и показывает этот пример. ...Или, всё же, я чего-то не так понял? )...
На одной из видеолекций показывали картину К. Малевича "Мальчик с ранцем", изображающую всего два квадрата (большой чёрный и маленький красный). Если никто там не увидел ничего, кроме двух квадратов, то это не значит, что никто там больше ничего не увидит, и это будет ещё одним примером субъективности методов "события искусства" и "форма-содержание-искренность". С другой стороны, красота и богатство в многообразии. Если бы все слушали тех, кто критикует искусство других, то никто бы не дал появиться ничему новому. А как развиваться искусству, если всегда будет один стиль в живописи, в скульптуре, в музыке и т.д.? Иногда человеку не хочется красоты, когда ему её лепят повсюду на глаза; когда в реальной жизни не всё так, а иногда и не хочет видеть. Человек устаёт от сладких иллюзий как от моделей с идеальной внешностью на обложках глянцевых журналов. Порой, ему хочется высвободить те эмоции, что накопились в нём. Иногда, художник своим видением стремится показать, что он чувствует внутри, как в картине Мунка - "Крик". Поэтому, во многом придётся согласиться с выражением: "Я художник, я так вижу". Это его право, но зрителю дан выбор поддерживать автора в его вкусах и взглядах или нет.
Ещё, я проанализировал по формуле то, что нельзя назвать танцем, а скорее больше кривлянием под музыку. До этого, я видел много людей, которые не умеют танцевать, в том числе и себя... Форма есть - танец. Искренность, вроде тоже. Содержание... Ну, маловато конечно, но нельзя сказать, что его нет совсем. Вполне можно почувствовать тоже, что чувствует тот человек, когда кривляется под музыку. Но, может кому-то это, сложновато будет понять.
Искусство возникло как имитация и подражание эстетике внешнего мира, где она бы выражалась в концентрированном виде; искусство и возникло по сути именно для его выражения. Но с течением времени, люди стали более глубже мыслить и искусство стало выражать не только эстетику внешнего мира, но и мира внутреннего. Искусство стало средством выражения разных гамм чувств, отражая нашу реальность и наши переживания. "Современное искусство делает ставку на управлении процессами человеческого восприятия и упорно следует за новациями в области науки и техники (прежде в области исследования «сознания»). Современное искусство требует, чтобы реципиент шевелил мозгами... Одной из примечательных особенностей современного искусства – состоит в том, что эта современность опускает шлагбаум перед той философией и эстетикой, на языке которой издавна принято рассуждать об искусстве... Здесь пора вспомнить эссе-манифест художника Джозефа Кошута под названием «Искусство после философии» (1969 г.). Речь шла о том, что искусство вступило в ситуацию или эпоху после философии. Не потому, что философия как академическая дисциплина закончилась, а потому, что само искусство находится в ситуации после философии как эстетики. Эстетика в ее традиционных значениях более не применима к современному искусству. Искусство отделилось от эстетики и само стало одной из форм философии в лице собственных теорий и практик мысли о мысли" (отредактированная цитата из научной работы «Что такое искусство?» (круглый стол), авторы - И. М. Бакштейн, Е. В. Барабанов, В. В. Бычков, Н. Б. Маньковская, Е. В. Петровская, В. А. Подорога). Т.е. люди меняются и они всё меняют вокруг себя. И я тоже пришёл к выводу, что отделилось не только искусство от эстетики, но и само искусство разделилось на части.
Искусство - это отражение нашей эпохи и взгляд людей на мир и то, что в нём происходит. Во времена постимпрессионизма люди жили и дышали всяким революционизмом и новаторством. Импрессионизм, авангардизм, концептуализм, всё это лишь продукты своего времени, какими были и люди и их идеи и взгляды. И современное искусство - это такой же продукт своего времени, продукт культуры и творчества. Да, есть эпатаж, провокация, протест, но таково наше время. "Искусство стало выражаться не в единстве не в своей всеобщности, а в своей единичности, общее проявляется в индивидуальном и через субъективное" (цитата из научной работы - "Форма и содержание произведения искусства" , автор - Г.А. Кварцева).
Теперь перейдём к провокационным моментам в искусстве, которые иногда касаются не очень приятных вещей, но они важны для темы. Например, Марсель Дюшан поставил писсуар под другим углом и назвал его фонтаном. Знаю, что было куча разных мнений, что там нулевое высказывание и нет ни содержания, ни искренности, и форма была не очень, а есть искусствоведы, которые считают это искусством. Однако, замысел у Дюшана был иной. Этим он скорее показал, людям иное субъективное видение предметов искусства и окружающих нас вещей; посыл, своего рода призыв к новом взгляду на вещи, пусть и в протестной форме. Он создал своё направление в искусстве: реди-мейд. "Из трех самых известных реди-мейдов Дюшана («Велосипедное колесо», «Сушилка для бутылок» и «Фонтан») только «Сушилку для бутылок» можно назвать чистым реди-мейдом, потому что художник не изменил ее форму. «Фонтан» не совсем реди-мейд по нескольким причинам. Во-первых, сам предмет, писсуар, предмет явно не нейтральный. Во-вторых, Дюшан не оставил его нетронутым, он его перевернул.«Сушилка для бутылок» была куплена в обычном парижском магазине, выставлена в неизмененном виде, и название указывает лишь на сам предмет, а не на символический подтекст, как у «Фонтана». Зритель оставлен наедине со своими мыслями и ассоциациями. То, что родится в его голове, и будет смыслом произведения. То есть художник больше не навязывает свою волю в трактовке произведения, как это происходило раньше. Дюшан играл с восприятием зрителя. Сам он писал немецкому художнику Гансу Рихтеру: «Я запустил им в физиономию сушилку и писсуар – как провокацию, – а они восторгаются их эстетической красотой». Фактом того, что писсуар может находиться на выставке, Дюшан хотел показать, что зрители оценивают произведение искусства, находясь под гнетом социальных представлений и навязанных стандартов, а с другой стороны, если все признали какого-то художника мастером, то мало найдётся осмелившихся сказать, что это не так" (отрывок из статьи «Великое и непонятное: Как писсуар стал искусством», be-in.ru). Марсель Дюшан, своим "фонтаном" хотел бросить вызов зрительской оценке, однако эта провокация заставила людей задуматься над тем, что их окружает.
Кому-то нравится картина Моне "Олимпия"? Один искусствовед рассказывал, как к этой картине относились многие художники и люди - её пытались оплевать. Новаторов и экспериментаторов всегда критикуют больше всех остальных. Но в последнее время люди стали слишком смелыми и уже ничего не стесняются. Люди уже к этому настолько привыкли, что многие всерьёз задумываются о чём-то, глядя даже на простой камень или чистый лист, однако платят за это, чтобы посмотреть. Был один автор, который даже продал свои экскременты в консервных банках с соответствующей надписью. Думаете, он хотел сделать произведение искусства?! На самом деле нет. Он, как и Дюшан, показал людям, что они даже не могут отличить искусство и драгоценность от той самой субстанции. Произвёл впечатление именно посыл, а не то, что кто-то мог посчитать это искусством. Хотя, я конечно не исключаю, что тот, кто это купил, таким образом хотел заработать на известном имени и потом перепродать этот "материал" автора. Есть информация, что спустя много лет одна из банок была продана за 275000 евро... Но здесь конечно уже речь идёт больше о продаже имени, бренда, "страницы истории в искусстве", а не о предмете... Таким образом, люди сами не могут разобраться между собой что считать искусством, а что нет и просто ставят свои субъективные оценки.
Возможно, вы понимаете, что искусство не может только поучать и быть няшным, белым и пушистым. Это уже будет слишком иллюзорное представление о нас и о нашей жизни. Но и творческие эксперименты и поиски были на протяжении всей нашей истории. То современное искусство, которое люди критикуют, не что иное как поиск новых форм искусства, потому как сложно придумать что-то новое и революционное. "А чем бы выделится", да, это как раз один из способов развития искусства, такое бывает нередко, особенно сегодня. Но это как в эволюции видов: происходят случайные мутации и на свет появляются новые творения, и то, что проявит жизнеспособность и приспособленность станет искусством, которое признают многие. Да, есть эпатаж, провокация и протест, но это признак того, что искусство идёт в ногу со временем. Художники помогают нам взглянуть на жизнь, мир вокруг нас и наш внутренний мир под разными углами. Понятие "Современное искусство" довольно широкое, всегда найдётся то, что можно подчеркнуть или позаимствовать, всегда найдётся что-то стоящее. Не стоит слишком обобщать и говорить, что всё современное искусство - это тупиковая ветвь. Что-то забудется, а что-то останется, в любом случае. Оригинальность, нестандартность и авторский стиль во многом делают работу художника хорошим искусством, не для массового потребителя, которому, зачастую это произведение будет непонятным. Коммерческое искусство стремится быть массовым, конвеерным. Поэтому в искусстве не для масс часто присутствует оригинальность, нестандартность и авторский стиль. Многие называют его непонятным, скандальным и бредовым, но зачастую именно в этом направлении мы можем найти что-то уникальное и необычное. Пусть среди них 90% для вас окажется бредом, но именно среди этого бреда вы можете найти для себя 10% настоящего искусства, которого вы больше нигде не найдёте.
Современные художники отнюдь не новаторы в экспериментах. Экспериментаторы были всегда, просто их было далеко не так много, как сегодня. "Современный художник обучается одной важной вещи – не только создавать свои собственные тексты, а еще создавать контекст. Каждый – творец собственного контекста, что гораздо более сложная задача" (цитата из научной работы - "Теория и история искусства. Что такое искусство?" (круглый стол), авторы - И. М. Бакштейн, Е. В. Барабанов, В. В. Бычков, Н. Б. Маньковская, Е. В. Петровская, В. А. Подорога).
Для примера возьмём концептуализм, а именно работу Кошута "Один и три стула". Многие с лёгкостью могут сказать, что там "ноль искусства". Но, как я уже говорил, грань между обычными вещами и предметами искусства в нынешнем времени весьма размылась. Этот вывод люди сделали скорее всего потому, что как раз не вникали в суть концептуализма и в язык, на котором говорит автор. Во многом, люди смотрят на всё, как обыватели. В этой и других работах своей серии Кошут сопоставлял три явления: объект, образ и слово. Кошут использовал язык сам по себе как средство. Он стремился показать, что искусство заключается не в самом объекте, а в идее или концепции работы. Концептуальное искусство существует прежде всего в сознании, а не в материальных объектах, но обычно люди видят только сам стул, его изображение и слово. Чтобы оценивать идею художника, стоит сначала подробнее узнать о самом художнике и о его стиле, чтобы понять его посыл и философию. Однако, конечно данный вид искусства точно не будет цениться высоко, но ведь и цель концептуализма отличается от цели классического искусства. Это словно граница между искусством и философией.
Тенденции современного искусства - это иной взгляд на вещи, на всё, что нас окружает, надо только понять, что ничто в жизни не стоит на месте, а движется и меняется. Например, то же концептуальное искусство (разновидность экспериментального) обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного. Кошут говорил: «Быть художником сегодня – означает задавать вопросы о природе искусства». Все предметы, окружающие художника, это инструмент, который он может использовать для выражения своего внутреннего мира или своего отношения к чему-либо. Да, экспериментальное искусство, во многом, нельзя назвать высоким искусством, но среди всей этой горы экспериментов можно найти самородок. Чтобы понимать что является искусством, а что нет, мало мыслить формулой, нужно уметь ещё и стремится понять, что хотел сказать автор, ознакомится с аннотацией его концепции, и быть может, вы посмотрите на его работу совсем иначе.
Касаясь вопроса псевдоискусства, нельзя не упомянуть ещё и о роли коммерции в искусстве, т.к. часто коммерческую составляющую воспринимают как один из критериев псевдоискусства. Многие понимают, что художнику необходимо зарабатывать на жизнь и одновременно думать о возвышенных идеях и посылать их во внешний мир своим искусством. Но для простых людей коммерция воспринимается как низменный мотив. Отсюда раньше возникали концепции вынужденного аутсайдерства художников в обществе, однако, в конце XX века им удалось прорвать эту блокаду. Но сегодня баланс накренился уже в другую сторону и этот баланс уже нарушает бизнес. Бизнесмены во многом подмяли под себя рынок современного искусства и отчасти стали диктовать свои условия, что способствует оскудению творческой мысли в современном искусстве. В свою очередь, человек искусства, если он только им и живёт, тоже должен зарабатывать. Пушкин, например, писал ради денег, и мы его называем "Великим поэтом всея Руси". Достоевский написал много произведений по той же причине, потому что был азартным игроком. Да и многие портретисты тоже писали свои картины на заказ. Однако, как сказала моя знакомая: "Но только там, где большие деньги и большая слава, мало человека." Хорошо сказано. Полагаю, для некоторых людей это справедливо. Но думаю, спекуляция на искусстве ещё не означает, что нужно сразу обесценить все идеи таких художников. Например, "бриллиантовый череп" Дэмиана Хёрста - вполне хорошая работа, хорошая идея. Конечно, он может и не стоить столько сколько за него запросили (я не знаю настоящие ли на нём бриллианты и его себестоимость) и в чём именно выражается искренность (по формуле), но работа на мой взгляд интересная. Бизнесмены всё равно найдут на чём спекулировать, будто картины, скульптуры или что-то ещё. Но повторю, это не означает, что все идеи людей, которых вы не считаете художниками, не заслуживают внимания. Нужно ещё понимать, что современные художники, это не художники прошлого времени и они имеют право зарабатывать на своих работах. Им надо не только на что-то жить, но и искать клиентов, покупателей или арендаторов для своих работ. С увеличением посредников может возрасти и цена на предмет искусства. Нужно ещё упаковать, перевезти, может и застраховать даже, найти место (самому арендовать его) и установить, или найти тех, кто всё это сделает. Отсюда и наценка, всё как с товарами в магазине. Наценка за имя или бренд?!... Это можно воспринять как востребованность. Чем более знаменит художник, тем больше он востребован, а значит тем больше у него клиентов и заказов, а это требует времени. Поэтому, можно понять некоторых художников, которые делают немалую наценку за свои работы, однако, справедливости ради, бывают и те, кто сильно себя переоценивает.
Многие люди придают коммерческой стороне вопроса чрезмерное значение и заламывают цену на такие "шедевры", которые могут этого не стоить. Ведь, немало "шедевров" современного искусства люди могут спокойно сделать и у себя дома сами, например, приклеить к стене банан скотчем. Согласен с тем, что экспериментальное искусство не для того, чтобы выставляться в музеях, поэтому для них делают отдельные выставки. И как говорилось в документальном фильме - "Большой мыльный пузырь современного искусства": "Шедевры ранних веков оказались просто недоступны, чтобы их купить и таким образом сделать выгодное вложение денег, вот бизнесмены и изворачиваются как могут. Многие произведения современного искусства носят элитарный характер и стараются претендовать на новизну. Конечно, бывают и стоящие идеи, но в силу тиражированности приема некоторых из них, их метафизическая наполненность (может, как раз та самая искренность) как-то выветривается."
Тут ещё можно упомянуть такую сферу деятельности, как реклама. Реклама сама по себе отличается от искусства тем, что преследует коммерческие цели и многие могут сделать вывод, что она не относится к искусству. Однако, суть в том , что бизнес взял на вооружение искусство, чтобы продвигать свои товары и услуги. А есть такая штука, как социальная реклама, которая даёт людям идею, подобно идеологическим живописным плакатам в стиле соцреализма. Да, сама по себе, реклама - это искусство, но которое бизнесмены используют, как инструмент для получения прибыли, это как раз и обесценивает его как искусство в глазах многих людей. Это тоже самое, что и с фильмами: есть фильмы-шедевры для души и осмысления, а есть фильмы на экспорт, развлекательные для масс. Это делает их менее значимыми, однако, всё же это попадает под критерии искусства. И здесь, уже подходя к другому вопросу об оценке искусства одновременно можно и найти ответ о том, что такое псевдоискусство...
Ну так где же разница между искусством и псевдоискусством? Что такое псевдоискусство в сегодняшнем понимании?... Псевдоискусство - это то, что принято считать недостойным называться искусством, как например "каракули" ребёнка, нарисованные карандашом. Псевдоискусство считают недолговечным. Такие произведения редко пробирают до души. Эмоции, впечатления, переживания, вызванные псевдоискусством, поверхностные и кратковременные. Однако, при этом, наскальная живопись первобытных людей считается искусством, порой ни чем не отличающаяся от детских "каракулей". Под критерий псевдоискусства попадает и "Фонтан" Дюшана. Можно сказать, что человек просто взял и на эмоциях перевернул предмет и так оно и будет. Однако те, люди, которые его создали, они прилагали к этому свой труд, талант и воображение, включая и тех, кто создал сушилку для бутылок. Некоторые люди отличают искусство и псевдоискусство по критерию соответствия произведения целям искусства: если творение им отвечает — это искусство, если нет — это псевдоискусство. Но и здесь бывает людям сложно прийти к единому мнению
Описание любови к диктатору, погубившему много людей; описание разврата; убийства в красивой искренней форме и призыв к этому... Это можно увидеть в античных литературных произведениях (особенно военных), где немало крови и ужасов. Есть немало вещей в искусстве, которые неприятны для нас, но некоторых людей они приводят к осмыслению и катарсису. Но это вовсе не означает, что все те художники автоматически глупы и бездуховны. Эти люди - отражение эпохи, в которой они жили. Какой ценностью будет обладать подобное искусство?! Тут уже речь идёт о том, что затрагивает всё существо человека и остаётся на века, в памяти людей. Но большинство вряд ли будут интересовать подобные вещи. Их будут изучать только узкие специалисты - искусствоведы. Большинство подобных "шедевров" забудется и будут не нужны людям. Конечно, в памяти надолго останутся первопроходцы, меняющие наше представление и ломающие стереотипы. Поэтому писсуар-фонтан, банки супа на полотне и кое-что ещё в самих банках, или может даже банан на скотче, останутся в веках, но большинству людей они вовсе будут не нужны. И не стоит переживать уж так по этому поводу. Время всё расставит по своим местам. Люди вовсе не разучились рисовать и писать, и вряд ли разучатся. Критиковать и даже разоблачать можно и даже нужно, но приходить неподготовленным, и даже не задумываясь, на какую-либо выставку или в галерею и сразу ругать всё, что там есть, покажет вас не с самой лучшей стороны. Это уже будет как раз говорить об уровне вашей внутренней культуры
Ну и наконец, резюмируя всё, выше описанное, я пришёл к следующим выводам... По моему мнению, просто взять любой предмет и назвать его предметом искусства мало, должен быть ещё достаточно высокохудожественный стиль и ценность произведения; больше труда и воображения. И если уж совсем конкретно, то разницу между ними можно определить такой мерой, как талант/навык + время. Сама стоимость материалов и средств - это уже отдельная категория. Но тогда встаёт вопрос: как оценить этот эквивалент - талант/навык + время ? Я думаю, что здесь уже гораздо проще и подавляющее большинство людей способны оценить сколько времени затратил художник и его таланты и способности, если конечно сам ценитель не имеет корыстных мотивов. Ведь понятно "Звёздная ночь" Ван Гога будет цениться выше детских "каракулей". Оценивать искусство и духовно-материальные ценности нужно по степени вложенного труда и времени + насколько произведение эстетично и приближено к реальности. Чем более приближено оцениваемое произведение к высокому искусству, т.е. чем более оно усложнено, больше требует труда, таланта и терпения, соответственно тем выше его нужно оценивать.
Но и ещё одним критерием оценки обязательно должно являться то, какой духовный посыл несёт в себе то или иное произведение искусства; какие нравственно-моральные ценности. Монолог Гамлета стоит оценивать дороже, чем шутку из комедии по той причине, что монолог несёт в себе большую смысловую нагрузку, умственного и интеллектуального труда. Таким методом можно оценивать и литературные произведения. И кто бы что ни говорил, но картины Моне будут точно цениться выше многих картин Малевича... Мне ещё вспомнился случай. В Японии один "художник" продавал "невидимые картины", которые, по его словам, являлись отражением его души. Японец утверждал, что его картины являются «зеркалами внутреннего мира». Коллекционеры и галереи платили десятки а потом сотни тысяч долларов за чистые холсты, и как потом выяснилось, с поддельными сертификатами. Мошенничество было обнаружено, когда галерист из Осаки попытался продать одну из работ арабскому шейху. Эксперты подтвердили, что это был просто чистый нетронутый холст... Ещё один повод задуматься.
И хочется ещё добавить, что часто перед человеком встаёт выбор: сходить в музей или поваляться на диване. Иногда человеку нужно и то и другое, однако, что в человеке преобладает больше, то он и будет выбирать, а значит и ценность самого человека и его внутреннего мира будет соответствующей. И мнение людей о тех или иных вещах, людях и событиях будет исходить из того, что они сумели накопить в своём внутреннем мире.