Стоя на пороге эпохи метамодерна нельзя не оглянуться на уже отыгравший свое постмодерн, поскольку те новшества, которыми пользуются деятели искусств сейчас при создании произведений, сотворены именно авангардистами.
Постмодернизм в изобразительном искусстве, архитектуре или литературе — довольно понятный многим феномен, поскольку его культурные повороты можно буквально наблюдать воочию. Однако с музыкой все немного сложнее, ведь для восприятия на слух требуется гораздо бóльшая база знаний и, в первую очередь, «слуховых инструментов», чем для зрительного восприятия. А потому стоит определить, что такое музыка постмодерна.
Постмодернизм как антитеза традиционным музыкальным канонам чаще всего находит воплощение в форме, то есть способе написания произведения. У каждого типа произведения, будь то симфония, оратория или кантата, есть форма, по законам которой оно пишется и благодаря чему жанры произведений между собой и различают.
Новая «форма» или система написания музыки создается долго, и для того, чтобы ее придумать, зачастую проходят целые эпохи, прежде чем одна сменит собой другую. Более того, после эпохи модерна придумать что-то новое стало еще сложнее, ведь этот период подарил нам множество музыкальных изобретений, а вместе с ними и ощущение того, будто «все уже сыграно и написано». Поэтому недавно отпетая культура постмодерна представляла собой фрустрацию и тревогу композиторов, которые пытались придумать альтернативу существующим музыкальным системам и предложить ее миру, как отмечает в одной из своих лекций музыковед и композитор Анна Виленская.
Культура отрицания уже существующих изобретений достигла своего апогея и в музыке. В то время как первую ассоциацию со словом музыка обычно вызывают у многих именно ноты и звуки, модернисты решили от них отречься. Так, например, в начале XX века Луиджи Руссоло отказался от нот в пользу шумов и звуков, зародив первые черты саунд-арта.
Музыкальная система
Под музыкальной системой подразумевают звукоряд. Малые элементы звукоряда — это ступени и звуки. Если взглянуть на клавиатуру фортепиано, то все клавиши на ней будут издавать свой уникальный звук, а белые – еще и являться ступенями звукоряда.
Названия основных звуков звукоряда
Задача звукоряда — регламентировать отношения между этими звуками, чтобы они звучали гармонично внутри своей системы. Помимо этого есть музыкальный строй — он задаёт соответствие ступеней звукоряда самим звукам, то есть создает такую систему, где каждая ступень эквивалентна определенному звуку звукоряда. Все эти элементы, в свою очередь, образуют музыкальную систему.
Система написания музыки, которая нам доступна сейчас, имела свои рубежи в каждую из эпох от Средних веков и до модернизма. Хроматическая музыкальная система, которой в основном сейчас пользуются композиторы, сложилась еще в Европе к 18 веку в эпоху барокко.
Разумеется, хроматическая музыкальная система существовала не всегда, а создавалась постепенно. В каждой музыкальной эпохе были люди, которые шаг за шагом совершенствовали самую первую музыкальную систему, чтобы прийти к той, что мы используем сейчас. Именно этих композиторов можно назвать своего рода постмодернистами — авангардистами своего времени, благодаря которым развивалась и совершенствовалась музыкальная форма. В этой статье мы как раз расскажем о композиторах совершенно разных временных эпох – от Средневековья и до модерна – которых вполне можно было бы назвать постмодернистами, поскольку они кардинально меняли существующие музыкальные отношения.
Гвидо Аретинский и нотная грамота
Гвидо из итальянского города Ареццо придумал первый прототип нотации – систему письменной фиксации музыки. Гвидо д’Ареццо был музыкальным теоретиком и композитором средневековья. В Ареццо он руководил детским хором кафедральной школы, но текущую систему обучения считал непродуктивной. В средневековье не было стандартной системы музыкальной записи, из-за чего ученикам приходилось заучивать партитуры и запоминать произведения путём бесконечного повторения.
Педагогический талант и свобода в стремлении к новаторству, которое так не принимали в монастыре, где Гвидо работал ранее, способствовали созданию первой нотации. и свобода научной деятельности Аретинского преподавателя способствовали тому, что он совершил реформу нотной записи и основал сольмизацию – прообраз современного сольфеджио. Для того, чтобы ученики Гвидо в кафедральной школе и певцы монастырской капеллы легче и точнее исполняли мелодию, музыкант ввёл шестиступенный звукоряд с определённым соотношением интервалов – гексахорд.
Его трактат «Микролог» 1025 г. состоит из 20 глав, которые он посвятил учению о звукоряде, интервалах, ладе, мелодии и органуме (многоголосный музыке). Революционной стала и сама форма изложения, в которой Гвидо отошел от классических принципов учебника и использовал дидактический метод объяснения «от простого к сложному», что упрощало понимание нового материала.
В этой работе Гвидо дал обозначения нотам – Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La по первым слогам строк молитвы-акростиха к Иоанну Крестителю. Посмотрев на текст молитвы, можно увидеть прототип современных обозначений нот в его строках:
Гимн Святому Ионанну, записанный на нотном стане
Система Аретинского была революционной для своего времени. Нотация Гвидо помогла записывать музыку и использовать ноты и нотный стан (линии, на которых они размещаются) вместо условных обозначений отдельных композиторов или запоминания произведений на слух, что позволило музыкантам более точно читать и исполнять музыку по написанным партитурам. Обозначения, которые он создал для нот, хоть и с незначительными изменениями, но все еще успешно используются сегодня музыкантами по всему миру.
Жан-Филипп Рамо и тональность
Следующей важной ступенью в развитии музыкальной формы стала тональность и создание гармонии. Средневековая и первая половина барочной музыки была одноголосной и модальной, и по мере того, как развивалась многоголосная музыка, стали появляться аккорды.
Жан-Филипп Рамо больше сочинял светскую музыку: из под его руки вышло множество пьес для клавесина, который был на пике популярности в XX веке. Он получил большое признание, ведь в эпоху французского барокко любили танцевальную музыку. Для современного слушателя Рамо известен как смелый экспериментатор, который работал с ритмом, гармонией и фактурой.
Эпоха Ренессанса характерна возрождением искусства и его подъемом в странах западной Европы в XIV—XVI веках. В этот период Рамо прославился как крупный музыкальный теоретик, который вывел французскую классическую музыку и оперу на принципиально новый уровень одним из пионеров тональности.
Тональность – это система организации музыки вокруг центральной тональности или тонической ноты. Он разработал новую теорию гармонии, которая подчеркивала взаимосвязь между различными аккордами и их роль в создании ощущения тональности.
Идеи Рамо о тональности и гармонии изложены в его "Трактате о гармонии, сведенной к своим естественным принципам", который был впервые опубликован в 1722 году. В этой работе Рамо представляет свои теории о фундаментальном басе, или идее о том, что корневая нота аккорда – наиболее важный элемент, определяющий его характер. Он также вводит концепцию последовательности аккордов и объясняет, как можно использовать их различные комбинации для создания ощущения тональности и придания структуры музыкальному произведению; как нужно обращать аккорды
Обложка «Трактата о гармонии» Жана-Филиппа Рамо
Из этого трактата также выходят три основные ступени лада – тоника, субдоминанта и доминанта, которые часто используют даже музыканты-обыватели, ведь их сочетания достаточно для осуществления аккомпанемента к песне под гитару или фортепиано.
Гармонию в работе Рамо называет ключевым компонентом музыкальной композиции, поэтому он считал, что для создания хорошо структурированных музыкальных произведений композиторам важно понимать ее принципы. Теория гармонии Рамо ознаменовала собой серьезный сдвиг в том, как сочинялась и понималась музыка, и оказала глубокое влияние на развитие западной классической музыки.
Александр Скрябин и атональность
Александр Скрябин был русским композитором и пианистом, жившим с 1872 по 1915 год и известен как один из самых новаторских композиторов своего времени. Его отличал уникальный подход к сочинению музыки, который сочетал в себе элементы традиционной классической музыки с экспериментальными идеями. Он особенно известен своим инновационным использованием гармонии, ритма и цвета.
В первой половине своей творческой жизни музыка Скрябина характеризуется пышными и богатыми гармониями, сложными ритмами и использованием больших оркестров и хоров. Он также включил элементы мистицизма и символизма в свои произведения, придав им как музыкальное, так и философское выражение (как, например, в знаменитой “Поэме огня”).
Выделяя авангардный дух позднего творчества композитора, нельзя не упомянуть о создании им "цветомузыки". Поскольку Скрябин был синестетиком, для него цветомузыка была способом связать свои музыкальные идеи с сенсорными переживаниями. Он также создал новую систему нотной записи, которая позволила ему указывать точный цвет и интенсивность музыкальных звуков, которые он хотел воспроизвести. Благодаря этому, цветовое сопровождение к его музыке может и сейчас исполняться музыкантами и перформерами.
Примечаельно и то, что Скрябин создал другой иновационный метод музыкального исполнения — атональную систему, которая представляет собой метод сочинения музыки, отвергающий традиционную тональную систему, основанную на иерархии клавиш. В атональной музыке нет доминирующей тональности, и композитор имеет большую свободу экспериментировать с новыми гармониями и структурами. Музыка Скрябина помогла заложить фундамент для развития модернистской музыки 20-го века и проложила путь многим другим композиторам к изучению новых и нетривиальных подходов к сочинительству.
Кроме того, именно атональную систему впоследствии доработает австрийский композитор Арнольд Шенберг и создаст новый революционный метод музыкального сочинения.
Шенберг и додекафония
Арнольд Шенберг был австрийским композитором и музыкальным теоретиком и стал первопроходцем модернистского движения в музыке и наиболее известен своим изобретением музыкальной техники, известной как додекафония, или двенадцатитоновая техника.
До изобретения додекафонии музыка Шенберга характеризовалась богатым и выразительным гармоническим языком, на который повлиял стиль позднего романтизма. Но к началу 20-го века Шенберг начал чувствовать, что гармонический язык романтической эпохи достиг своих пределов и стал искать новые способы музыкального самовыражения.
Появление додекафонии
В течение десятилетия (с 1914 по 1923 годы) Шенберг практически ничего не писал и пребывал в творческом кризисе, который стал поворотным моментом в его жизни и творчестве – уже тогда австрийский композитор сочинил первые произведения, содержавшее черты додекафонии, которые ознаменовали серьезный сдвиг в способе сочинения и понимания музыки.
Одним из таких «переходных» работ (от свободной атональности к додекафонии) стала одноактная оратория "Лестница Иакова", которую композитор писал с 1911 года и завершил только в 1918 году. В этой работе видны искания нового стиля и эксперименты с атональностью.
Додекафония – композиционная техника, в которой автор использует серию из "двенадцати лишь между собой соотнесённых тонов”, как описывал ее сам Шенберг. Если в тональной системе есть тоника, доминанта и субдоминанта, к которым тяготеют (то есть зависят) все остальные ступени, то додекафония отрицает любую зависимость. В такой атональной системе все 12 тонов равны между собой и по правилам не должны повторяться на протяжении одного опуса произведения, которые в последствии стали называть сериями (всего в произведении из должно быть четыре). Так, в додекафонии не существует главной ступени в виде тоники и соответственно нет и лада (мажорного или минорного) и отрицается гармония, которая в середине XVIII века произвела революцию в музыке благодаря Рамо.
Додекафония сильно повлияла на развитие западной классической музыки и на многих других композиторов, которые стремились освободиться от традиционных гармонических и тональных систем прошлого. Некоторые из них — Антона Веберна, Альбана Берга и Белу Бартока, которые стремились раздвинуть границы музыкального самовыражения и создать новые музыкальные формы.
Джон Кейдж и эксперименты со звуком
Джон Кейдж был американским композитором, музыкантом и художником и творил во второй половине ХХ века. Кейдж был учеником Шенберга, который согласился преподавать уроки бесплатно, взяв с Джона обещание, что тот посвятит музыке всю свою жизнь. Вероятно, позаимствовав авангардный дух у своего учителя, в 1930-х годах Кейдж начал экспериментировать со звуком, стремясь выйти за рамки традиционных музыкальных форм, желая создать музыку, состоящую из звуков повседневной жизни, и разрушить барьеры между тем, что считалось музыкой и шумом.
Одним из таких экспериментов была техника «подготовленного фортепиано», в которой Кейдж изменял звучание инструмента, вставляя предметы между фортепианными струнами. Эта техника создала новый и уникальный звуковой мир, что позволило Кейджу исследовать весь спектр звуков, который способно издать пианино.
Одни из самых известных экспериментов Кейджа со звуком – это работы "4'33", "В пейзаже" и "Сонаты и интерлюдии". Стоит выделить наиболее резонансный “4’33”, который впервые исполнил пианист Дэвид Тюдор в 1952 года. Он сел за рояль, открыл партитуру, включил секундомер и просидел в тишине 4 минуты 33 секунды. Дело в том, что в нотах к этому произведению написано только одно руководство к исполняющему – tracet, что в переводе “сохраняй тишину”. Именно в эти четыре с половиной минуты публика могла поменяться местами с оркестром и музыкой становилось то, что воспроизводила аудитория или природа вокруг.
Так, Кейдж менял отношения к звукам и шуму, которые, по его мнению, и являются музыкой.
Кроме того, Кейдж стал прародителем нового течения в музыке – саунд-арта – искусства, использующее звук в качестве материала для работы.