Эжен Делакруа (родился 26 апреля 1798 года, Шарантон–Сен-Морис, Франция — умер 13 августа 1863 года, Париж) был одним из величайших французских художников-романтиков. Его мастерство колориста оказало влияние на развитие как импрессионистской, так и постимпрессионистской живописи. Его вдохновение черпалось главным образом из исторических и современных событий, литературы, а поездка в Марокко в 1832 году дала ему новые темы для творчества.
Делакруа был четвертым ребенком в семье. Его мать - Виктория Эбен из семьи Эбен-Ризенер, которая в XVII и XVIII веках создавала мебель для французского короля и двора, его отец - Шарль Делакруа, государственный чиновник, который был послом в Голландии в 1798 году и умер в 1805 году, будучи префектом Бордо. Одна из теорий приписывает истинное отцовство Эжена государственному деятелю Шарлю-Морису де Талейран-Перигору. Это убеждение подкрепляется как сильным физическим сходством Делакруа с Талейраном, так и тем фактом, что будущий художник неизменно получал важное покровительство от французского правительства, несмотря на характер своего искусства.
Какими бы ни были истинные обстоятельства его происхождения, детство Делакруа было безоблачным и он всегда сохранял большую привязанность к своему отцу и восхищался им. До 17 лет он изучал классическую литературу, развил страсть к музыке и театру. В 1815 году он стал учеником известного академического художника Пьера-Нарцисса, барона Герена. Дитя своего века, Делакруа находился под влиянием художника Теодора Жерико, Ричарда Парка Бонингтона, композитора и пианиста Фредерика Шопена и писательницы Жорж Санд.
Дебют Делакруа в Парижском салоне 1822 года, где он представил свой первый шедевр "Данте и Вергилий в аду", является одной из вех в развитии французской романтической живописи XIX века.
Художник был вдохновлен "Божественной комедией" Данте и картиной Жерико "Плот Медузы", трагизм сцены и мощная лепка фигур напоминают о Микеланджело, а насыщенный колорит свидетельствует о влиянии Питера Пауля Рубенса. Среди современников Делакруа важную роль сыграл Теодор Жерико, который был лучшим другом вплоть до его внезапной смерти в 1824 году.
В 1824 году Делакруа выставил в Парижском салоне картину "Резня на Хиосе" - большое полотно, изображающее драматическую резню греков турками на острове Хиос. Природа его таланта очевидна в том единстве, которого он достиг в выражении надменной гордости завоевателей, ужасе и отчаянии греков и великолепии бескрайнего неба.
На переднем плане полотна Делакруа мы видим группу обезумевших греческих мужчин, женщин и детей, которые, прижавшись друг к другу (одни мертвые, другие едва живые), лежат на земле. Слева мужчина умирает от ранения в живот, а его жена опирается на его плечо; справа мертвая мать прислоняется к пожилой женщине, в то время как ее ребенок безуспешно пытается сосать ее обнаженную грудь. Позади них справа турок-осман тащит за собой обнаженую пленницу, в то время как какая-то женщина тщетно пытается остановить его, подняв руки. На заднем плане менее четкие фигуры сражаются на фоне опустошенного пейзажа. Большой масштаб полотна придает монументальность страданиям греческих фигур и усиливает общий драматизм и визуальное воздействие картины.
Картина была написана под впечатлением событий греческой войны за независимость 1822 года, во время которой турецкие войска вторглись на остров Хиос и убили тысячи восставших греков. Делакруа отошел от традиций классической повествовательной живописи, в которой преобладали порядок, регулярность и чувство контроля. Скорее, эта работа представляет собой новый подход к исторической драме. Во-первых, она основана на реальных и недавних событиях, а не на отдаленных эпизодах из древней истории или мифологии. Делакруа приближает зрителя к действию, а точнее к страданиям жертв - мы существуем на том же уровне, что и они, тем самым вдохновляя нас на сопереживание и эмоциональное единение. Наконец, вместо того, чтобы показывать самые кульминационные моменты битвы, он показывает нам ее последствия, используя насыщенные цвета и сложную композиционную структуру с различными группировками фигур на переднем и заднем плане.
Чтобы завершить свое техническое и культурное образование, Делакруа в 1825 году уехал в Лондон. Там его техника, разработанная благодаря контактам с Тернером, Констеблем и сэром Томасом Лоуренсом, приобрела свободу и гибкость, которыми он до тех пор восхищался в Рубенсе и к которым стремился сам.
Между 1827 и 1832 годами Делакруа создавал шедевры в быстрой последовательности. Главный из них - смерть Сарданапала (1826-27), жестокий и сладострастный байронический сюжет, в котором женщины, порабощенные люди, животные, драгоценности и богатые ткани объединены в чувственной, но несколько бессвязной сцене.
Эта огромная картина изображает еще одно драматическое историческое событие - последние минуты ассирийского царя Сарданапала, который приказал уничтожить все свое имущество (включая гарем) во время осады своего дворца. Он предпочел умереть, чем быть побежденным, и момент, который решил изобразить Делакруа, был как раз перед его самоубийством, поступком скорее экстравагантным, чем героическим.
На картине видно, как царь, одетый в белое, возлежит на большой кровати с красной драпировкой, наблюдая за царящим вокруг хаосом. Одна рабыня рухнула на кровать рядом с царем, в то время как другая ждет своей смерти от руки его слуги-мужчины на переднем плане. Лошадь в страхе встает на дыбы, раб едва сдерживает её. Покои короля усыпаны богатствами, включая золотые изделия, драгоценности и роскошные ткани, которые вскоре сгорят в пламени погребального костра.
История Сарданапала была популярна у романтиков. Художник усилил драматизм, присущий этой сцене, благодаря своей композиции: общий эффект - это хаос, но совершенно особого рода, отмеченный декадансом. Эта картина является примером драматического таланта, который Делакруа привнес в свое творчество.
Картина демонстрирует мастерство Делакруа в обращении с цветом, и в частности, его использование красного цвета, который одновременно символизирует декаданс и роскошь, но также, конечно, кровь и раны.
Одна из лучших картин Делакруа на исторические темы "Казнь дожа Марино Фальеро", как и две работы по средневековой истории: "Смерть Карла Смелого, герцога Бургундского", 5 января 1477 г. (1831 г.) и "Битва при Пуатье". (1830).
Он также написал типично байроническую тему битвы между гяуром и паши (1835).
Как и Жерико, Делакруа исследовал недавно изобретенный способ литографии и сделал набор из 17 литографий (1827 г.), иллюстрирующих французское издание "Фауста" Иоганна Вольфганга фон Гете.
В 1830 году Делакруа написал картину "Свобода, ведущая народ", посвященную июльской революции, которая только что привела Луи-Филиппа на французский трон. Это большое полотно в очень удачной и монументальной манере сочетает аллегорию с современным реализмом и до сих пор остается, пожалуй, самой популярной из всех картин Делакруа.
На картине изображены люди разных возрастов, бегущие по холсту, усеянному мертвыми телами. В центре стоит женщина с обнаженной грудью, которая держит винтовку в левой руке и французский флаг в правой и смотрит в сторону. Справа от нее - двое мужчин; один в белой рубашке, размахивающий саблей, бежит рядом с официально одетым мужчиной в черном пиджаке, галстуке и цилиндре, держащим в руках мушкет. Слева от женщины - мальчик, размахивающий двумя пистолетами. На заднем плане видны дым и разруха, а также едва различимые очертания Парижа. Картина богата символизмами. Единство классов представлено присутствием буржуазного джентльмена, сражающегося бок о бок с представителями низших классов. Национальные цвета Франции (синий, белый и красный) повторяются по всей композиции. Женщина служит аллегорией понятия Свободы и, как следствие, самой Французской Республики. Делакруа показывает ее как воительницу, готовую сражаться. Она буквально устремляется вперед, ведя за собой народ.
Сила этой работы заключается в ее способности передать одновременно патриотический дух события и его хаотичную, полную насилия реальность. Интересно, что изображение Свободы, созданное Делакруа, стало главным символом республиканства во Франции, заняв место как на национальной валюте, так и на почтовых марках и закрепив за ним место в наследии величайших художников Франции.
С января по июль 1832 года Делакруа путешествовал по Алжиру, Испании и Марокко.
Марокко стало откровением для Делакруа, который нашел в его народе и образе жизни гомеровское благородство и красоту, которых он никогда не видел во французском академическом неоклассицизме как таковом. Виды буйной природы и красота лошадей, арабов и их одежды отныне будут вдохновлять его зрительную память даже в его последних работах. Во время путешествия Делакруа сделал множество набросков и заметок и с успехом использовал их по возвращении в Париж. После Марокко его рисунок и обращение с красками стали ещё более свободными, а использование цвета еще более роскошным.
Первые плоды его марокканских впечатлений собраны в картине "Женщины Алжира в их квартире" (1834), в которой три арабские женщины и их окружение изображены в сиянии изысканно теплых цветовых гармоний.
Три алжирские женщины в ярких одеждах непринужденно сидят на полу в богато украшенном интерьере. Темой этой работы стал визит Делакруа в дом мужчины-мусульманина (и бывшего пирата), в котором была отдельная квартира для его гарема или женщин из его семьи. Хотя вокруг этого визита существует некоторая двусмысленность, мы знаем, что Делакруа был очарован увиденным и описал этот опыт как вызывающий «лихорадку, которую едва можно было сдержать шербетами и фруктами».
В основу картины Делакруа легли рисунки и акварельные зарисовки женщин, которые он сделал. Богатство деталей на картине является результатом как его внимания к деталям как наблюдателя, так и его творческого подхода к созданию сцен романтической экзотики. Делакруа однажды заявил, что "главное достоинство живописи - это радовать глаз", что он и демонстрирует этой картиной, являя собой превосходный пример своего мастерства в использовании красок, передавая мистику Востока, которая так заинтриговала французскую публику того времени. Сезанна однажды заметил:
"У Делакруа была лучшая цветовая палитра во Франции".
Среди других работ Делакруа, посвященных его североафриканским впечатлениям, - "Конвульсионисты Танжера" (1837-38) и "Еврейская свадьба в Марокко" (1839).
Он продолжал писать картины на арабские темы почти до конца своей жизни.
На закате своей карьеры Делакруа получил ряд важных заказов на оформление правительственных зданий. Его первым заказом в 1833-1836 годах была роспись группы фресок для Королевского салона в Бурбонском дворце. Впоследствии ему было поручено украсить потолок библиотеки Бурбонского дворца (1838-47), библиотеки Люксембургского дворца (1840-47), потолок Галереи Аполлона в Лувре (1850), Салон мира в Отель-де-Виль (1849-53). Его фрески представляют собой последнюю крупную работу такого рода в традиции барочных потолочных художников.
В этот период Делакруа также написал несколько самых масштабных полотен в своей карьере, в частности два для исторического музея в Версале: "Битва при Тайллебуре" (1837) и "Вступление крестоносцев в Константинополь" (1840).
В последние годы своей карьеры Делакруа все больше и больше обращался за вдохновением к природе. В отличие от традиционных натюрмортов, которые обычно расставляются на столах в помещении, здесь обстановка представляет собой пышный открытый сад с зелеными кустарниками и деревьями. На картине изображена соломенная корзина, перевернутая набок, из которой выпало множество цветов красного, желтого, розового и оранжевого цвета. Корзина находится прямо под цветущей виноградной лозой, которая растет с левой стороны холста и тянется вправо по всей ширине картины, образуя своего рода арку авансцены. Красный цветущий куст слева сочетается с яркими цветами другого куста на правом среднем плане, а также с цветами в центре. Действительно, акцент на цвете и композиции создает общее впечатление гармонии, которую более поздние импрессионисты стремились создать в своих собственных сценах на открытом воздухе.
Среди его более поздних станковых картин есть картины на арабские, религиозные и классические сюжеты, а также несколько великолепных сцен с дикими животными и охотой, в том числе "Охота на львов", 1861.
Эта напряженная и несколько хаотичная сцена изображает группу арабов, ведущих атаку на двух львов. Слева львица сбивает с ног всадника и его лошадь, в то время как другая фигура пытается пронзить её копьем сзади. На заднем плане, на вершине неплотно построенной пирамидальной композиции, другой охотник скачет галопом к месту битвы с поднятым мечом. На переднем плане в центре и справа мы видим еще четырех мужчин, пытающихся убить льва-самца, который зажал одного из охотников в своих огромных лапах. Эта картина вошла в серию работ Делакруа, созданных на тему охоты на львов, и считается одним из последних его масштабных шедевров. Картина подчеркивает интерес художника к динамичному расположению фигур и экспериментированию с ними для достижения драматического эффекта, который он исследовал на протяжении всей своей карьеры. Она также демонстрирует увлечение художника животными, которых он усиленно изучал (его альбомы для рисования были полны графитовых рисунков как домашних кошек, так и диких, в том числе львов, некоторые из которых он сделал в зоопарке парижского Сада растений). Действительно, Делакруа был большим поклонником животных и писал в своем дневнике, что был очарован тем, что «передняя лапа льва походила на чудовищную руку человека».
За свою долгую карьеру Делакруа написал несколько заметных автопортретов и время от времени создавал портреты таких друзей, как Шопен и Санд (оба в 1838 году).
Делакруа умер в 1863 году, оставив после себя более 6000 рисунков, акварелей и гравюр, которые были выставлены на продажу. Его дневники являются одними из самых содержательных со времен Леонардо да Винчи.
Вместе с Тернером Делакруа стал предтечей смелых технических инноваций, которые оказали сильное влияние на развитие импрессионизма и последующих модернистских течений. Раскрепощенное выражение энергии и движения в его работах, его увлечение насилием, разрушением и наиболее трагическими аспектами жизни, а также чувственная виртуозность его колорита помогли ему стать одной из самых увлекательных и сложных художественных фигур 19-го века.
🎨 Если статья была вам интересна, то прошу поставить лайк или написать комментарий. Мне интересно знать ваше мнение.