Zeitgenössische Kreation kann nicht nur in dem hochspekulativen Markt zusammengefasst werden, der in der Presse für Schlagzeilen sorgt. Infolgedessen verunreinigt die Finanzialisierung der hohen Sphären der zeitgenössischen Kunst den gesamten Markt mit einer Börsenlogik, die von den Realitäten der Schöpfung losgelöst ist. Im Interesse von Sammlern und Künstlern ist es an der Zeit, alles wieder an seinen Platz zu bringen.
IRREFÜHRENDE ZAHLEN
Der "große Markt" destilliert die Vorstellung, dass der Kauf eines Werkes systematisch schnelle und substanzielle Gewinne erwirtschaften muss und der Erwerb auf eine bedauerliche Instrumentalisierung reduziert wird, die manchmal von fehlgeleiteten Beratern gefördert wird.
Spekulationen sind auch für viele Künstler ein Problem, die versuchen, sie durch die Auswahl ihrer Sammler zu verhindern. Auf die Frage nach France Inter weist der Galerist Chantal Crousel sogar darauf hin, dass "das Phänomen der Spekulation auf dem zweiten Markt katastrophale Auswirkungen auf junge Künstler haben und sie mental blockieren kann. »
Der Bericht Artprice 2015 über den Kunstmarkt relativiert dieses spekulative Phänomen jedoch:
"Mehr als 45600 zeitgenössische Werke wurden in diesem Jahr im Westen verkauft, viermal mehr als im Jahr 2005, wobei fast die Hälfte dieser Einnahmen auf der außergewöhnlichen Bewertung von nur 10 Künstlern basiert".
Mit anderen Worten, die spektakulären Zu- und Abschläge in diesem Markt beruhen auf einigen sensationellen Hammerschlägen, und die von lebenden Künstlern erzielten Preise sind nie zufällig.
Thierry Ehrmann - der blubbernde Gründer von Artprice - bestreitet nicht den künstlichen Charakter bestimmter Bewertungen: "Große Galerien unterstützen oft die Preise ihrer Fohlen in Auktionssälen. So definieren sie das künstlerische Angebot und bauen die Dimensionen auf. »
EINE KREATION, DIE VON IHREM PUBLIKUM GETRENNT IST.
Charakteristisch für die Postmoderne, führt der rein konzeptionelle Ansatz zu einem fortschreitenden Desinteresse eines großen Kreises von Sammlern. Die von Marcel Duchamp übernommene Frage nach dem Status des Kunstwerks ist in der Tat ein wesentlicher Meilenstein in der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts. Aber führt das nicht zu einer irreparablen Scheidung zwischen Kunst und Publikum?
Heute stellen kulturelle Institutionen hybride Formen aus Konzeptkunst, Ready-made, Performance und Installation in den Vordergrund. All dies sind Ansätze, die sich nur schwer an die Privatsphäre anpassen lassen und einen soliden historischen Hintergrund erfordern, um verstanden zu werden.
Wenn der Blickwinkel eines Künstlers durch Erklärungen bereichert wird, umso besser. Aber seine Arbeit muss sich mit seiner eigenen Eloquenz zufrieden geben können. Die Virtuosität eines Werkes basiert auf der Persönlichkeit seines Autors. Auf dem "Weg" und seiner Originalität. Dieses "Etwas", das ihn auf den ersten Blick erkennbar macht.
Es scheint mir, dass die Idee - der Zweck - die Grundlage für jeden kreativen Prozess ist. Sie unterscheidet Kunst und Handwerk. Aber sollten wir alle Formen von Know-how verbieten und den Unterricht von Techniken einstellen?
JUGEND UND INNOVATION
Die heutigen Kunstkritiker sind traumatisiert, weil es ihren Vorgängern nicht gelungen ist, die Bedeutung der Avantgardekunst zum Zeitpunkt ihrer Geburt zu erkennen. Ihr unerschöpflicher Innovationsdurst treibt sie nun in den entgegengesetzten Überschuss. Das zeigt die verrückte Spekulation, die den Beginn der Karriere von Damien Hirst begleitete.... deren Bewertung seit 2008 um 83% gesunken ist.
Wie bei Startups bilden sich echte Finanzblasen um junge Hoffnungen und Investoren nutzen kreatives "Potenzial". Die größten Messen reservieren sogar Ausstellungen für sie mit einer maximalen Altersgrenze.
In einem Artikel aus dem Jahr 2013 mit dem Titel Les temporalités de la réussite identifizierte die Soziologin Séverine Marguin im Alter von vierzig Jahren eine symbolische Frist: "Ein großer Schritt auf dem Berufsweg, der eine Altersgrenze für die Inanspruchnahme des Erfolgs darstellen würde.
Der Autor bedauert weiter, dass "die Jugend mit Frühreife, aber auch mit Neuheit oder Innovation in Verbindung gebracht wird. Aber ist dies eine solide Argumentation, da es ohnehin schwierig ist, Talente zu definieren und noch mehr zu messen: Ist es möglich, dass Talente abnehmen? »
Diese Verherrlichung der Jugend geschieht daher leider auf Kosten der Reife und in Unkenntnis der Erfahrung. Die Ausdauer eines Künstlers bei seinem Streben nach Perfektion scheint mir ebenso lobenswert zu sein wie eine intuitive Leichtigkeit.