Итак, изменения, которые происходили в сфере профессиональной музыки в период Ренессанса, были не такими бурными, как скажем, эволюция в сфере изобразительных искусств. Однако эти преобразования были не менее значимыми. В предыдущей статье мы остановились на том, что трансформация средневековой духовной музыки оказалась связана с появлением и развитием полифонии, а также, утверждением ладово-гармонической основы музыкального языка.
А теперь пришло время вспомнить о том, что вся культура эпохи Возрождения постепенно освобождалась от церковного влияния (этот процесс называют секуляриза́цией). Так со временем стала развиваться и профессиональная светская музыка, служащая больше для развлечения, украшения досуга и праздников.
Ренессанс – время рождения множества вокальных светских жанров: вилане́лла, ка́чча, фрото́лла и др. Однако самым популярным из них стал мадрига́л, который можно назвать «визитной карточкой» эпохи. Так называлась многоголосная песня (2 или 3 голоса) на национальном (материнском) языке, чаще всего любовного или лирического содержания. Тексты для мадригалов зачастую писали выдающиеся поэты эпохи: Ф. Петрарка, Дж. Боккаччо, Т.Тассо, Л. Ариосто и др. Этот жанр пользовался большой любовью композиторов и в нём попробовали свои силы практически все известные сочинители эпохи.
Кстати, именно в эпоху Ренессанса, окончательно утвердился термин композитор, в том значении, в котором мы употребляем его сейчас. Этой же эпохе мы обязаны и первыми теоретическими трудами по исследованию системы музыкального языка. Так швейцарский музыкант Ге́нрих Глареа́н (1488-1563) в трактате «Додекахорд» изложил учение о ладах, где закрепил понятие мажора и минора. А итальянец Джозеффо Царли́но (1515-1590) впервые издал труд, в котором разбирал законы музыкальной гармонии.
Все изменения в культурной жизни эпохи находили отражение в мадригале. Так маньеризм Позднего Ренессанса нашёл своё воплощение в творениях композитора Джезуа́лльдо да Вено́за (1560 – 1613). Он считается создателем уникального хромати́ческого стиля. В его музыке появляются нехарактерные для эпохи Возрождения тяготения к резко звучащим интервалам (диссонансам), использованию контрастов темпа, ритма, неожиданной смены динамики и даже скачков в голосоведении.
Всё это позволяло мастеру более «заострённо» и даже несколько преувеличено отражать те эмоции и чувства, о которых говорилось в поэтическом тексте мадригала. Причём все используемые музыкальные приёмы, воспринимались символически: «…пауза в середине слова трактуется как «вздох», хроматизм и диссонанс связываются с представлением о скорби, ускоренное ритмическое движение и плавный мелодический рисунок – с потоками слёз, ветром и т.д.», - пишет музыковед Т. Дубравская.
Аналогом итальянскому мадригалу во французской музыке был шансо́н (фр. chanson — «песня»). От мадригала его отличало, в основном, только содержание – это чаще всего была не любовная лирика, а бытовые сценки и зарисовки из жизни. Прославленным создателем полифонического шансона считается Клема́н Жанеке́н (1475 – 1558). С большим мастерством и остроумием в своих произведениях он применяет приём звукоподражания, виртуозно используя его для создания практически «зримых» образов. Так в его, ставшей очень популярной в то время, песне «Битва при Маринья́но», можно услышать и сигналы фанфар, и лязг оружия, и барабанную дробь, крики и стоны солдат, и в заключение - ликование и веселье после завершения боя. В шансоне «Пение птиц» - участники ансамбля подражают голосам пернатых – их партии весьма сложны, но очень эффектны – они изобилуют тре́лями, мели́змами, фиорету́рами, что в целом позволяет создать вполне реалистичную «картину». А в песню «Крики Парижа» он включает реплики, рисующие суету улиц города: «Молоко!» — «Пирожки!» — «Артишоки!» — «Рыба!» — «Спички!» — «Голуби!» — «Старые башмаки!» — «Вино!». О многом могут сказать названия и других шансон Жанекена: «Охота на оленя», «Песня жаворонка», «Болтовня женщин за стиркой» и др.
Еще более сложный вид музыкального исполнительства представлял собой моте́т (от фр. mot – «слово») - один из любимых жанров как церковной, так и светской музыки. Необычен принцип его строения: один из голосов исполняет традиционный латинский григорианский хорал, а остальные голоса (обычно два или три), в это время, «ведут» собственные самостоятельные мелодические линии. Причём каждый из исполнителей поёт текст, не совпадающий с другими, а иногда в мотете звучат тексты одновременно на разных языках! И мелодические линии голосов, оказывались более развитыми, и самостоятельными. Такой вид многоголосия получил название свободная полифония. Мотет считался жанром для избранных – утончённых слушателей и интеллектуалов.
Многие вокальные светские произведения предполагали исполнение не только a’capélla, но нуждались в поддержке какого-либо инструмента. Постепенно, инструментальной партии стало уделяться всё большее внимание, а со временем, появились и чисто инструментальные произведения. В церкви по-прежнему звучал орга́н, а вот фаворитом светской музыки стала лю́тня.
Этот струнный щипковый инструмент, прародитель современной гитары, попал в Европу из стран Арабского Востока (само название «лютня» происходит от арабского «аль-уд»). В эпоху Возрождения лютня была чрезвычайно популярна, её можно было услышать и при дворах королей и на городских улицах, игра на лютне сопровождала застолья и балы, а также весьма охотно применялась во время домашнего музицирования. Многие композиторы писали музыку для этого инструмента.
Назовём таких мастеров - создателей лютневой музыки: Франче́ско да Мила́но, Винче́нцо Галиле́й (отец учёного Галилео Галилея), Джу́лио Каччи́ни и др. Они создавали полифонические пьесы, сочиняли танцевальную музыку для балов, иногда делали переложения для лютни популярных песен, мадригалов и шансонов, демонстрируя свои таланты и возможности инструмента в жанре вариаций и импровизаций.
Однако важным было и то, что благодаря лютне всё большую популярность приобретает музыка не полифоническая, а гомофо́нно-гармони́ческого склада. Для таких произведений характерно наличие одной ведущей мелодии (как правило, звучащей в верхнем голосе), остальные же голоса, выполняют только функцию гармонической поддержки или аккомпанеме́нта. Утвердившись в музыке эпохи Возрождения, гомофонно-гармоническая музыка завоевала со временем ведущую позицию в искусстве и сохраняет её до сегодняшнего дня.
Интересно то, что уже во время позднего возрождения, когда полифония достигла своего расцвета, в среде музыкантов, композиторов и теоретиков стали возникать идеи о том, что такой вид музыкального изложения делает музыку недоступной большинству слушателей и, более того, они высказывали мысли, что многоголосие мешает восприятию содержания вокальных произведений, так как затрудняет понимание текста. Группа таких критиков современного искусства, решила поэкспериментировать, и в результате своих изысканий они создали новый музыкально-театральный жанр, который мы сегодня называем оперой. Подробнее о том, как это произошло читайте в следующей статье.
Предыдущая публикация: Музыка эпохи Возрождения. Часть 1
Если вам понравилась публикация, то не забудьте поставить лайк, и подпишитесь на канал, чтобы не пропустить новые статьи:) Все публикации вы можете найти в полном каталоге статей.