Любовь – это одно из тех самых чувств, которые способны пробудить музу в большинстве людей, поэтому вовсе неудивительно, что в художественном искусстве так много примеров чистой любви. Любовные картины пытаются уловить суть этого чувства, которое одновременно является очень личным, но, тем не менее, ещё и хорошим универсальным опытом. Разные художники на протяжении столетий вдохновлялись на создание картин о любви, способных передать собой это чувство и другим людям. Давайте же поскорее рассмотрим самые известные любовные картины, которые удачно запечатлели на себе это зачастую мимолётное чувство!
Художественное искусство о любви можно найти повсюду вокруг нас, поскольку данная тема находит отклик в сердцах множества людей, вне зависимости от того, ищут ли они любви в этот момент, уже влюблены или же тоскуют по ушедшей любви. Однако есть определённые любовные картины, которые стали настолько влиятельными в массовой культуре, что абсолютно заслуживают их дальнейшего изучения и ещё большего признания. Сегодня мы сосредоточимся на лучших образцах любви в искусстве и посмотрим, что же сделало все эти произведения такими известными и популярными.
Узнав больше о художнике и обстоятельствах создания нижеприведённых полотен о любви, мы ещё лучше поймём всю их ценность и влияние на массы.
1 место. «Беседка из Жимолости» – Питер-Пауль Рубенс
- Дата создания: примерно 1609 год
- Размеры: 178 х 136 сантиметров
- Место нахождения: Старая Пинакотека (Мюнхен, Германия)
«Беседка из Жимолости» – это произведение искусства, буквально до краёв наполненное супружеской символикой, оно изображает собой автопортрет фламандского художника Питера-Пауля Рубенса (годы жизни 1577-1640) и портрет его первой жены – Изабеллы Брант (годы жизни 1591-1626). Композиция, изысканные детали и выбор цвета в этом произведении ясно показывают нам, что Рубенс был выдающимся живописцем периода фламандского барокко. Пара влюблённых сидит в беседке из жимолости, которая окружена садом. И то и другое зачастую считается традиционным изображением любовных чувств, именно поэтому они нередко и появляются во многих романтических произведениях искусства.
Ещё одним признаком единения и брака пары являются сами влюблённые, которые держат друг друга за правые руки. Художник изобразил себя прислонившимся к рукоятке меча, таким образом, обозначая свой джентльменский статус. Картина, написанная маслом на холсте, в наше время экспонируется в Старой Пинакотеке Мюнхена. На протяжении веков жимолость имела самые разные значения. А то, что и по сей день связывают с цветком кустарника, зародилось ещё в средние века. Жимолость обозначала собой длительное удовольствие, а также символизировала настойчивость и стойкость. Она стала весьма распространённым символом в художественном искусстве ещё при жизни Рубенса. Тот же куст можно увидеть и в другой его более поздней картине под названием «Сад Любви» (1633 год), которую он посвятил своей второй жене – Хелене Фаурмент (годы жизни 1614-1673).
Вполне возможно, первое вдохновение на создание картины Рубенсу пришло из символов рая, которые можно было увидеть в монастырских садах Средневековья. Ещё одним фактором, который мог повлиять на неё, стала французская рыцарская поэма XIII столетия, известная как «Роман о Розе», которую написали Жан де Мён (годы жизни 1240-1305) и Гийом де Лоррис (годы жизни 1200-1238). Также свою ключевую роль сыграла и важность сада в аристократическом обществе. В данных сценах женщины всегда изображаются объектами обожания своих поклонников, а сад наполняется удовольствием и музыкой. Позы двух фигур на данной конкретной картине более расслаблены и скромны по сравнению с благородной одеждой, которую они носят.
2 место. «Еврейская Невеста» – Рембрандт ван Рейн
- Дата создания: 1665 год
- Размеры: 121 х 166 сантиметров
- Место нахождения: Рейксмузей (Амстердам, Нидерланды)
В начале XIX столетия голландский торговец произведениями искусства охарактеризовал сюжет этой картины так: еврейский отец дарит своей родной дочери украшение в день её свадьбы. Хотя имена двух этих людей в наши дни так и неизвестны, большинство историков искусства предполагают, что на самом деле это герои из Ветхого Завета – Ребекка и Исаак. Конечно, картина не является точным изображением еврейской невесты из Библии, а, скорее, красивым и экзотическим отображением культурной церемонии, находившейся за пределами опыта преимущественно христианского образа жизни.
Независимо от того, подразумевал ли Рембрандт ван Рейн (годы жизни 1606-1669) своим произведением библейскую сцену, нет вообще никаких сомнений в том, что он выражал между двумя своими персонажами интимное взаимодействие. В соответствии с современной эстетикой протестантского реформаторского искусства, когда мужчина кладёт свою руку на грудь женщины, та инстинктивно движется от него в сторону и защищает собственную благопристойность. Тем не менее, оба персонажа проявляют признаки привязанности друг к другу, что и делает данную сцену далеко не самой обычной сценой соблазнения.
Фигуры большие, но плоские, как и другие появляющиеся герои в более поздний период творца, они предлагают обзор для великого множества перекрывающихся мазков алого и золотого цветов, интенсивность которых увеличивается или уменьшается по мере того, как они выходят из света или же заходят прямо на него. Несмотря на страсть и привязанность, это не совсем приятная картина. Может быть, оттого, что сам Рембрандт в своей жизни и творчестве подвергался частому физическому принуждению. У Исаака, как кажется, ожидания небольшие, как будто он не уверен, что же ждёт его в будущем. В это же время Ребекка кажется задумчивой и почти озабоченной какой-то мыслью.
3 место. «Влюблённые, Гуляющие по Снегу (Ворон и Цапля)» – Судзуки Харунобу
- Дата создания: начало 1770-ых годов
- Размеры: 28 х 20 сантиметров
- Место нахождения: Метрополитен Музей (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Эта работа о любви, пожалуй, самая романтичная и депрессивная из всех тех, которые изображают собой влюблённых в японском стиле укиё-э. Судзуки Харунобу (годы жизни 1725-1770) эффектно показал тесную связь пары влюблённых, блуждающих по снегу, даже намекая нам на митиюки – или же путь к романтическому парному самоубийству. В так называемой позе «ай ай гаса», что буквально переводится на русский язык как «совместное использование зонтика и любви», пара прогуливается рядом друг с другом, в то время как на них мягко падает снег.
Создатель полихромной гравюры Харунобу, также известный как нисике-э, демонстрирует нам своё владение цветом, изображая парные белые и чёрные одежды влюблённых, которых он сам называет «вороном и цаплей».
Он украшает внутренние одежды обеих фигур замысловатыми полихромными мотивами, прекрасно контрастирующими с основными цветами творения. Дизайн женского кимоно и капюшона, а также нежная, хлопьевидная фактура снега подчёркиваются тиснением. Сие произведение представляет собой раннюю версию рисунка, который позднее был повторно выгравирован либо ещё при жизни Харунобу, либо вскоре после его смерти с небольшими изменениями.
4 место. «Задвижка» – Жан-Оноре Фрагонар
- Дата создания: 1777 год
- Размеры: 73 х 93 сантиметра
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
В период рококо стиль живописи превратился в нечто более яркое и энергичное, с изогнутыми линиями, цветочными узорами и пастельными тонами. Новые стили и сюжеты картин отражали собой распутный менталитет XVIII столетия, который фокусировался на телесных удовольствиях и гедонизме. Французский художник Жан-Оноре Фрагонар (годы жизни 1732-1806) был одним из самых выдающихся его представителей.
Картина изображает собой решающий момент в романтических отношениях. На ней показывается пара, находящаяся в своего рода экстатическом трансе, в это же время мужчина запирает дверь спальни на задвижку.
Толстые шторы рубинового цвета, ниспадающие на кровать, только усиливают страстную атмосферу композиции, а сценические огни ярко освещают пару влюблённых. Художественное искусство рококо, ориентированное собой на любовь, зачастую воспроизводило одну и ту же сценическую схему, в которой мир и время словно замирали, изображая страстную сцену романтических объятий. Фрагонар начинал с рисования эскизов для картины. Принято считать, что произведение искусства могло быть вдохновлено литературными творениями той поры и что для поз героев, скорее всего, использовались реальные модели. Поговаривали, что его вдохновляли Джованни Боккаччо (годы жизни 1313-1375), Лудовико Ариосто (годы жизни 1474-1533) и Жан де Лафонтен (годы жизни 1621-1695).
5 место. «Поцелуй» – Франческо Айец
- Дата создания: 1859 год
- Размеры: 110 х 88 сантиметров
- Место нахождения: Пинакотека Брера (Милан, Италия)
На этой конкретной картине изображается средневековая пара, целующая друг друга в крепких объятиях. Это одно из самых ярких и наполненных жизнью изображений поцелуя в истории западного художественного искусства. Женщина откинута немного назад, а мужчина вытягивает свою левую ногу, дабы поддержать её, и ставит ногу на ступеньку, как будто уже готов бежать в любой момент. Хотя пара и находится в самом центре изображения, их не распознать, потому что художник Франческо Айец (годы жизни 1791-1882) хотел, чтобы в центре композиции были не люди, а их страстный поцелуй. Тени таятся в углу левой части картины, передавая нам ощущение надвигающейся опасности и заговора. В 1815 году, сразу после поражения Франции Наполеона Бонапарта (годы жизни 1769-1821), был собран Венский Конгресс, который стал восстанавливать карту прежней Европы.
Италия играла незначительную роль по сравнению с другими европейскими странами и должна была быть разделена на различные государства. Габсбургские правители либо непосредственно доминировали, либо сильно влияли на каждую отдельную страну. Данная фрагментация противостояла растущему националистическому стремлению к объединению Италии, что привело к формированию тайных обществ с демократически-радикальными взглядами, таких как «Молодая Италия» и «Карбонарии». Франческо Айец создал сие произведение искусства именно в тот период времени. Прекрасно осознавая смертоносное преследование националистического движения, Айец решил скрыть концепции заговора и сопротивления захватчикам, изображая некоторые исторические события. Художнику удалось обойти цензуру, используя загадочные и неоднозначные аналогии.
Эту картину заказал граф Альфонсо-Мария Висконти-Саличето. Он поручил Айецу проиллюстрировать надежды, тесно связанные с партнёрством Королевства Сардинии с Францией. Хотя в центре нашего внимания и находится страстное общение двух влюблённых, показанных в образах средневековых персонажей, произведение искусства таит в себе ещё и символические параллели с итальянскими националистическими идеями, известными как Рисорджименто. Мужчина на картине – это национальный патриот, который отчаянно боролся против власти Габсбургов после поражения Италии в первой битве за независимость в 1848 году. На это указывает кинжал, припрятанный в его мантии, и сине-красная цветовая гамма полотна, отсылающая нас к французскому триколору. В войне за свободу Франция встала на сторону Италии, и сие творение стало для Айеца способом выразить союзнику своё восхищение.
6 место. «У Папаши Латюиля» – Эдуард Мане
- Дата создания: 1879 год
- Размеры: 92 х 112 сантиметров
- Место нахождения: Музей Изящных Искусств (Турнэ, Бельгия)
Эта картина была выполнена в бистро, известном как «Папаша Латюиль», которое располагалось неподалёку от похоронного бюро Клиши. Ресторан зиждился на Авеню Клиши, что было недалеко от Гербуа. Первоначальную модель – Эллен Андре (годы жизни 1856-1933), которой пришлось взять перерыв в работе модели – заменила Майл Френч. Молодой джентльмен на картине – это мсье Готье-Латюиль – родной сын владельца заведения. Он познакомился с Мане в этом самом ресторане, когда работал одним из официантов. Художник отметил, что этот человек довольно приятной внешности и хорошо одет.
На картине молодой человек изображается смотрящим с любовью в глаза молодой женщине, сидящей рядом с ним.
Полотно изображает собой процветающий золотой период французов с пышной растительностью и поразительной архитектурой. Девушка была изображена в классической роскошной одежде той поры, демонстрирующей нам французскую винтажную моду. На ней шляпа, кружевные перчатки и белый пушистый шарф.
7 место. «Танец в Деревне» – Пьер-Огюст Ренуар
- Дата создания: 1883 год
- Размеры: 180 х 90 сантиметров
- Место нахождения: Музей Орсе (Париж, Франция)
Это произведение искусства в 1882 году заказал купец Пьер Дюран-Рюэль (годы жизни 1831-1922), ему очень сильно были нужны картины на тему бала. В 1883 работа была впервые выставлена для широкой аудитории, а в 1886 купец купил её, она оставалась у него в коллекции вплоть до самой смерти Пьера-Огюста Ренуара (годы жизни 1841-1919). В том же 1883 году художник также создал и две дополняющие друг друга картины на ту же тему: «Танец в Буживале» и «Танец в Городе». Творение было вдохновлено поездкой художника в Италию в 1881, где он испытал на себе огромное влияние со стороны Рафаэля Санти (годы жизни 1483-1520). Картина продемонстрировала развитие живописца, всячески пытавшегося отойти от модного импрессионистского стиля того времени.
На полотне изображаются два человека, танцующие под ветвями каштана: мужская фигура – это Поль Лоте – близкий знакомый художника; а дама – это Алина Шариго (годы жизни 1859-1915) – супруга Ренуара.
Оба персонажа написаны в натуральную величину и занимают собой практически всё полотно. Однако на заднем плане справа можно увидеть стол, а также шляпу на земле и пару лиц чуть ниже уровня танцплощадки. Женщина, держащая в своей правой руке веер, улыбается и смотрит прямо на зрителя. Сценарий композиции наполнен яркой и позитивной атмосферой, одежда на девушке имеет тёплые оттенки, к примеру, мы можем разглядеть на ней красную шляпу и жёлтые перчатки.
8 место. «В Постели, Поцелуй» – Анри де Тулуз-Лотрек
- Дата создания: 1892 год
- Размеры: 70 х 54 сантиметра
- Место нахождения: частная коллекция
Анри де Тулуз-Лотрек (годы жизни 1864-1901) – это художник-постимпрессионист и модернист, хорошо известный своими изображениями прекрасной, захватывающей и зачастую пикантной парижской жизни конца XIX века. Данное произведение исключением из правил не является: на полотне изображаются две девушки в постели, занятые поцелуем в страстных объятиях. Даже если бы люди ожидали подобных проявлений сексуальности от Тулуза-Лотрека, такая ситуация обязательно бы шокировала публику его времени, поскольку в ту эпоху лесбиянки ещё не были общеприняты в обществе.
Тулуз-Лотрек был вдохновлён тёмными сторонами ночной жизни Парижа – столицы Франции, такими как клубы, кабаре и бордели. Считается, что на этой картине и изображаются девушки, работающие в одном из городских борделей. Для размещения всех своих проституток борделям зачастую просто не хватало места, что и вынуждало двух женщин спать в одной постели. Временами это заканчивалось тем, что между ними развивались глубокие дружеские и даже сексуальные связи, как, вполне возможно, и произошло с двумя девушками, которых изобразил Тулуз-Лотрек.
Произведение искусства получило похвалу за способность изобразить глубокую связь между двумя людьми, которые, похоже, даже и не подозревают о том, что их рисует художник, они не обеспокоены критикой, которую общество могло бы им вменить, если бы их тайные отношения были вдруг раскрыты. Они полностью погружены друг в друга, и у зрителя создаётся впечатление, что в момент, написанный для нас Тулузом-Лотреком, у них нет вообще никаких проблем, кроме времени, которое они проводят вместе. Работа освещает пару яркими тонами жёлтого и красного цветов, а также более приглушёнными оттенками синего, серого и зелёного, которые и окружают лежащую пару.
9 место. «Поцелуй» – Эдвард Мунк
- Дата создания: 1897 год
- Размеры: 99 х 81 сантиметр
- Место нахождения: Музей Мунка (Осло, Норвегия)
Норвежский художник Эдвард Мунк (годы жизни 1863-1944) написал сразу несколько картин на одну и ту же тему, в том числе и «Поцелуй», которые представил впоследствии в выставке, широко известной как «Фриз Жизни». Тематики серии включали в себя смерть, любовь, секс, тревогу, измену, ревность и разные этапы жизни; также там была представлена культовая работа творца – «Крик» (1893 год).
Мунк никогда не был женат, и мрачная атмосфера «Поцелуя» отражает собой двойственное отношение живописца к романтике. Этих двух персонажей практически невозможно отличить друг от друга, ибо черты их лиц в произведении искусства встречаются и сливаются воедино.
По мнению историка искусства Рейнгольда Хеллера (родился в 1940 году), изображение влюблённых представляет собой их единство, а также предвосхищает опасный упадок индивидуальности, эрозию собственной идентичности и существования, что может намекать нам на смерть. Эта тема также представлена и четырьмя разными гравюрами на дереве. «Поцелуй I» и «Поцелуй II» стали одними из первых гравюр в карьере Мунка, которые он сделал в 1897 году. «Поцелуй III» впервые дебютировал в 1898, а в 1902 за ним последовал и «Поцелуй IV». Художник в каждом из примеров корректирует детали заднего фона, он использует разные блоки, которые лишь немного видоизменяются.
10 место. «День Рождения» – Марк Шагал
- Дата создания: 1915 год
- Размеры: 80 х 99 сантиметров
- Место нахождения: Нью-Йоркский Музей Современного Искусства (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Русский художник Марк Захарович Шагал (годы жизни 1887-1985) называл слово «любовь» основным цветом в своих произведениях искусства. Его жена – Белла Самойловна Розенфельд (годы жизни 1895-1944) – была главным источником привязанности на всю жизнь творца. Они познакомились в ту пору, когда Белла была ещё подростком, произошло это в Витебске – ныне Республика Беларусь. Несмотря на сильное неодобрение родителей девушки, желавших лучшего брака для своей дочери, в 1915 пара всё-таки поженилась. Шагал создал сие произведение в том же году – всего за несколько недель до женитьбы на Белле.
Это великолепное изображение невероятной, текущей и всепоглощающей любви пары. Шагал буквально парит над Беллой, находясь в состоянии сна.
Когда он наклоняется, чтобы поцеловать свою будущую жену прямо в губы, его голова неестественно вытягивается вверх тормашками и чуть назад. Белла показана нам с букетом цветов и позирует так, будто собирается взлететь. В яркой гостиной, где преобладает пёстрый красный ковёр, пара пребывает в настоящем любовном экстазе. Цвет слоновой кости, бежевый и коричневый цвета мебели и настенных украшений гостиной прекрасно дополняют сие творение. Полотно представляет собой великолепное произведение искусства, которое шикарно передаёт ощущение экстатической любви между молодыми людьми в приятной, но вполне себе обычной сцене, которая, как кажется, излучает собой счастье буквально из каждого квадратного миллиметра произведения.
11 место. «Фрида и Диего Ривера» – Фрида Кало
- Дата создания: 1931 год
- Размеры: 100 х 78 сантиметров
- Место нахождения: Музей Современного Искусства в Сан-Франциско (Сан-Франциско, штат Калифорния, США)
Мексиканская художница Фрида Кало (годы жизни 1907-1954) представляет себя маленькой и незначительной по сравнению со своим огромным мужем Диего Риверой (годы жизни 1886-1957), изображённым вместе с палитрой красок. Картина представляет нам не только их физическое различие, но и автопортрет жены в тени известнейшего на весь мир живописца. Странный баланс сил, который можно наблюдать внутри этого произведения искусства, потенциально сбивает нас с толку. Кало словно изображает себя в качестве лишь малой части жизни своего мужа, она как бы намекает нам, что он должен быть независимым.
Её относительный рост также преувеличен, тем самым сильнее подчёркивая неравенство сил. В этой работе упускаются из виду её собственные творческие достижения и черты характера, а единственные художественные отсылки относятся лишь к её новоиспечённому супругу.
Фрида познакомилась с уже 42-летним Риверой – известным художником и революционным лидером – в 1928 году, когда ей самой было лишь двадцать лет. Он признал её артистические таланты, и в следующем году они поженились. Затем пара перебралась в Куэрнаваку, штат Морелос, Мексика. Там Кало начала испытывать влияние со стороны традиционной мексиканской культуры, причём как в своей работе, так и в надеваемой на себя одежде. Их бурные отношения впоследствии сильно повлияли на большую часть творчества художницы.
12 место. «Фигуры на Пляже» – Пабло Пикассо
- Дата создания: 1931 год
- Размеры: 195 х 130 сантиметров
- Место нахождения: Музей Пикассо (Париж, Франция)
Летом 1931 года Пабло Пикассо (годы жизни 1881-1973) создал серию странных сексуальных изображений на пляже, в том числе и сию картину, всё это происходило в курортной местности Жуан-ле-Пен, что на Французской Ривьере. Гротескный характер изображения форм, который, как поговаривают, был мотивирован любовным романом художника с юной 19-летней натурщицей Марией-Терезой Вальтер (годы жизни 1909-1977), свёл их момент близости к своего рода грубости, что, вполне возможно, больше свидетельствует об ухудшении его отношений с женой – Ольгой Степановной Хохловой (годы жизни 1891-1955). Головы двух фигур, похожих на богомолов, были крайне популярны среди художников-сюрреалистов той поры, потому что извращённая мысль о самке насекомого, поедающей своего спутника сразу после полового акта, давала ещё одно визуальное представление о дилемме «жизни и смерти».
В эти головы также включены гротескные изображения так называемых «зубастых влагалищ» и языки мужского полового органа.
Косвенный и сатирический намёк на классицизм уравновешивается параллелями с современной сюрреалистической живописью, особенно с картинами Сальвадора Дали (годы жизни 1904-1989) и Жоана Миро (годы жизни 1893-1983), в которых принимали участие фигуры монстров. Дали и Миро, как и сам Пикассо, тоже были настоящими мастерами гротеска. Вполне возможно, на это произведение повлияли творения обоих сюрреалистов, но связь с Дали, пожалуй, видится больше. Редукционный и упрощённый стиль произведения искусства весьма далёк от псевдоакадемического лоска Дали, иллюзионистских трюков и миниатюрного внимания к деталям, однако Пикассо был открыт для абсурдного сочетания самых нелепых психоаналитических образов с, казалось бы, традиционным художественным стилем.
На этом мы завершаем наш сегодняшний список самых известных картин о любви. С 1600-ых и по 1930-ые годы все эти образцы любовного искусства варьируются от красивых до причудливых. А некоторые из них представляют собой самую простую невинную и сладкую любовь, в то время как другие, кажется, больше всё-таки о похоти и влечении. Как мы успели убедиться, любовь в искусстве способна выражаться множеством самых разных способов. Так какая же картина о любви, по вашему личному мнению, самая прекрасная?